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Beaux-artsMusique

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Le programme de musique offre aux élèves la possibilité de se connecter au monde qui les entoure en créant, en présentant et en appréciant la musique, et en y réagissant. En prenant conscience des éléments expressifs de la musique, les élèves acquièrent une connaissance de l’expérience humaine. La connaissance fondamentale et la compréhension des éléments de la musique aident les élèves à développer leur littératie musicale et leurs compétences grâce à un engagement musical actif dans les domaines du chant, du jeu, de l’écoute, du mouvement, de la lecture et de l’écriture. Ces connaissances servent de base à partir de laquelle les élèves peuvent continuer à développer une compréhension et une appréciation de la beauté de la musique dans des contextes historiques, culturels et contemporains. Grâce à des processus créatifs, les élèves apprennent que la pratique individuelle et collective de la musique favorise l’expression des idées, des sentiments et des expériences.
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6e année
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Idée organisatrice
Éléments fondamentaux : En musique, les compétences se développent par la connaissance et l’application des éléments fondamentaux.
Question directrice
Comment les structures musicales sont-elles représentées dans divers contextes musicaux?
Résultat d’apprentissage
Les élèves analysent les structures musicales pour accroitre leur compréhension de la mélodie, du rythme et de l’harmonie.
Connaissances
Les noms de hauteurs de notes do ré mi fa sol la si (CDEFGAB en anglais) appartenant à la portée générale et au solfège peuvent être utilisés pour structurer une mélodie.

Les mélodies peuvent être basées sur différentes gammes, y compris
  • une majeure ou mineure (la diatonique)
  • une pentatonique
  • le blues
  • les modes.
Les modes sont des gammes qui existent depuis le Moyen Âge et comprennent la gamme ionienne, qui est la même que la gamme diatonique majeure.

Une gamme pentatonique avec l’ajout d’une quarte augmentée crée la structure d’une gamme de blues.

Une gamme majeure et une gamme mineure ont une relation relative, notamment
  • la mineure relative de la majeure fa est la mineure ré
  • la mineure relative de la majeure sol est la mineure mi
  • la mineure relative de la majeure do est une mineure.
Les gammes majeures et mineures de la même tonalité ont la même signature, mais un ton stable (tonique) différent.

Les armures sont des symboles musicaux qui indiquent la clé dans laquelle la musique est écrite.

Les armures sont placées sur la portée musicale au début d’une pièce de musique et comprennent :
  • le fa dièse pour indiquer la tonalité en sol majeur ou mi mineur
  • le si bémol pour indiquer la tonalité en fa majeur ou en ré mineur
  • aucune armure pour indiquer la tonalité en do majeur ou mineur.
La valeur rythmique des notes en 6/8 temps est différente de celle des mesures simples, notamment :
  • la noire qui vaut deux pulsations
  • la croche vaut une pulsation
  • la noire pointée qui vaut trois pulsations.
Un triolet structuré avec des croches se joue en une pulsation.
Compréhension
Les structures mélodiques et rythmiques sont des éléments fondamentaux de la musique.

La structure d’une mélodie change lorsque le rythme change.
Habiletés et procédures
Découvrir comment une mélodie peut changer lorsque son rythme change.

Pratiquer la lecture à vue des rythmes et des mélodies.

Identifier les noms de hauteur absolue associés aux lignes et aux interlignes de la grande portée.

Expérimenter les gammes majeures et les gammes mineures dans différentes activités musicales.

Explorer la fonction d’une armure.

Faire l’expérience d’une musique structurée sur la gamme du blues à 12 mesures.

Noter à partir de la dictée des rythmes appartenant aux signatures rythmiques 2/4, 3/4 et 4/4.

Chanter et jouer de la musique écrite en mesure à 6/8.
Connaissances
Une harmonie est structurée de plusieurs tons et produit une richesse de sons musicaux, également appelée texture, que l’on trouve dans :
  • les canons à trois et quatre parties
  • les chansons à deux voix pour soprano/alto
  • les descendants
  • des arrangements musicaux à plusieurs parties.
De nombreux types d’accords peuvent être utilisés pour accompagner une mélodie.

Un accord majeur est structuré en utilisant la note fondamentale (tonique) et les troisième et cinquième degrés de la gamme. Par exemple,
  • l’accord de do majeur contient les notes do, mi et sol
  • l’accord de fa majeur contient les notes fa, la et do
  • l’accord en sol majeur contient les notes sol, si et ré.
La progression de base des accords de blues sur 12 mesures est structurée en utilisant un motif d’accords I, IV et V de n’importe quelle gamme, comme entendu dans B. B. King's The Thrill is Gone.

La progression des accords peut être structurée de manière à donner à une phrase musicale un sentiment d’achèvement (la cadence).
Compréhension
Les structures harmoniques peuvent être simples ou complexes.

L’harmonie découle d’une compréhension de la mélodie et du rythme.

Une harmonie simple se compose d’accords construits avec quelques tons et de changements d’accords.
Habiletés et procédures
Faire la différence entre les progressions d’accords qui se terminent ou non par une impression d’achèvement.

Reconnaitre comment la superposition de sons musicaux déterminés et non déterminés contribue à la texture.

Effectuer des accompagnements pour des mélodies utilisant des accords.

Élargir le répertoire vocal pour inclure la musique écrite avec deux ou plusieurs parties harmoniques.

Distinguer les sons de l’accord I, IV et V.

Identifier les changements d’accords dans une progression d’accords de blues de base à 12 mesures.

Identifier les notes appartenant aux accords majeurs de do, fa et sol.
Connaissances
Le thème et variation est une forme musicale dans laquelle la structure rythmique, mélodique ou harmonique est modifiée d’une manière ou d’une autre pour changer le thème principal de la musique.

Les variations de Wolfgang Amadeus Mozart sur le thème de Ah! vous dirai-je Maman (ou, sur le même air, la comptine pour enfant Brille, brille petite étoile illustrent la structure du thème et des variations.

Les changements de la dynamique, du tempo et des articulations, tels que le légato, le staccato, les marques de phrase et les liaisons, peuvent affecter la structure d’une pièce musicale.

Une liaison en musique est une ligne courbée qui relie deux hauteurs de son pour indiquer qu’elles doivent être jouées en légato ou sans séparation.

Des changements de tonalité majeurs et mineurs peuvent se produire dans une pièce de musique, comme on peut l’entendre dans Six moments musicaux, D. 780, op. 94 de Franz Schubert.

Les altérations peuvent être utilisées pour modifier un intervalle ou pour indiquer des hauteurs qui n’appartiennent pas à l’armure dans laquelle la musique est écrite, notamment :
  • les dièses qui indiquent la hauteur spécifique à relever
  • les bémols qui indiquent la hauteur à abaisser
  • les signes naturels, qui ramènent à l’état naturel la hauteur qui a été modifiée.
La mesure peut être modifiée pour inclure des groupes de pulsations irréguliers, y compris 5/4 et 7/8, comme indiqué dans :
  • la mesure à 5/4
    – Dave Brubeck, Take Five
  • la mesure à 7/8
    – Sergei Prokofiev, Sonate pour piano no 7 en si bémol majeur, op. 83 : III. Precipitato.
On peut modifier la structure d’une mélodie en changeant la gamme dans laquelle elle est écrite.

On peut transposer une mélodie à une armure différente en changeant le ton stable (la tonique).
Compréhension
Les structures de la musique peuvent avoir un but ou un effet dans la manière dont les éléments de la musique sont modifiés, omis ou combinés.
Habiletés et procédures
Interpréter et répondre avec exactitude aux symboles et termes musicaux notés dans les partitions.

Reconnaitre comment répondre aux altérations dans la musique.

Découvrir comment une simple mélodie peut changer lorsqu’elle est structurée sur un ton stable différent.

Répondre par le mouvement à une musique écrite avec des mesures irrégulières.
Connaissances
Les compositeurs peuvent structurer une œuvre musicale en fonction de divers facteurs, y compris la taille de l’ensemble et les instruments ou voix à mettre en valeur.

Les chœurs de musique occidentale sont structurés en fonction des gammes vocales des membres du groupe, y compris la basse, le ténor, l’alto et le soprano, comme on peut l’entendre dans :
  • Gustav Mahler, Symphonie no 8 en mi bémol majeur (Symphonie de Mille), partie 1.
Les ensembles d’orchestres big band donnent à la musique de jazz un son plus large, comme on peut l’entendre dans :
  • Glenn Miller, In the Mood
  • Mart Kenney, When I Get Back to Calgary.
Les styles musicaux peuvent avoir des caractéristiques et des traits spécifiques reconnaissables, notamment l’utilisation du banjo et du violon dans la musique country.

La musique peut être écrite pour des voix ou des instruments qui doivent être joués en solo, en duo ou en petits et grands ensembles.

La musique peut être notée de différentes manières selon les cultures :
  • Les chiffres sont utilisés pour noter la hauteur du son dans un ensemble de percussions indonésiennes (le gamelan)
  • La notation rythmique dans la musique du Moyen-Orient s’apprend en associant des chants ou des mots à des sons profonds appelés dumm et à des sons aigus ou lumineux appelés takk.
  • Le solfège vocal de l’Inde du Nord relie les sept hauteurs du solfège occidental à des syllabes appelées le sargam : sa, re, ga, ma, pa, dha, ni.
La musique latino-américaine a un rapport avec les styles de danse, y compris le mambo, le tango et le cha-cha, comme on peut l’entendre dans :
  • La Cumparsita Tango
  • Oreste Lopez, Mambo.
Compréhension
Les structures musicales peuvent refléter le but pour lequel la musique a été créée.

La structure peut refléter les styles musicaux et la culture.
Habiletés et procédures
Reconnaitre que certaines pièces musicales sont écrites exclusivement pour des instruments ou des voix spécifiques.

Observer des spectacles musicaux en direct ou enregistrés pour examiner diverses structures musicales.

Explorer la relation entre la musique et les styles de danse.

Étudier la façon dont les tons et les gammes sont nommés et étiquetés dans différentes cultures.

Découvrir comment les mélodies peuvent être notées à l’aide de lettres, de chiffres ou de solfège.

Explorer et jouer plusieurs styles de musique.

Identifier les caractéristiques des styles musicaux, en relation avec le répertoire.
Idée organisatrice
Créer et présenter : Les idées peuvent être représentées musicalement par des œuvres d’art qui s’appuient sur des connaissances fondamentales.
Question directrice
Comment l’intention artistique peut-elle renforcer la communication des idées musicales?
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent l’intention en tant que partie intégrante de l’expression artistique en musique.
Connaissances
Les éléments de la musique donnent une structure à une œuvre musicale dans la manière dont ils sont organisés et représentés.

La répétition et le contraste ainsi que les thèmes mélodiques peuvent aider le public à percevoir et à anticiper la structure de la musique.

L’organisation intentionnelle d’un spectacle musical peut comprendre :
  • des musiciens suivant les indications du directeur ou du maestro
  • des musiciens qui accordent leur instrument avant de jouer
  • un public qui applaudit lorsque le maestro entre en scène
  • des pauses entre les présentations musicales, y compris les entractes.
Un public peut interpréter une œuvre musicale d’une manière qui diffère de celle que l’artiste avait prévue.

L’internalisation des rythmes pendant l’exécution de la musique permet aux musiciens de garder une pulsation régulière.

Les notes de programme qui accompagnent les œuvres musicales peuvent décrire l’intention du compositeur.

Les idées musicales peuvent être notées afin de pouvoir être partagées et interprétées par d’autres.
Compréhension
L’intention devient évidente pour l’artiste et le public lorsque la musique a une structure et une organisation.
Habiletés et procédures
Montrer comment suivre les indications du chef d’orchestre et internaliser les pulsations ou le comptage lors de l’exécution de la musique individuellement et au sein d’un ensemble.

Appliquer la répétition et le contraste à la création d’idées musicales.

Jouer de la musique sous différentes formes.

Appliquer la connaissance des structures rythmiques, mélodiques et harmoniques à la création d’une idée musicale.

Créer et interpréter une musique basée sur un thème.

Noter les compositions originales par l’utilisation de la notation standard ou inventée.

Participer en tant que spectateur et en tant qu’interprète de musique.
Connaissances
L’intention peut être communiquée en musique par des compositions ou des improvisations planifiées qui utilisent le chant, jouer un'instrument et le mouvement.

Les éléments de la musique peuvent être intentionnellement combinés, modifiés ou omis dans la création d’une idée musicale.

L’ambiance ou l’émotion d’une pièce musicale peut être communiquée par des choix artistiques liés aux éléments de la musique et à l’utilisation d’instruments ou de voix.

Divers stimulus peuvent être utilisés pour cibler l’intention, y compris :
  • les images
  • la musique
  • la poésie
  • les histoires
  • les œuvres d’art.
Le mouvement et la danse peuvent être utilisés intentionnellement pour accompagner des œuvres musicales.
Compréhension
L’intention fait référence à ce qu’un musicien ou un compositeur veut exprimer.

L’intention peut être liée à la création, l’expression ou l’appréciation intentionnelle de la musique.
Habiletés et procédures
Démontrer comment les éléments de la musique peuvent être utilisés intentionnellement pour créer une idée musicale.

Explorer comment une ambiance ou une émotion peut être créée intentionnellement dans une composition originale.

Improviser des idées musicales en chantant, en jouant d’un instrument et en se déplaçant.

Évaluer l’efficacité des choix artistiques utilisés dans la création d’une idée musicale.

Créer de la musique en réponse à un stimulus.

Expérimenter comment une mélodie ou une chanson familière peut changer en modifiant un ou plusieurs des éléments de la musique.
Connaissances
L’intention artistique d’un artiste peut être améliorée ou affinée par
  • l’écoute des œuvres musicales des autres
  • la répétition
  • l’exercice des habiletés et des techniques, y compris le juste
  • la participation à des échauffements pour la voix et les instruments
La musique peut être créée ou exécutée intentionnellement pour le plaisir ou l’expression.

La communication de l’intention peut impliquer des processus créatifs, notamment
  • la prise de décision dans la création d’une idée musicale
  • la résolution des problèmes
  • la prise de risques créative, y compris en essayant des techniques ou des instruments nouveaux ou peu familiers
  • la prise en compte et la mise en œuvre de la rétroaction
  • la réflexion
Compréhension
L’intention d’un musicien peut mettre l’accent sur le processus plutôt que sur le produit.

Le musicien peut se développer en s’engageant dans le processus créatif de manière nouvelle et significative.
Habiletés et procédures
S’exercer régulièrement à la musique et faire des échauffements.

S’entrainer à chanter avec le ton, l’expression et le phrasé justes.

Répéter la musique avant de la présenter au public.

Créer et présenter de la musique pour le plaisir.

Créer des idées musicales avec l’intention d’explorer de nouvelles techniques, de nouveaux styles ou de nouveaux instruments.

Utiliser des processus créatifs pour explorer, réviser et affiner les idées musicales.

Décrire comment la rétroaction a été intégrée pour clarifier ou améliorer l’intention artistique.
Idée organisatrice
Appréciation : La reconnaissance de la beauté, de la bonté et de la vérité dans la musique peut être développée par la compréhension de la complexité et de la richesse des grandes œuvres musicales, des artistes qui les créent et les interprètent, et des contextes historiques et culturels dont elles sont issues.
Question directrice
Comment les changements sociétaux ont-ils influencé la façon dont la musique était appréciée au cours du siècle des Lumières, de la Révolution française et tout au long de l’histoire des États-Unis d’Amérique?
Résultat d’apprentissage
Les élèves font le lien entre le changement et les évènements historiques, ainsi que l’appréciation des pratiques musicales.
Connaissances
L’appréciation de la musique peut façonner la curiosité individuelle et l’engagement dans la musique.

Les réponses et l’appréciation de la musique peuvent refléter les préférences et les perspectives personnelles.

Le vocabulaire musical peut être utilisé pour répondre à des opinions sur la musique ou les transmettre.

L’appréciation de la musique en tant que forme d’art peut changer avec l’expérience et éclairer les décisions futures sur la participation à la musique.

La culture pop a évolué à partir des traditions orales de la musique folklorique et est appréciée comme une forme d’expression par le peuple pour le peuple.
Compréhension
L’appréciation de la musique peut changer grâce à une réflexion active et à des expériences avec la musique.
Habiletés et procédures
Utiliser le vocabulaire musical lors d’une réponse à des questions ou l’échange des opinions sur la musique.

Discuter de l’influence de la culture populaire sur la création et la transmission de la musique.
Connaissances
La musique du siècle des Lumières a été composée avec les idées de liberté, de démocratie et de raisonnement en tête.

Le siècle des Lumières a été fortement influencé par la découverte de Pompéi, qui a ravivé l’intérêt pour les arts grecs et romains.

Les Grecs anciens ont développé une série de gammes, appelées modes, qui servent de structure aux mélodies d’aujourd’hui, y compris la gamme ionienne, qui est la même que la gamme majeure (diatonique).

Le siècle des Lumières était connu pour les styles de musique baroque et classique.

Au cours du siècle des Lumières, l’accent de la musique est passé du vocal à l’instrumental, ce qui a donné lieu à la création de symphonies et de concertos, dont les œuvres de :
  • Robert Schumann
  • Jean-Sébastien Bach
  • George Frederick Haendel
  • Franz Joseph Haydn.
La période classique est considérée comme l’apogée de la composition d’opéra; mentionnons parmi les œuvres de cette période :
  • Le barbier de Séville
  • Fidelio
  • Les noces de Figaro.
La musique et le chant étaient des éléments fondamentaux de la Révolution française, car les gens pouvaient chanter des chansons sur la liberté et la fraternité.

Les airs accrocheurs des chansons de la période de la Révolution française aidaient les auditeurs à se souvenir des paroles et des causes politiques et militaires qui les avaient inspirées.
Compréhension
La façon dont la musique est comprise et appréciée a changé au cours de l’histoire.
Habiletés et procédures
Écouter et regarder la musique du siècle des Lumières comme une source d’inspiration pour jouer et de la musique et en parler.

Enquêter sur les compositeurs et les musiques d’autres époques, d’autres lieux et d’autres cultures.
Connaissances
Avant la colonisation des États-Unis d’Amérique, les peuples autochtones avaient une riche tradition musicale qui continue à être célébrée aujourd’hui.

Lorsque les États-Unis d’Amérique ont été colonisés, les gens ont apporté avec eux des traditions musicales importantes et variées.

Les spirituals afro-américains, qui sont le fondement de la musique populaire des États-Unis d’Amérique, se sont développés à cette époque.

Le blues américain a évolué au début du 20e siècle et a ensuite continué d’évoluer pour créer des genres comme le « rhythm and blues », le swing, le gospel, le son Motown, la musique soul, et le rock and roll :
  • Lead Belly, Goodnight, Irene
  • Robert Johnson, Cross Road Blues
  • Ray Charles, Georgia on my Mind.
Le jazz et le blues (parfois « rhythm and blues ») sont des formes de musique étroitement liées à la culture musicale afro américaine dont elles sont issues.

La Renaissance de Harlem (1917-1930) a été une période où les musiciens Noirs se sentaient libres d’exprimer la vie et l’identité noires à travers leur musique.

Le jazz a été la principale forme de musique pendant la Renaissance de Harlem et est connu pour sa forme d’improvisation, notes de swing, ainsi qu’appel et réponse, comme on le voit chez des artistes tels que :
  • Duke Ellington
  • Billie Holiday
  • Louis Armstrong.
La musique appalachienne est une forme de musique folklorique des États-Unis d’Amérique qui a évolué à partir du besoin des gens de communiquer leurs modes de vie et d’être, y compris leur travail dans les mines de charbon, et ont puisé leurs racines dans les ballades écossaises, irlandaises et du nord de l’Angleterre, ainsi que dans les formes musicales des Noirs du sud des États-Unis :
  • Sixteen Tons
  • Which Side Are You On?
  • A Man of Constant Sorrow.
La musique appalachienne a guidé la musique country moderne, qui peut comprendre notamment :
  • les jug bands
  • le honky-tonk
  • le bluegrass
  • le hillbilly.
Compréhension
Les traditions musicales existaient aux États-Unis avant que les colons y arrivent, et leur développement s’est poursuivi durant la colonisation.
Habiletés et procédures
Écouter et comprendre la musique des États-Unis comme inspiration en jouant de la musique et en en discutant.