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Beaux-artsMusique

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Le programme de musique offre aux élèves la possibilité de se connecter au monde qui les entoure en créant, en présentant et en appréciant la musique, et en y réagissant. En prenant conscience des éléments expressifs de la musique, les élèves acquièrent une connaissance de l’expérience humaine. La connaissance fondamentale et la compréhension des éléments de la musique aident les élèves à développer leur littératie musicale et leurs compétences grâce à un engagement musical actif dans les domaines du chant, du jeu, de l’écoute, du mouvement, de la lecture et de l’écriture. Ces connaissances servent de base à partir de laquelle les élèves peuvent continuer à développer une compréhension et une appréciation de la beauté de la musique dans des contextes historiques, culturels et contemporains. Grâce à des processus créatifs, les élèves apprennent que la pratique individuelle et collective de la musique favorise l’expression des idées, des sentiments et des expériences.
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5e année
6e année
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Idée organisatrice
Éléments fondamentaux : En musique, les compétences se développent par la connaissance et l’application des éléments fondamentaux.
Question directrice
Quelle est la relation entre les structures rythmiques, mélodiques et harmoniques de la musique?
Question directrice
Comment les structures musicales sont-elles représentées dans divers contextes musicaux?
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent comment les structures musicales peuvent être organisées ou combinées pour donner forme à des idées musicales.
Résultat d’apprentissage
Les élèves analysent les structures musicales pour accroitre leur compréhension de la mélodie, du rythme et de l’harmonie.
Connaissances
La musique peut être structurée à l’aide d’un document appelé partition qui représente visuellement le rythme, la mélodie, l’harmonie, la forme et la dynamique sur une grande portée.

Dans la musique occidentale, la portée générale joint et organise les tons et les durées de la clé de sol et de la clé de fa.

La portée de la clé de fa indique les hauteurs du do moyen en descendant.

Les notes sol si ré fa la (GBDFA en anglais) se trouvent sur les lignes de la portée de la clé de fa.

Les notes la do mi sol (ACEG en anglais) se situent dans les espaces de la clé de fa.

Le do moyen est une hauteur partagée entre la clé de sol et la clé de fa et s’inscrit sur une ligne supplémentaire.

Une ligne supplémentaire est utilisée pour noter les emplacements qui s’étendent au-dessus ou en dessous de la portée générale.

Les symboles musicaux et les abréviations de termes peuvent être illustrés sur une partition musicale et indiquer comment jouer de la musique, notamment :
  • les marques d’articulation, y compris la phrase, l’accent, le légato, le staccato et le point d’orgue
  • la gamme dynamique de sons doux, y compris pp, mp et p pour indiquer le pianissimo, le mezzopiano et le piano
  • la gamme dynamique des sons forts, y compris ff, mf et f pour indiquer le fortissimo, la mezzo forte et la forte
  • le (cresc) pour indiquer le crescendo
  • le (dim) pour indiquer le diminuendo ou le decrescendo
  • la signature rythmique
  • les altérations les rythmes et les signes de clé
  • les notes indiquant la hauteur.
Il existe de nombreux symboles musicaux et abréviations musicales qui peuvent être notés sur une partition musicale.

Une phrase mélodique ou rythmique peut être structurée de manière à indiquer un point final à la phrase, lui donnant ainsi une impression d’achèvement (la cadence).

Une phrase mélodique semble complète lorsqu’elle se termine sur le ton stable (la tonique).

La phrase rythmique semble complète lorsqu’elle se termine sur une pulsation forte.
Compréhension
La structure de la musique peut refléter la façon dont les éléments de la musique sont organisés.
Habiletés et procédures
Développer la capacité de lire à vue et de jouer de la musique à partir d’une simple partition musicale.

Identifier les notes appartenant aux lignes et aux interlignes de la clé de sol et de la clé de fa.

S’entrainer à écrire des notes ou des mélodies simples sur une portée musicale.

Faire la différence entre les mélodies et les rythmes qui se terminent ou non sur une impression d’achèvement.
Connaissances
Les noms de hauteurs de notes do ré mi fa sol la si (CDEFGAB en anglais) appartenant à la portée générale et au solfège peuvent être utilisés pour structurer une mélodie.

Les mélodies peuvent être basées sur différentes gammes, y compris
  • une majeure ou mineure (la diatonique)
  • une pentatonique
  • le blues
  • les modes.
Les modes sont des gammes qui existent depuis le Moyen Âge et comprennent la gamme ionienne, qui est la même que la gamme diatonique majeure.

Une gamme pentatonique avec l’ajout d’une quarte augmentée crée la structure d’une gamme de blues.

Une gamme majeure et une gamme mineure ont une relation relative, notamment
  • la mineure relative de la majeure fa est la mineure ré
  • la mineure relative de la majeure sol est la mineure mi
  • la mineure relative de la majeure do est une mineure.
Les gammes majeures et mineures de la même tonalité ont la même signature, mais un ton stable (tonique) différent.

Les armures sont des symboles musicaux qui indiquent la clé dans laquelle la musique est écrite.

Les armures sont placées sur la portée musicale au début d’une pièce de musique et comprennent :
  • le fa dièse pour indiquer la tonalité en sol majeur ou mi mineur
  • le si bémol pour indiquer la tonalité en fa majeur ou en ré mineur
  • aucune armure pour indiquer la tonalité en do majeur ou mineur.
La valeur rythmique des notes en 6/8 temps est différente de celle des mesures simples, notamment :
  • la noire qui vaut deux pulsations
  • la croche vaut une pulsation
  • la noire pointée qui vaut trois pulsations.
Un triolet structuré avec des croches se joue en une pulsation.
Compréhension
Les structures mélodiques et rythmiques sont des éléments fondamentaux de la musique.

La structure d’une mélodie change lorsque le rythme change.
Habiletés et procédures
Découvrir comment une mélodie peut changer lorsque son rythme change.

Pratiquer la lecture à vue des rythmes et des mélodies.

Identifier les noms de hauteur absolue associés aux lignes et aux interlignes de la grande portée.

Expérimenter les gammes majeures et les gammes mineures dans différentes activités musicales.

Explorer la fonction d’une armure.

Faire l’expérience d’une musique structurée sur la gamme du blues à 12 mesures.

Noter à partir de la dictée des rythmes appartenant aux signatures rythmiques 2/4, 3/4 et 4/4.

Chanter et jouer de la musique écrite en mesure à 6/8.
Connaissances
Les structures d’organisation des rythmes peuvent comprendre :
  • les barres de mesure
  • les doubles barres
  • les signes répétitifs
  • les signatures rythmiques
  • les codas
  • les introductions
  • la première et la deuxième fins.
Compter les pulsations à voix haute ou dans sa tête peut aider à garder une pulsation régulière quand on lit, joue et chante de la musique.

On peut créer de nombreuses combinaisons de rythmes à l’aide :
  • des rondes
  • des blanches
  • des noires
  • des croches
  • des doubles croches.
On peut complexifier la durée d’une régularité rythmique en ajoutant des points, des liens ou des combinaisons de rythmes, y compris :
  • les noires pointées et les soupirs
  • les doubles croches combinées avec les croches
  • la syncope, qui combine les croches et les noires.
Une syncope peut être créée lorsque les accents sont placés de manière inattendue sur un temps décalé, comme entendu dans :
  • George Frideric Handel, Water Music : Suite no 2 en ré majeur, HWV 349, II. Alla Hornpipe
  • Leroy Anderson, l’horloge syncopée
  • Chanson traditionnelle jamaïcaine pour enfants Go Mango Walk.
La première pulsation qui se produit immédiatement après la barre de mesure est connue sous le nom de « temps frappé », et peut être accentuée.

La mesure à deux temps, ou mesure à 2/4, comporte deux temps par mesure et alterne un temps fort avec un temps faible.

La mesure à trois temps, ou mesure à 3/4, comporte trois temps par mesure et commence par un temps fort suivi de deux temps faibles.

La mesure à quatre temps, ou mesure à 4/4, comporte quatre temps par mesure avec un accent mis sur les temps un et trois.

La mesure composée comprend 6/8 temps, où les six temps sont divisés en groupes de trois et où l’accent est mis sur les temps un et quatre.

Une pièce de musique peut avoir plusieurs changements de mesures, comme on peut l’entendre dans l’Histoire du soldat d’Igor Stravinsky.
Compréhension
On crée les structures rythmiques en combinant le rythme, le tempo, les motifs, la mesure et la durée.
Habiletés et procédures
Noter les rythmes de la dictée en utilisant des signatures rythmiques connues.

Faire preuve de précision dans les rythmes de lecture et d’écriture.

Identifier et exécuter des rythmes syncopés en musique.

Faire l’expérience de chanter et de jouer de la musique dans des signatures rythmiques connues, y compris 6/8.

Identifier culturellement les changements de métrage au sein d’une pièce de musique.

S’entrainer à compter les pulsations tout en interprétant de la musique.
Connaissances
Une harmonie est structurée de plusieurs tons et produit une richesse de sons musicaux, également appelée texture, que l’on trouve dans :
  • les canons à trois et quatre parties
  • les chansons à deux voix pour soprano/alto
  • les descendants
  • des arrangements musicaux à plusieurs parties.
De nombreux types d’accords peuvent être utilisés pour accompagner une mélodie.

Un accord majeur est structuré en utilisant la note fondamentale (tonique) et les troisième et cinquième degrés de la gamme. Par exemple,
  • l’accord de do majeur contient les notes do, mi et sol
  • l’accord de fa majeur contient les notes fa, la et do
  • l’accord en sol majeur contient les notes sol, si et ré.
La progression de base des accords de blues sur 12 mesures est structurée en utilisant un motif d’accords I, IV et V de n’importe quelle gamme, comme entendu dans B. B. King's The Thrill is Gone.

La progression des accords peut être structurée de manière à donner à une phrase musicale un sentiment d’achèvement (la cadence).
Compréhension
Les structures harmoniques peuvent être simples ou complexes.

L’harmonie découle d’une compréhension de la mélodie et du rythme.

Une harmonie simple se compose d’accords construits avec quelques tons et de changements d’accords.
Habiletés et procédures
Faire la différence entre les progressions d’accords qui se terminent ou non par une impression d’achèvement.

Reconnaitre comment la superposition de sons musicaux déterminés et non déterminés contribue à la texture.

Effectuer des accompagnements pour des mélodies utilisant des accords.

Élargir le répertoire vocal pour inclure la musique écrite avec deux ou plusieurs parties harmoniques.

Distinguer les sons de l’accord I, IV et V.

Identifier les changements d’accords dans une progression d’accords de blues de base à 12 mesures.

Identifier les notes appartenant aux accords majeurs de do, fa et sol.
Connaissances
La musique peut être structurée sur les gammes de do, fa et sol majeurs (C, F et G en anglais).

Les mélodies basées sur des gammes pentatoniques omettent les quatrième et septième notes de la gamme lorsqu’elles sont jouées, notamment :
  • les gammes pentatoniques en do majeur, qui omettent les notes fa et si
  • la gamme fa pentatonique majeure, qui omet les notes si et mi
  • les gammes pentatoniques en sol majeur, qui omettent les notes do et fa.
Comme exemple de gammes pentatoniques utilisées dans les œuvres musicales, mentionnons La fille aux cheveux de lin de Claude Debussy.

Un symbole musical appelé altération est placé au début d’une partition musicale pour définir le nom de la gamme, y compris :
  • le si bémol pour indiquer une gamme de fa majeur
  • le fa dièse pour indiquer une gamme de sol majeur
  • pas d’altération pour indiquer une gamme de do majeur.
Les altérations sont représentées visuellement sous forme de notes noires sur un clavier.

Le solfège peut être utilisé pour explorer et structurer des mélodies, y compris toutes les notes, du sol grave au do aigu.

Les intervalles utilisés pour structurer une mélodie peuvent être classés comme :
  • un pas, qui est un intervalle d’une seconde
  • un saut, qui est un intervalle d’une tierce
  • un grand saut, qui est un intervalle d’une quarte ou plus
  • une répétition, qui n’a pas de changement.
Compréhension
La structure mélodique est basée sur une séquence de hauteurs consécutives qui donne forme à une mélodie.

Une mélodie peut être structurée sur une gamme majeure ou mineure au moyen des notes do ré mi fa sol la si (CDEDFGAB en anglais).
Habiletés et procédures
Distinguer les tonalités majeures et mineures lorsqu’on écoute la musique.

Identifier les notes appartenant aux gammes pentatoniques majeures de do, fa et sol.

Reconnaitre le rôle des altérations dans la musique.

Prolonger le développement vocal en utilisant le solfège tonique lors de la lecture de la musique et du chant à vue.

Explorer les intervalles comme un moyen de structurer la création d’une mélodie.
Connaissances
Le thème et variation est une forme musicale dans laquelle la structure rythmique, mélodique ou harmonique est modifiée d’une manière ou d’une autre pour changer le thème principal de la musique.

Les variations de Wolfgang Amadeus Mozart sur le thème de Ah! vous dirai-je Maman (ou, sur le même air, la comptine pour enfant Brille, brille petite étoile illustrent la structure du thème et des variations.

Les changements de la dynamique, du tempo et des articulations, tels que le légato, le staccato, les marques de phrase et les liaisons, peuvent affecter la structure d’une pièce musicale.

Une liaison en musique est une ligne courbée qui relie deux hauteurs de son pour indiquer qu’elles doivent être jouées en légato ou sans séparation.

Des changements de tonalité majeurs et mineurs peuvent se produire dans une pièce de musique, comme on peut l’entendre dans Six moments musicaux, D. 780, op. 94 de Franz Schubert.

Les altérations peuvent être utilisées pour modifier un intervalle ou pour indiquer des hauteurs qui n’appartiennent pas à l’armure dans laquelle la musique est écrite, notamment :
  • les dièses qui indiquent la hauteur spécifique à relever
  • les bémols qui indiquent la hauteur à abaisser
  • les signes naturels, qui ramènent à l’état naturel la hauteur qui a été modifiée.
La mesure peut être modifiée pour inclure des groupes de pulsations irréguliers, y compris 5/4 et 7/8, comme indiqué dans :
  • la mesure à 5/4
    – Dave Brubeck, Take Five
  • la mesure à 7/8
    – Sergei Prokofiev, Sonate pour piano no 7 en si bémol majeur, op. 83 : III. Precipitato.
On peut modifier la structure d’une mélodie en changeant la gamme dans laquelle elle est écrite.

On peut transposer une mélodie à une armure différente en changeant le ton stable (la tonique).
Compréhension
Les structures de la musique peuvent avoir un but ou un effet dans la manière dont les éléments de la musique sont modifiés, omis ou combinés.
Habiletés et procédures
Interpréter et répondre avec exactitude aux symboles et termes musicaux notés dans les partitions.

Reconnaitre comment répondre aux altérations dans la musique.

Découvrir comment une simple mélodie peut changer lorsqu’elle est structurée sur un ton stable différent.

Répondre par le mouvement à une musique écrite avec des mesures irrégulières.
Connaissances
La notation de la structure d’un accord en musique se présente verticalement par trois hauteurs (triade) empilées les unes sur les autres.

La note du bas d’un accord est appelée note fondamentale (tonique).

La note fondamentale est liée à la gamme majeure ou mineure sur laquelle l’accord est basé, y compris :
  • la note fondamentale de l’accord I dans la gamme de do majeur est do
  • la note fondamentale de l’accord IV de la gamme de do majeur est fa
  • la note fondamentale de l’accord V dans la gamme de do majeur est sol.
Une progression d’accords est une série de deux ou plusieurs accords utilisés pour accompagner une mélodie.

Une progression d'accords de base peut suivre un schéma I-IV- V pour accompagner une mélodie.

Les tableaux ou diagrammes d’accords peuvent être utilisés comme une forme de notation musicale pour les instruments, y compris la guitare, les clochettes et le ukulélé.

La voix chantée et certains instruments, tels que les clochettes à main et les flutes à bec, ne peuvent produire qu’un seul son à la fois, mais peuvent produire des accords lorsqu’ils sont superposés à d’autres instruments ou voix.
Compréhension
La structure des accords est un élément important de l’harmonie.

Le centre tonal (tonique) est ce qui fait qu’une harmonie sonne stable ou au repos.
Habiletés et procédures
Identifier la note fondamentale des accords I, IV et V dans les gammes majeures de do, fa et sol.

Identifier à l’oreille les changements d’accords.

Explorer les progressions d’accords basées sur les accords I, IV et V comme moyen d’accompagner une mélodie.

Développer la capacité à lire les accords et les diagrammes d’accords.

Jouer de la musique en canon à trois et quatre voix et en chants à deux voix, soprano alto.
Connaissances
Les compositeurs peuvent structurer une œuvre musicale en fonction de divers facteurs, y compris la taille de l’ensemble et les instruments ou voix à mettre en valeur.

Les chœurs de musique occidentale sont structurés en fonction des gammes vocales des membres du groupe, y compris la basse, le ténor, l’alto et le soprano, comme on peut l’entendre dans :
  • Gustav Mahler, Symphonie no 8 en mi bémol majeur (Symphonie de Mille), partie 1.
Les ensembles d’orchestres big band donnent à la musique de jazz un son plus large, comme on peut l’entendre dans :
  • Glenn Miller, In the Mood
  • Mart Kenney, When I Get Back to Calgary.
Les styles musicaux peuvent avoir des caractéristiques et des traits spécifiques reconnaissables, notamment l’utilisation du banjo et du violon dans la musique country.

La musique peut être écrite pour des voix ou des instruments qui doivent être joués en solo, en duo ou en petits et grands ensembles.

La musique peut être notée de différentes manières selon les cultures :
  • Les chiffres sont utilisés pour noter la hauteur du son dans un ensemble de percussions indonésiennes (le gamelan)
  • La notation rythmique dans la musique du Moyen-Orient s’apprend en associant des chants ou des mots à des sons profonds appelés dumm et à des sons aigus ou lumineux appelés takk.
  • Le solfège vocal de l’Inde du Nord relie les sept hauteurs du solfège occidental à des syllabes appelées le sargam : sa, re, ga, ma, pa, dha, ni.
La musique latino-américaine a un rapport avec les styles de danse, y compris le mambo, le tango et le cha-cha, comme on peut l’entendre dans :
  • La Cumparsita Tango
  • Oreste Lopez, Mambo.
Compréhension
Les structures musicales peuvent refléter le but pour lequel la musique a été créée.

La structure peut refléter les styles musicaux et la culture.
Habiletés et procédures
Reconnaitre que certaines pièces musicales sont écrites exclusivement pour des instruments ou des voix spécifiques.

Observer des spectacles musicaux en direct ou enregistrés pour examiner diverses structures musicales.

Explorer la relation entre la musique et les styles de danse.

Étudier la façon dont les tons et les gammes sont nommés et étiquetés dans différentes cultures.

Découvrir comment les mélodies peuvent être notées à l’aide de lettres, de chiffres ou de solfège.

Explorer et jouer plusieurs styles de musique.

Identifier les caractéristiques des styles musicaux, en relation avec le répertoire.
Connaissances
Les formes musicales donnent une structure à la musique et peuvent comprendre :
  • la forme binaire AB
  • la forme ternaire ABA
  • la forme ABACA (rondo)
  • les couplets et les chœurs
  • l’appel et réponse.
La répétition et le contraste donnent l’unité et la diversité des formes de la musique.

Voici des exemples de formes musicales :
  • la forme rondo :
    – Wolfgang Amadeus Mozart, Rondo Alla Turca
  • l’appel et réponse :
    – Chuck Berry, Journée de l’école (Ring Ring Goes The Bell).
Il peut y avoir une relation entre la forme musicale d’une chanson et ses paroles.

L’improvisation est une façon de structurer la musique.

La musique de jazz comporte souvent un instrument solo qui improvise une partie de la musique.

La forme musicale, la dynamique, le rythme et la mesure peuvent avoir un rapport avec la forme d’une danse qui l’accompagne.
Compréhension
La structure est la forme qui peut façonner la musique.
Habiletés et procédures
Illustrer diverses formes musicales en utilisant un mouvement planifié.

Jouer de la musique écrite sous différentes formes.

Examiner comment les paroles d’une chanson peuvent être liées à la forme musicale.

Découvrir des exemples de musique qui mettent en scène des artistes solistes qui improvisent une section de musique.

Identifier comment les éléments de la musique, y compris la dynamique et la forme, peuvent donner une structure à une danse.
Connaissances
Les compositeurs et les musiciens peuvent créer et jouer de la musique pour transmettre une ambiance ou créer une image visuelle pour l’auditeur, comme on peut l’entendre dans :
  • Carl Orff, Carmina Burana
  • Gordon Lightfoot, If You Could Read My Mind.
Les instruments à cordes, tels que le violon ou le violoncelle, peuvent représenter des émotions liées à la tristesse, à la tranquillité ou à la joie.

Une grosse caisse peut indiquer une ambiance de mystère ou de tension.

Les techniques de jeu des instruments et les compétences vocales se développent par l’exercice.

Les techniques de jeu des instruments peuvent contribuer à la présentation de la musique et peuvent comprendre :
  • la position du corps
  • la position pour jouer
  • le contrôle du souffle
  • l’exactitude dans l’interprétation des notes, des rythmes et des mélodies.
On peut s’exercer aux techniques de chant et de jeu par des exercices d’échauffement.

Le développement vocal peut s’améliorer par l’exercice et contribuer à la présentation de la musique, notamment par les moyens suivants :
  • la position du corps
  • le contrôle du souffle
  • la formulation
  • l’ajustement du volume de la voix pour créer un équilibre avec les autres
  • l’exactitude de la hauteur.
Les instruments de l’orchestre peuvent être utilisés pour mettre en valeur différentes œuvres musicales, y compris une symphonie qui contient quatre sections de musique appelées mouvements, chacune pouvant varier en longueur, thème ou ambiance

Les ensembles de musique non occidentale peuvent être structurés dans un but qui est significatif pour la culture :
  • Les Premières Nations utiliseront des formations en cercle dans la musique des pow-wow.
  • Un ensemble de sankyoku japonais peut être organisé en places assises sur le sol de la scène.
  • Les interprètes de chant guttural inuit se feront face en chantant.
Compréhension
La manière dont la musique est jouée et présentée peut refléter la structure.
Habiletés et procédures
Identifier les différents instruments, y compris les instruments de l’orchestre, par leur nom, leur son et leur image.

Découvrir comment la musique est présentée à travers diverses cultures.

Développer des techniques de chant et de jeu d’instruments.

Faire une démonstration de chant juste, seul et en groupe, sur de la musique accompagnée ou non.

Utiliser le vocabulaire musical pour décrire comment l’ambiance ou l’émotion est transmise par la musique.
Idée organisatrice
Créer et présenter : Les idées peuvent être représentées musicalement par des œuvres d’art qui s’appuient sur des connaissances fondamentales.
Question directrice
Comment le récit en musique peut-il contribuer à la compréhension d’histoires et d’expériences diverses?
Question directrice
Comment l’intention artistique peut-elle renforcer la communication des idées musicales?
Résultat d’apprentissage
Les élèves représentent des récits musicaux basés sur un éventail d’inspirations et par l’application de choix artistiques.
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent l’intention en tant que partie intégrante de l’expression artistique en musique.
Connaissances
La structure d’un récit musical peut comprendre un début, un problème et une solution.

La structure d’un récit musical peut être semblable à la structure d’un récit textuel.

Des parties d’un récit en musique peuvent être exclues, laissant le public supposer ce qui s’est passé avant et après la présentation du récit.

Le récit peut être représenté individuellement ou collectivement.

Les récits musicaux peuvent être racontés par :
  • le chant
  • la musique instrumentale
  • le théâtre musical
  • la musique numérique
  • l’opéra
  • le ballet.
Les formes musicales peuvent donner une structure à un récit.

Plusieurs styles de musique peuvent être utilisés pour représenter un récit.
Compréhension
Un récit peut être structuré pour décrire le passé, le présent ou l’avenir.
Habiletés et procédures
Expérimenter diverses formes musicales comme structures de création ou d’exécution d’un récit.

Combiner les instruments, les voix et le mouvement dans l’exécution d’un spectacle musical.

Explorer l’improvisation comme moyen de structurer un récit musical.
Connaissances
Les éléments de la musique donnent une structure à une œuvre musicale dans la manière dont ils sont organisés et représentés.

La répétition et le contraste ainsi que les thèmes mélodiques peuvent aider le public à percevoir et à anticiper la structure de la musique.

L’organisation intentionnelle d’un spectacle musical peut comprendre :
  • des musiciens suivant les indications du directeur ou du maestro
  • des musiciens qui accordent leur instrument avant de jouer
  • un public qui applaudit lorsque le maestro entre en scène
  • des pauses entre les présentations musicales, y compris les entractes.
Un public peut interpréter une œuvre musicale d’une manière qui diffère de celle que l’artiste avait prévue.

L’internalisation des rythmes pendant l’exécution de la musique permet aux musiciens de garder une pulsation régulière.

Les notes de programme qui accompagnent les œuvres musicales peuvent décrire l’intention du compositeur.

Les idées musicales peuvent être notées afin de pouvoir être partagées et interprétées par d’autres.
Compréhension
L’intention devient évidente pour l’artiste et le public lorsque la musique a une structure et une organisation.
Habiletés et procédures
Montrer comment suivre les indications du chef d’orchestre et internaliser les pulsations ou le comptage lors de l’exécution de la musique individuellement et au sein d’un ensemble.

Appliquer la répétition et le contraste à la création d’idées musicales.

Jouer de la musique sous différentes formes.

Appliquer la connaissance des structures rythmiques, mélodiques et harmoniques à la création d’une idée musicale.

Créer et interpréter une musique basée sur un thème.

Noter les compositions originales par l’utilisation de la notation standard ou inventée.

Participer en tant que spectateur et en tant qu’interprète de musique.
Connaissances
La création d’un récit peut être basée sur :
  • des histoires, des légendes, des mythes et de la poésie
  • des évènements et personnages de fiction
  • des évènements historiques ou culturels
  • autres musiques et musiciens.
Les thèmes universels peuvent se retrouver dans les récits et peuvent comprendre :
  • le rachat
  • la survie
  • la quête.
Les compositeurs peuvent créer de la musique pour communiquer un récit, comme on peut l’entendre dans :
  • les histoires :
    – la chanson populaire américaine Follow the Drinking Gourd
    – Chuck Berry, Johnny B. Goode
    – Franz Schubert, Symphonie inachevée
  • les évènements :
    – Franz Joseph Haydn, Messe en temps de guerre
    – Chanson populaire de la Nouvelle-Écosse Adieu à la Nouvelle-Écosse.
Les récits musicaux peuvent être communiqués à travers les paroles d’une chanson, comme dans :
  • la chanson folklorique canadienne A Scarborough Settler’s Lament
  • la chanson folklorique canadienne-française I went to the Market
  • Ian Tyson, Four Strong Winds.
La musique peut préserver les récits culturels et historiques en enregistrant, en partageant et en notant la musique.

Les récits peuvent être exprimés à travers l’esprit ou la vie de la musique des Premières Nations, des Métis et des Inuit.

Les récits des Premières Nations, des Métis et des Inuit peuvent évoquer la terre et comprendre :
  • le vent
  • l’eau
  • le sol
  • les animaux
  • les plantes.
Compréhension
Un récit musical peut communiquer des connaissances et des compréhensions sur le monde.

Un récit musical peut être représenté de diverses manières et peut fournir des liens avec la culture et l’histoire.
Habiletés et procédures
Chanter une variété de chansons basées sur un récit.

Découvrir comment les récits peuvent être exprimés à travers la musique des Premières Nations, des Métis ou des Inuit.

Recréer des paroles sur une mélodie familière pour communiquer un récit.

Collaborer pour créer une narration musicale basée sur une inspiration ou un thème.

Examiner comment les caractéristiques d’un récit musical peuvent transmettre des connaissances sur l’histoire ou la culture.
Connaissances
L’intention peut être communiquée en musique par des compositions ou des improvisations planifiées qui utilisent le chant, jouer un'instrument et le mouvement.

Les éléments de la musique peuvent être intentionnellement combinés, modifiés ou omis dans la création d’une idée musicale.

L’ambiance ou l’émotion d’une pièce musicale peut être communiquée par des choix artistiques liés aux éléments de la musique et à l’utilisation d’instruments ou de voix.

Divers stimulus peuvent être utilisés pour cibler l’intention, y compris :
  • les images
  • la musique
  • la poésie
  • les histoires
  • les œuvres d’art.
Le mouvement et la danse peuvent être utilisés intentionnellement pour accompagner des œuvres musicales.
Compréhension
L’intention fait référence à ce qu’un musicien ou un compositeur veut exprimer.

L’intention peut être liée à la création, l’expression ou l’appréciation intentionnelle de la musique.
Habiletés et procédures
Démontrer comment les éléments de la musique peuvent être utilisés intentionnellement pour créer une idée musicale.

Explorer comment une ambiance ou une émotion peut être créée intentionnellement dans une composition originale.

Improviser des idées musicales en chantant, en jouant d’un instrument et en se déplaçant.

Évaluer l’efficacité des choix artistiques utilisés dans la création d’une idée musicale.

Créer de la musique en réponse à un stimulus.

Expérimenter comment une mélodie ou une chanson familière peut changer en modifiant un ou plusieurs des éléments de la musique.
Connaissances
Les choix artistiques peuvent être utilisés pour réviser et imaginer la façon dont un récit est exprimé.

La gamme dans laquelle une mélodie est basée peut donner à un récit une qualité caractéristique.

La dynamique et le tempo peuvent contribuer à l’ambiance d’un récit.

L’utilisation ou l’omission intentionnelle d’une pulsation régulière dans la musique peut influencer la façon dont un récit est compris par le public.

Le mouvement peut être utilisé pour illustrer et accompagner un récit musical.

Les couches sonores peuvent améliorer la façon dont le récit est communiqué

La rétroaction du public peut influencer les futures représentations.
Compréhension
Un récit musical peut emmener le public en voyage en le divertissant et en le persuadant.

Un récit musical peut être perçu par un public d’une manière différente de ce que l’artiste avait prévu.
Habiletés et procédures
Expérimenter comment le sens d’un récit peut changer lorsqu’un ou plusieurs éléments de la musique sont modifiés ou omis.

Répéter la musique en vue de la présenter au public.

Participer en tant que spectateur et en tant qu’interprète de musique.

Appliquer des processus créatifs à la création d’une narration musicale.

Évaluer l’efficacité des choix artistiques utilisés dans la création d’un récit musical.
Connaissances
L’intention artistique d’un artiste peut être améliorée ou affinée par
  • l’écoute des œuvres musicales des autres
  • la répétition
  • l’exercice des habiletés et des techniques, y compris le juste
  • la participation à des échauffements pour la voix et les instruments
La musique peut être créée ou exécutée intentionnellement pour le plaisir ou l’expression.

La communication de l’intention peut impliquer des processus créatifs, notamment
  • la prise de décision dans la création d’une idée musicale
  • la résolution des problèmes
  • la prise de risques créative, y compris en essayant des techniques ou des instruments nouveaux ou peu familiers
  • la prise en compte et la mise en œuvre de la rétroaction
  • la réflexion
Compréhension
L’intention d’un musicien peut mettre l’accent sur le processus plutôt que sur le produit.

Le musicien peut se développer en s’engageant dans le processus créatif de manière nouvelle et significative.
Habiletés et procédures
S’exercer régulièrement à la musique et faire des échauffements.

S’entrainer à chanter avec le ton, l’expression et le phrasé justes.

Répéter la musique avant de la présenter au public.

Créer et présenter de la musique pour le plaisir.

Créer des idées musicales avec l’intention d’explorer de nouvelles techniques, de nouveaux styles ou de nouveaux instruments.

Utiliser des processus créatifs pour explorer, réviser et affiner les idées musicales.

Décrire comment la rétroaction a été intégrée pour clarifier ou améliorer l’intention artistique.
Idée organisatrice
Appréciation : La reconnaissance de la beauté, de la bonté et de la vérité dans la musique peut être développée par la compréhension de la complexité et de la richesse des grandes œuvres musicales, des artistes qui les créent et les interprètent, et des contextes historiques et culturels dont elles sont issues.
Question directrice
Comment les changements sociétaux se sont-ils reflétés dans la musique pendant le Canada colonial, la Renaissance et la Réforme protestante?
Question directrice
Comment les changements sociétaux ont-ils influencé la façon dont la musique était appréciée au cours du siècle des Lumières, de la Révolution française et tout au long de l’histoire des États-Unis d’Amérique?
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent comment les changements survenus dans les sociétés du passé ont influencé la création et le partage de la musique.
Résultat d’apprentissage
Les élèves font le lien entre le changement et les évènements historiques, ainsi que l’appréciation des pratiques musicales.
Connaissances
Les styles et genres musicaux actuels peuvent être basés sur les musiques du passé, telles que
  • la musique folklorique, qui se transmet généralement par les traditions orales
  • la musique blues, qui est un style influencé par les chansons de travail, les chants d’Église et les chansons folkloriques du sud des États-Unis.
Le tambour est l’un des plus anciens instruments de percussion au monde, d’abord exploré par le battement sur des troncs d’arbre creux; il a évolué vers l’instrument recouvert d’une peau d’animal séchée tendue, puis vers les peaux de tambour synthétiques fabriquées par l’homme.

Le tambour est considéré comme un moyen de communication universel, qui permet de transmettre des messages par le biais de la pulsation et du rythme.
Compréhension
La musique a changé au fil du temps, au fur et à mesure de l’évolution des communautés et des cultures.

De nouvelles façons de créer de la musique peuvent émerger, basées sur le mélange des pratiques culturelles.
Habiletés et procédures
Découvrir un éventail de musique folklorique et blues.

Discuter de la manière dont la musique populaire d’aujourd’hui a pu être influencée par la musique du passé.

Explorer le tambour comme forme de musique.
Connaissances
L’appréciation de la musique peut façonner la curiosité individuelle et l’engagement dans la musique.

Les réponses et l’appréciation de la musique peuvent refléter les préférences et les perspectives personnelles.

Le vocabulaire musical peut être utilisé pour répondre à des opinions sur la musique ou les transmettre.

L’appréciation de la musique en tant que forme d’art peut changer avec l’expérience et éclairer les décisions futures sur la participation à la musique.

La culture pop a évolué à partir des traditions orales de la musique folklorique et est appréciée comme une forme d’expression par le peuple pour le peuple.
Compréhension
L’appréciation de la musique peut changer grâce à une réflexion active et à des expériences avec la musique.
Habiletés et procédures
Utiliser le vocabulaire musical lors d’une réponse à des questions ou l’échange des opinions sur la musique.

Discuter de l’influence de la culture populaire sur la création et la transmission de la musique.
Connaissances
Les pratiques culturelles et la musique traditionnelle des Premières Nations et des Inuit ont été interdites par le gouvernement canadien.

Les Premières Nations, les Métis et les Inuit ont continué à pratiquer la musique traditionnelle en secret comme un acte de résistance.

Les colons d’Europe ont apporté des chants et des danses d’Angleterre et de France, qui ont contribué à une musique qui continue d’être partagée aujourd’hui.

Les premiers colons à enregistrer de la musique au Canada étaient des missionnaires français.

Les voyageurs utilisaient la musique pour se remonter le moral et maintenir le tempo lorsqu’ils travaillaient en collaboration pour pagayer leurs canoës afin de transporter des marchandises dans le cadre du commerce de la fourrure.

Les voyageurs ont chanté des chansons qui décrivaient leur travail et leur vie, notamment :
  • Un Canadien errant
  • En roulant ma boule
  • J’entends le moulin
  • Vive la Canadienne!
L’hymne national canadien a été créé à l’origine en français, puis traduit en anglais en 1906.

La version anglaise d’I qui a été la plus largement acceptée a été rédigée en 1927.
Compréhension
La musique du Canada colonial reflète les changements qui se sont produits en Europe à la même époque.
Habiletés et procédures
Chanter ou jouer O Canada.

Chanter et jouer un éventail de musique canadienne-française.
Connaissances
La musique du siècle des Lumières a été composée avec les idées de liberté, de démocratie et de raisonnement en tête.

Le siècle des Lumières a été fortement influencé par la découverte de Pompéi, qui a ravivé l’intérêt pour les arts grecs et romains.

Les Grecs anciens ont développé une série de gammes, appelées modes, qui servent de structure aux mélodies d’aujourd’hui, y compris la gamme ionienne, qui est la même que la gamme majeure (diatonique).

Le siècle des Lumières était connu pour les styles de musique baroque et classique.

Au cours du siècle des Lumières, l’accent de la musique est passé du vocal à l’instrumental, ce qui a donné lieu à la création de symphonies et de concertos, dont les œuvres de :
  • Robert Schumann
  • Jean-Sébastien Bach
  • George Frederick Haendel
  • Franz Joseph Haydn.
La période classique est considérée comme l’apogée de la composition d’opéra; mentionnons parmi les œuvres de cette période :
  • Le barbier de Séville
  • Fidelio
  • Les noces de Figaro.
La musique et le chant étaient des éléments fondamentaux de la Révolution française, car les gens pouvaient chanter des chansons sur la liberté et la fraternité.

Les airs accrocheurs des chansons de la période de la Révolution française aidaient les auditeurs à se souvenir des paroles et des causes politiques et militaires qui les avaient inspirées.
Compréhension
La façon dont la musique est comprise et appréciée a changé au cours de l’histoire.
Habiletés et procédures
Écouter et regarder la musique du siècle des Lumières comme une source d’inspiration pour jouer et de la musique et en parler.

Enquêter sur les compositeurs et les musiques d’autres époques, d’autres lieux et d’autres cultures.
Connaissances
À l’époque de la Renaissance, les gens s’amélioraient grâce à l’éducation, à la littérature, à la science et aux arts.

Les instruments ont changé pendant la Renaissance et ont contribué à l’évolution des instruments modernes, y compris le trombone, le violon et le clavecin.

Les compositeurs ont souvent créé des musiques à deux et trois temps pour soutenir la popularité de la danse sociale.

Les danses structurées avec la mesure à deux temps comprenaient la bourrée et la gavotte; le menuet et la sarabande étaient structurés avec la mesure à trois temps.

L’opéra est apparu comme une forme d’art à Florence dans une tentative de copier la musique de la Grèce antique.

La royauté engageait souvent ses propres musiciens de cour pour jouer de la musique religieuse (sacrée) et non religieuse (profane).

Les compositeurs de musique non religieuse ont essayé de communiquer plus d’émotions et d’expériences humaines dans leur musique.

Les chansons non religieuses les plus courantes à cette époque étaient la chanson, le madrigal et le lied allemand.

À cette époque, la musique religieuse était courante, notamment la messe, le motet et la lauda.

La plupart des musiciens et chanteurs ont été formés dans les églises.

Pendant la Réforme protestante, la façon dont la musique était partagée a changé radicalement en raison de l’invention de la presse à imprimer, qui permettait de copier la musique et de la diffuser largement.

La musique des églises protestantes était différente de celle de l’Église catholique en ce sens que :
  • les hymnes étaient chantés en allemand plutôt qu’en latin
  • la congrégation recevait l’autorisation de chanter
  • les femmes étaient autorisées à participer à l’exécution de la musique religieuse.
La musique est devenue plus complexe pendant la Réforme protestante, y compris la musique chorale, qui nécessitait l’utilisation d’instruments de musique pour accompagner les voix.
Compréhension
La musique a connu un changement important pendant la Renaissance et la Réforme protestante.
Habiletés et procédures
Explorer la musique et la danse communes à l’époque de la Renaissance.

Discuter de la manière dont la Réforme protestante a changé la façon dont la musique était vécue.

Chanter de la musique chorale.
Connaissances
Avant la colonisation des États-Unis d’Amérique, les peuples autochtones avaient une riche tradition musicale qui continue à être célébrée aujourd’hui.

Lorsque les États-Unis d’Amérique ont été colonisés, les gens ont apporté avec eux des traditions musicales importantes et variées.

Les spirituals afro-américains, qui sont le fondement de la musique populaire des États-Unis d’Amérique, se sont développés à cette époque.

Le blues américain a évolué au début du 20e siècle et a ensuite continué d’évoluer pour créer des genres comme le « rhythm and blues », le swing, le gospel, le son Motown, la musique soul, et le rock and roll :
  • Lead Belly, Goodnight, Irene
  • Robert Johnson, Cross Road Blues
  • Ray Charles, Georgia on my Mind.
Le jazz et le blues (parfois « rhythm and blues ») sont des formes de musique étroitement liées à la culture musicale afro américaine dont elles sont issues.

La Renaissance de Harlem (1917-1930) a été une période où les musiciens Noirs se sentaient libres d’exprimer la vie et l’identité noires à travers leur musique.

Le jazz a été la principale forme de musique pendant la Renaissance de Harlem et est connu pour sa forme d’improvisation, notes de swing, ainsi qu’appel et réponse, comme on le voit chez des artistes tels que :
  • Duke Ellington
  • Billie Holiday
  • Louis Armstrong.
La musique appalachienne est une forme de musique folklorique des États-Unis d’Amérique qui a évolué à partir du besoin des gens de communiquer leurs modes de vie et d’être, y compris leur travail dans les mines de charbon, et ont puisé leurs racines dans les ballades écossaises, irlandaises et du nord de l’Angleterre, ainsi que dans les formes musicales des Noirs du sud des États-Unis :
  • Sixteen Tons
  • Which Side Are You On?
  • A Man of Constant Sorrow.
La musique appalachienne a guidé la musique country moderne, qui peut comprendre notamment :
  • les jug bands
  • le honky-tonk
  • le bluegrass
  • le hillbilly.
Compréhension
Les traditions musicales existaient aux États-Unis avant que les colons y arrivent, et leur développement s’est poursuivi durant la colonisation.
Habiletés et procédures
Écouter et comprendre la musique des États-Unis comme inspiration en jouant de la musique et en en discutant.