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Beaux-artsMusique

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Le programme de musique offre aux élèves la possibilité de se connecter au monde qui les entoure en créant, en présentant et en appréciant la musique, et en y réagissant. En prenant conscience des éléments expressifs de la musique, les élèves acquièrent une connaissance de l’expérience humaine. La connaissance fondamentale et la compréhension des éléments de la musique aident les élèves à développer leur littératie musicale et leurs compétences grâce à un engagement musical actif dans les domaines du chant, du jeu, de l’écoute, du mouvement, de la lecture et de l’écriture. Ces connaissances servent de base à partir de laquelle les élèves peuvent continuer à développer une compréhension et une appréciation de la beauté de la musique dans des contextes historiques, culturels et contemporains. Grâce à des processus créatifs, les élèves apprennent que la pratique individuelle et collective de la musique favorise l’expression des idées, des sentiments et des expériences.
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4e année
5e année
6e année
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Idée organisatrice
Éléments fondamentaux : En musique, les compétences se développent par la connaissance et l’application des éléments fondamentaux.
Question directrice
Quel est le rôle de la structure dans la musique?
Question directrice
Quelle est la relation entre les structures rythmiques, mélodiques et harmoniques de la musique?
Question directrice
Comment les structures musicales sont-elles représentées dans divers contextes musicaux?
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent comment la structure contribue à la compréhension du rythme, de la mélodie, de l’harmonie, de la forme et de la dynamique.
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent comment les structures musicales peuvent être organisées ou combinées pour donner forme à des idées musicales.
Résultat d’apprentissage
Les élèves analysent les structures musicales pour accroitre leur compréhension de la mélodie, du rythme et de l’harmonie.
Connaissances
Les éléments qui contribuent aux structures rythmiques comprennent
  • les barres de mesure
  • les doubles barres
  • les signes répétitifs
  • la signature rythmique
  • des rythmes de durées variables.
La structure des groupes de temps (mesure) en musique est identifiée par un symbole appelé signature, par exemple 2/4, 3/4, 4/4 et 6/8.

Une signature rythmique de 6/8 temps comprend le groupement de six croches par mesure et peut être entendue dans les chansons folkloriques comme celle de Terre-Neuve Bonavist' Harbour et I'se the B'y.

La durée de quatre doubles croches est égale à celle de deux croches ou d’une noire et de leurs silences correspondants.

On peut inventer des noms de syllabes pour les sons rythmiques, comme ti-ka ti-ka pour désigner quatre doubles croches.

Des doubles croches et des croches peuvent être combinées pour créer des rythmes appelés ti ti-ka et ti-ka ti.

Compter les pulsations à voix haute ou dans sa tête aide le musicien à maintenir une pulsation régulière, à suivre la musique et à répondre aux rythmes efficacement.
Compréhension
Les structures rythmiques sont organisées selon la durée des pulsations au sein des mesures et les mesures au sein d’une phrase.
Habiletés et procédures
Faire l’expérience de chanter et jouer de la musique écrite dans différentes signatures rythmiques, y compris 6/8.

Noter sous la dictée rythmique les motifs structurés avec des signatures rythmiques en 2/4, 3/4 et 4/4 temps.

S’entrainer à lire des phrases rythmées.

Démontrer comment le comptage des pulsations à voix haute ou dans sa tête peut aider à soutenir un rythme régulier.

Incorporer les doubles croches avec d’autres rythmes connus lors de la lecture et de l’écriture de la musique.
Connaissances
La musique peut être structurée à l’aide d’un document appelé partition qui représente visuellement le rythme, la mélodie, l’harmonie, la forme et la dynamique sur une grande portée.

Dans la musique occidentale, la portée générale joint et organise les tons et les durées de la clé de sol et de la clé de fa.

La portée de la clé de fa indique les hauteurs du do moyen en descendant.

Les notes sol si ré fa la (GBDFA en anglais) se trouvent sur les lignes de la portée de la clé de fa.

Les notes la do mi sol (ACEG en anglais) se situent dans les espaces de la clé de fa.

Le do moyen est une hauteur partagée entre la clé de sol et la clé de fa et s’inscrit sur une ligne supplémentaire.

Une ligne supplémentaire est utilisée pour noter les emplacements qui s’étendent au-dessus ou en dessous de la portée générale.

Les symboles musicaux et les abréviations de termes peuvent être illustrés sur une partition musicale et indiquer comment jouer de la musique, notamment :
  • les marques d’articulation, y compris la phrase, l’accent, le légato, le staccato et le point d’orgue
  • la gamme dynamique de sons doux, y compris pp, mp et p pour indiquer le pianissimo, le mezzopiano et le piano
  • la gamme dynamique des sons forts, y compris ff, mf et f pour indiquer le fortissimo, la mezzo forte et la forte
  • le (cresc) pour indiquer le crescendo
  • le (dim) pour indiquer le diminuendo ou le decrescendo
  • la signature rythmique
  • les altérations les rythmes et les signes de clé
  • les notes indiquant la hauteur.
Il existe de nombreux symboles musicaux et abréviations musicales qui peuvent être notés sur une partition musicale.

Une phrase mélodique ou rythmique peut être structurée de manière à indiquer un point final à la phrase, lui donnant ainsi une impression d’achèvement (la cadence).

Une phrase mélodique semble complète lorsqu’elle se termine sur le ton stable (la tonique).

La phrase rythmique semble complète lorsqu’elle se termine sur une pulsation forte.
Compréhension
La structure de la musique peut refléter la façon dont les éléments de la musique sont organisés.
Habiletés et procédures
Développer la capacité de lire à vue et de jouer de la musique à partir d’une simple partition musicale.

Identifier les notes appartenant aux lignes et aux interlignes de la clé de sol et de la clé de fa.

S’entrainer à écrire des notes ou des mélodies simples sur une portée musicale.

Faire la différence entre les mélodies et les rythmes qui se terminent ou non sur une impression d’achèvement.
Connaissances
Les noms de hauteurs de notes do ré mi fa sol la si (CDEFGAB en anglais) appartenant à la portée générale et au solfège peuvent être utilisés pour structurer une mélodie.

Les mélodies peuvent être basées sur différentes gammes, y compris
  • une majeure ou mineure (la diatonique)
  • une pentatonique
  • le blues
  • les modes.
Les modes sont des gammes qui existent depuis le Moyen Âge et comprennent la gamme ionienne, qui est la même que la gamme diatonique majeure.

Une gamme pentatonique avec l’ajout d’une quarte augmentée crée la structure d’une gamme de blues.

Une gamme majeure et une gamme mineure ont une relation relative, notamment
  • la mineure relative de la majeure fa est la mineure ré
  • la mineure relative de la majeure sol est la mineure mi
  • la mineure relative de la majeure do est une mineure.
Les gammes majeures et mineures de la même tonalité ont la même signature, mais un ton stable (tonique) différent.

Les armures sont des symboles musicaux qui indiquent la clé dans laquelle la musique est écrite.

Les armures sont placées sur la portée musicale au début d’une pièce de musique et comprennent :
  • le fa dièse pour indiquer la tonalité en sol majeur ou mi mineur
  • le si bémol pour indiquer la tonalité en fa majeur ou en ré mineur
  • aucune armure pour indiquer la tonalité en do majeur ou mineur.
La valeur rythmique des notes en 6/8 temps est différente de celle des mesures simples, notamment :
  • la noire qui vaut deux pulsations
  • la croche vaut une pulsation
  • la noire pointée qui vaut trois pulsations.
Un triolet structuré avec des croches se joue en une pulsation.
Compréhension
Les structures mélodiques et rythmiques sont des éléments fondamentaux de la musique.

La structure d’une mélodie change lorsque le rythme change.
Habiletés et procédures
Découvrir comment une mélodie peut changer lorsque son rythme change.

Pratiquer la lecture à vue des rythmes et des mélodies.

Identifier les noms de hauteur absolue associés aux lignes et aux interlignes de la grande portée.

Expérimenter les gammes majeures et les gammes mineures dans différentes activités musicales.

Explorer la fonction d’une armure.

Faire l’expérience d’une musique structurée sur la gamme du blues à 12 mesures.

Noter à partir de la dictée des rythmes appartenant aux signatures rythmiques 2/4, 3/4 et 4/4.

Chanter et jouer de la musique écrite en mesure à 6/8.
Connaissances
Une gamme peut être structurée sur une échelle majeure ou mineure à l’aide des hauteurs de notes do ré mi fa sol la si (hauteurs absolues, notées CDEFGAB en anglais)

On peut chanter les hauteurs en utilisant des syllabes appartenant au solfège, comme la quatrième et la septième note de la gamme, soit fa et si.

La musique peut être structurée sur la gamme de do majeur dans laquelle la gamme commence et se termine sur la note do.

La structure d’une gamme peut commencer et se terminer sur sa tonalité d’origine (tonique).

La structure de la gamme pentatonique omet le quatrième et septième degré de la gamme.

Un intervalle est l’espace entre deux notes et peut être illustré par les lignes et les espaces d’une portée musicale.

Il existe de nombreuses façons de structurer une mélodie en utilisant des intervalles qui se déplacent par tons, demi-tons, sauts et répétitions.

Des mélodies similaires peuvent avoir la même structure rythmique, mais avoir des hauteurs différentes attribuées à chaque rythme.
Compréhension
La structure mélodique est influencée par l’organisation de la hauteur.

La combinaison de phrases musicales de différentes longueurs contribue à la structure mélodique.
Habiletés et procédures
Donner le nom des hauteurs associées aux lignes et aux espaces de la portée en clé de sol.

S’entrainer à lire les hauteurs de sons individuelles et les mélodies simples d’une portée musicale.

Développer l’entrainement du solfège en y incluant les hauteurs fa et si.

Faire une démonstration de chant juste, seul et à l’unisson.

Détecter le sens mélodique par des tons, des demi-tons, des sauts et des répétitions.

Explorer comment une mélodie peut être structurée sur une gamme en do majeur.

Explorer la portée comme moyen de documenter les idées musicales.

Utiliser des mouvements corporels planifiés pour illustrer des modèles musicaux.
Connaissances
Les structures d’organisation des rythmes peuvent comprendre :
  • les barres de mesure
  • les doubles barres
  • les signes répétitifs
  • les signatures rythmiques
  • les codas
  • les introductions
  • la première et la deuxième fins.
Compter les pulsations à voix haute ou dans sa tête peut aider à garder une pulsation régulière quand on lit, joue et chante de la musique.

On peut créer de nombreuses combinaisons de rythmes à l’aide :
  • des rondes
  • des blanches
  • des noires
  • des croches
  • des doubles croches.
On peut complexifier la durée d’une régularité rythmique en ajoutant des points, des liens ou des combinaisons de rythmes, y compris :
  • les noires pointées et les soupirs
  • les doubles croches combinées avec les croches
  • la syncope, qui combine les croches et les noires.
Une syncope peut être créée lorsque les accents sont placés de manière inattendue sur un temps décalé, comme entendu dans :
  • George Frideric Handel, Water Music : Suite no 2 en ré majeur, HWV 349, II. Alla Hornpipe
  • Leroy Anderson, l’horloge syncopée
  • Chanson traditionnelle jamaïcaine pour enfants Go Mango Walk.
La première pulsation qui se produit immédiatement après la barre de mesure est connue sous le nom de « temps frappé », et peut être accentuée.

La mesure à deux temps, ou mesure à 2/4, comporte deux temps par mesure et alterne un temps fort avec un temps faible.

La mesure à trois temps, ou mesure à 3/4, comporte trois temps par mesure et commence par un temps fort suivi de deux temps faibles.

La mesure à quatre temps, ou mesure à 4/4, comporte quatre temps par mesure avec un accent mis sur les temps un et trois.

La mesure composée comprend 6/8 temps, où les six temps sont divisés en groupes de trois et où l’accent est mis sur les temps un et quatre.

Une pièce de musique peut avoir plusieurs changements de mesures, comme on peut l’entendre dans l’Histoire du soldat d’Igor Stravinsky.
Compréhension
On crée les structures rythmiques en combinant le rythme, le tempo, les motifs, la mesure et la durée.
Habiletés et procédures
Noter les rythmes de la dictée en utilisant des signatures rythmiques connues.

Faire preuve de précision dans les rythmes de lecture et d’écriture.

Identifier et exécuter des rythmes syncopés en musique.

Faire l’expérience de chanter et de jouer de la musique dans des signatures rythmiques connues, y compris 6/8.

Identifier culturellement les changements de métrage au sein d’une pièce de musique.

S’entrainer à compter les pulsations tout en interprétant de la musique.
Connaissances
Une harmonie est structurée de plusieurs tons et produit une richesse de sons musicaux, également appelée texture, que l’on trouve dans :
  • les canons à trois et quatre parties
  • les chansons à deux voix pour soprano/alto
  • les descendants
  • des arrangements musicaux à plusieurs parties.
De nombreux types d’accords peuvent être utilisés pour accompagner une mélodie.

Un accord majeur est structuré en utilisant la note fondamentale (tonique) et les troisième et cinquième degrés de la gamme. Par exemple,
  • l’accord de do majeur contient les notes do, mi et sol
  • l’accord de fa majeur contient les notes fa, la et do
  • l’accord en sol majeur contient les notes sol, si et ré.
La progression de base des accords de blues sur 12 mesures est structurée en utilisant un motif d’accords I, IV et V de n’importe quelle gamme, comme entendu dans B. B. King's The Thrill is Gone.

La progression des accords peut être structurée de manière à donner à une phrase musicale un sentiment d’achèvement (la cadence).
Compréhension
Les structures harmoniques peuvent être simples ou complexes.

L’harmonie découle d’une compréhension de la mélodie et du rythme.

Une harmonie simple se compose d’accords construits avec quelques tons et de changements d’accords.
Habiletés et procédures
Faire la différence entre les progressions d’accords qui se terminent ou non par une impression d’achèvement.

Reconnaitre comment la superposition de sons musicaux déterminés et non déterminés contribue à la texture.

Effectuer des accompagnements pour des mélodies utilisant des accords.

Élargir le répertoire vocal pour inclure la musique écrite avec deux ou plusieurs parties harmoniques.

Distinguer les sons de l’accord I, IV et V.

Identifier les changements d’accords dans une progression d’accords de blues de base à 12 mesures.

Identifier les notes appartenant aux accords majeurs de do, fa et sol.
Connaissances
Les accords peuvent être affichés en chiffres romains (I, IV, V).

L’accord un (I) et cinq (V) peuvent être utilisés pour accompagner une mélodie.

Les accords peuvent être joués de manière répétée sur des instruments à sons déterminés, y compris les instruments à cordes (bourdons).

Les accords majeurs et mineurs ont des sons différents.

Le bourdon fournit un centre tonal pour la musique, que l’on crée en soutenant ou en répétant une note ou un accord.

Les bourdons peuvent être joués par différents instruments dans différentes cultures, comme :
  • la cornemuse
  • le tampura, un instrument du nord de l’Inde qui joue plusieurs hauteurs de son en même temps.
Pour jouer un bourdon ou drone, il faut maintenir un rythme régulier.

Les mélodies d’une même structure harmonique peuvent être combinées pour créer une harmonie, notamment :
  • canons à deux et trois parties
  • chansons partenaires
  • ostinatos mélodiques.
Compréhension
Les accords peuvent être utilisés pour accompagner des mélodies.

Les accords peuvent structurer la musique en fournissant un centre tonal.
Habiletés et procédures
Faire la différence entre le son des accords majeurs et mineurs.

Écouter de la musique de différentes cultures pour identifier le son des bourdons et les instruments qui en jouent.

Maintenir un rythme régulier lorsqu’on joue un drone ou un bourdon.

Accompagner les mélodies par des accords.

Chanter ou jouer des instruments en deux ou trois parties de canons, de chansons partenaires et d’ostinatos mélodiques.
Connaissances
La musique peut être structurée sur les gammes de do, fa et sol majeurs (C, F et G en anglais).

Les mélodies basées sur des gammes pentatoniques omettent les quatrième et septième notes de la gamme lorsqu’elles sont jouées, notamment :
  • les gammes pentatoniques en do majeur, qui omettent les notes fa et si
  • la gamme fa pentatonique majeure, qui omet les notes si et mi
  • les gammes pentatoniques en sol majeur, qui omettent les notes do et fa.
Comme exemple de gammes pentatoniques utilisées dans les œuvres musicales, mentionnons La fille aux cheveux de lin de Claude Debussy.

Un symbole musical appelé altération est placé au début d’une partition musicale pour définir le nom de la gamme, y compris :
  • le si bémol pour indiquer une gamme de fa majeur
  • le fa dièse pour indiquer une gamme de sol majeur
  • pas d’altération pour indiquer une gamme de do majeur.
Les altérations sont représentées visuellement sous forme de notes noires sur un clavier.

Le solfège peut être utilisé pour explorer et structurer des mélodies, y compris toutes les notes, du sol grave au do aigu.

Les intervalles utilisés pour structurer une mélodie peuvent être classés comme :
  • un pas, qui est un intervalle d’une seconde
  • un saut, qui est un intervalle d’une tierce
  • un grand saut, qui est un intervalle d’une quarte ou plus
  • une répétition, qui n’a pas de changement.
Compréhension
La structure mélodique est basée sur une séquence de hauteurs consécutives qui donne forme à une mélodie.

Une mélodie peut être structurée sur une gamme majeure ou mineure au moyen des notes do ré mi fa sol la si (CDEDFGAB en anglais).
Habiletés et procédures
Distinguer les tonalités majeures et mineures lorsqu’on écoute la musique.

Identifier les notes appartenant aux gammes pentatoniques majeures de do, fa et sol.

Reconnaitre le rôle des altérations dans la musique.

Prolonger le développement vocal en utilisant le solfège tonique lors de la lecture de la musique et du chant à vue.

Explorer les intervalles comme un moyen de structurer la création d’une mélodie.
Connaissances
Le thème et variation est une forme musicale dans laquelle la structure rythmique, mélodique ou harmonique est modifiée d’une manière ou d’une autre pour changer le thème principal de la musique.

Les variations de Wolfgang Amadeus Mozart sur le thème de Ah! vous dirai-je Maman (ou, sur le même air, la comptine pour enfant Brille, brille petite étoile illustrent la structure du thème et des variations.

Les changements de la dynamique, du tempo et des articulations, tels que le légato, le staccato, les marques de phrase et les liaisons, peuvent affecter la structure d’une pièce musicale.

Une liaison en musique est une ligne courbée qui relie deux hauteurs de son pour indiquer qu’elles doivent être jouées en légato ou sans séparation.

Des changements de tonalité majeurs et mineurs peuvent se produire dans une pièce de musique, comme on peut l’entendre dans Six moments musicaux, D. 780, op. 94 de Franz Schubert.

Les altérations peuvent être utilisées pour modifier un intervalle ou pour indiquer des hauteurs qui n’appartiennent pas à l’armure dans laquelle la musique est écrite, notamment :
  • les dièses qui indiquent la hauteur spécifique à relever
  • les bémols qui indiquent la hauteur à abaisser
  • les signes naturels, qui ramènent à l’état naturel la hauteur qui a été modifiée.
La mesure peut être modifiée pour inclure des groupes de pulsations irréguliers, y compris 5/4 et 7/8, comme indiqué dans :
  • la mesure à 5/4
    – Dave Brubeck, Take Five
  • la mesure à 7/8
    – Sergei Prokofiev, Sonate pour piano no 7 en si bémol majeur, op. 83 : III. Precipitato.
On peut modifier la structure d’une mélodie en changeant la gamme dans laquelle elle est écrite.

On peut transposer une mélodie à une armure différente en changeant le ton stable (la tonique).
Compréhension
Les structures de la musique peuvent avoir un but ou un effet dans la manière dont les éléments de la musique sont modifiés, omis ou combinés.
Habiletés et procédures
Interpréter et répondre avec exactitude aux symboles et termes musicaux notés dans les partitions.

Reconnaitre comment répondre aux altérations dans la musique.

Découvrir comment une simple mélodie peut changer lorsqu’elle est structurée sur un ton stable différent.

Répondre par le mouvement à une musique écrite avec des mesures irrégulières.
Connaissances
Une idée musicale peut être structurée de nombreuses façons à l’aide de formes musicales, notamment :
  • répétition et contraste
  • première et deuxième fins
  • interlude
  • ABACA (rondo), tel qu’entendu dans Danse hongroise no 5, de Johannes Brahms
  • Canon, tel qu’entendu dans le troisième mouvement du Canon Mélodieux (Sonate canonique) no 1 en sol majeur, TWV 40 : 118, de Georg Philipp Telemann
  • introduction, couplet et refrain, comme dans la chanson de travail traditionnelle Donkey Riding.
La répétition et le contraste peuvent organiser la musique en segments prévisibles au sein d’une forme musicale.

Les chansons à répondre commencent généralement par une partie en solo suivie d’une réponse par un ensemble, comme on peut l’entendre dans la chanson Funga Alafia et Alouettes, gentille alouette.

La structure de la musique peut comporter une phrase mélodique, un style ou un thème, comme dans l’opéra La Flute enchantée de Wolfgang Amadeus Mozart, notamment :
  • Ouverture; Introduction, Zu Hilfe! Zu Hilfe! (Tamino, Trois Dames)
  • Aria, je suis le chasseur d’oiseaux (Papageno)
  • Récitatif et Aria, O zittre nicht, mein lieber Sohn (Reine de la nuit)
  • Aria, une fille ou une femme (Papageno)
  • Duo, Pa-pa-gena! Pa-pa- geno! (Papageno et Papagena)
  • Finale, récitatif et chœur, Les rayons du soleil (Sarastro et chœur).
Compréhension
La structure est l’organisation de la durée, de la tonalité et des styles dans la musique.
Habiletés et procédures
Identifier et démontrer le style de diverses formes musicales.

Identifier des thèmes mélodiques dans divers exercices d’écoute.

Utiliser les chansons à répondre dans divers exercices de chant et en jouant des d’instruments.
Connaissances
La notation de la structure d’un accord en musique se présente verticalement par trois hauteurs (triade) empilées les unes sur les autres.

La note du bas d’un accord est appelée note fondamentale (tonique).

La note fondamentale est liée à la gamme majeure ou mineure sur laquelle l’accord est basé, y compris :
  • la note fondamentale de l’accord I dans la gamme de do majeur est do
  • la note fondamentale de l’accord IV de la gamme de do majeur est fa
  • la note fondamentale de l’accord V dans la gamme de do majeur est sol.
Une progression d’accords est une série de deux ou plusieurs accords utilisés pour accompagner une mélodie.

Une progression d'accords de base peut suivre un schéma I-IV- V pour accompagner une mélodie.

Les tableaux ou diagrammes d’accords peuvent être utilisés comme une forme de notation musicale pour les instruments, y compris la guitare, les clochettes et le ukulélé.

La voix chantée et certains instruments, tels que les clochettes à main et les flutes à bec, ne peuvent produire qu’un seul son à la fois, mais peuvent produire des accords lorsqu’ils sont superposés à d’autres instruments ou voix.
Compréhension
La structure des accords est un élément important de l’harmonie.

Le centre tonal (tonique) est ce qui fait qu’une harmonie sonne stable ou au repos.
Habiletés et procédures
Identifier la note fondamentale des accords I, IV et V dans les gammes majeures de do, fa et sol.

Identifier à l’oreille les changements d’accords.

Explorer les progressions d’accords basées sur les accords I, IV et V comme moyen d’accompagner une mélodie.

Développer la capacité à lire les accords et les diagrammes d’accords.

Jouer de la musique en canon à trois et quatre voix et en chants à deux voix, soprano alto.
Connaissances
Les compositeurs peuvent structurer une œuvre musicale en fonction de divers facteurs, y compris la taille de l’ensemble et les instruments ou voix à mettre en valeur.

Les chœurs de musique occidentale sont structurés en fonction des gammes vocales des membres du groupe, y compris la basse, le ténor, l’alto et le soprano, comme on peut l’entendre dans :
  • Gustav Mahler, Symphonie no 8 en mi bémol majeur (Symphonie de Mille), partie 1.
Les ensembles d’orchestres big band donnent à la musique de jazz un son plus large, comme on peut l’entendre dans :
  • Glenn Miller, In the Mood
  • Mart Kenney, When I Get Back to Calgary.
Les styles musicaux peuvent avoir des caractéristiques et des traits spécifiques reconnaissables, notamment l’utilisation du banjo et du violon dans la musique country.

La musique peut être écrite pour des voix ou des instruments qui doivent être joués en solo, en duo ou en petits et grands ensembles.

La musique peut être notée de différentes manières selon les cultures :
  • Les chiffres sont utilisés pour noter la hauteur du son dans un ensemble de percussions indonésiennes (le gamelan)
  • La notation rythmique dans la musique du Moyen-Orient s’apprend en associant des chants ou des mots à des sons profonds appelés dumm et à des sons aigus ou lumineux appelés takk.
  • Le solfège vocal de l’Inde du Nord relie les sept hauteurs du solfège occidental à des syllabes appelées le sargam : sa, re, ga, ma, pa, dha, ni.
La musique latino-américaine a un rapport avec les styles de danse, y compris le mambo, le tango et le cha-cha, comme on peut l’entendre dans :
  • La Cumparsita Tango
  • Oreste Lopez, Mambo.
Compréhension
Les structures musicales peuvent refléter le but pour lequel la musique a été créée.

La structure peut refléter les styles musicaux et la culture.
Habiletés et procédures
Reconnaitre que certaines pièces musicales sont écrites exclusivement pour des instruments ou des voix spécifiques.

Observer des spectacles musicaux en direct ou enregistrés pour examiner diverses structures musicales.

Explorer la relation entre la musique et les styles de danse.

Étudier la façon dont les tons et les gammes sont nommés et étiquetés dans différentes cultures.

Découvrir comment les mélodies peuvent être notées à l’aide de lettres, de chiffres ou de solfège.

Explorer et jouer plusieurs styles de musique.

Identifier les caractéristiques des styles musicaux, en relation avec le répertoire.
Connaissances
La représentation visuelle de la musique peut inclure la notation écrite, les cartes musicales ou les médias numériques.

La musique peut être notée en utilisant la notation inventée comme moyen de documenter les idées musicales.

Les cartes musicales peuvent être utilisées pour lire la musique ou comme moyen non standard de noter le contour mélodique, la forme ou les parties vocales et instrumentales.

Les symboles musicaux peuvent être représentés visuellement pour indiquer comment une pièce de musique doit être interprétée, notamment :
  • marques dynamiques (l’articulation), y compris la phrase, l’accent, le légato et le staccato
  • gamme dynamique de sons doux, y compris pp, mp et p pour indiquer pianissimo, mezzopiano et piano
  • gamme dynamique des sons forts, y compris ff, mf et f pour indiquer fortissimo, mezzo forte et forte.
Dans la musique occidentale, des termes et des symboles italiens sont utilisés pour désigner le tempo, notamment :
  • ritardando (rit.), ce qui signifie que l’on ralentit progressivement
  • accélérando (accel.), ce qui signifie que l’on accélère progressivement
  • andante, qui signifie modérément lent ou à un rythme de marche.
Les instruments d’un orchestre sont généralement disposés par famille musicale sur une scène, le maestro étant placé au premier plan pour diriger le groupe.

La musique peut être jouée et exécutée à l’aide du mouvement et de divers instruments, notamment les cloches à main, les carillons, les flutes à bec, les ukulélés, les instruments à percussion à sons déterminés et indéterminés et les voix.

Les accords peuvent être représentés visuellement à l’aide de symboles d’accords pour les instruments, y compris les cloches à main et les ukulélés.

La représentation auditive des structures musicales peut être améliorée par le développement de compétences musicales, notamment :
  • avoir l’oreille
  • lecture de portée
  • jouer des instruments tels que la flute à bec avec une bonne intonation
  • chanter juste
  • utilisation adéquate des techniques pour jouer les divers instruments.
La structure de la musique peut être reflétée de manière kinesthésique à travers le mouvement, les gestes ou à l’aide d’objets.
Compréhension
La structure de la musique peut être représentée visuellement, auditivement ou de manière kinesthésique.
Habiletés et procédures
Utiliser le vocabulaire musical pour décrire comment l’humeur ou l’émotion peuvent être transmises par la musique.

Appliquer des changements de dynamiques et de tempo lorsqu’on chante et joue d’un instrument.

Utiliser une carte musicale pour suivre ou documenter une idée musicale.

Classer les instruments de l’orchestre par nom de famille.

Développer les compétences musicales.
Connaissances
Les formes musicales donnent une structure à la musique et peuvent comprendre :
  • la forme binaire AB
  • la forme ternaire ABA
  • la forme ABACA (rondo)
  • les couplets et les chœurs
  • l’appel et réponse.
La répétition et le contraste donnent l’unité et la diversité des formes de la musique.

Voici des exemples de formes musicales :
  • la forme rondo :
    – Wolfgang Amadeus Mozart, Rondo Alla Turca
  • l’appel et réponse :
    – Chuck Berry, Journée de l’école (Ring Ring Goes The Bell).
Il peut y avoir une relation entre la forme musicale d’une chanson et ses paroles.

L’improvisation est une façon de structurer la musique.

La musique de jazz comporte souvent un instrument solo qui improvise une partie de la musique.

La forme musicale, la dynamique, le rythme et la mesure peuvent avoir un rapport avec la forme d’une danse qui l’accompagne.
Compréhension
La structure est la forme qui peut façonner la musique.
Habiletés et procédures
Illustrer diverses formes musicales en utilisant un mouvement planifié.

Jouer de la musique écrite sous différentes formes.

Examiner comment les paroles d’une chanson peuvent être liées à la forme musicale.

Découvrir des exemples de musique qui mettent en scène des artistes solistes qui improvisent une section de musique.

Identifier comment les éléments de la musique, y compris la dynamique et la forme, peuvent donner une structure à une danse.
Connaissances
Les compositeurs et les musiciens peuvent créer et jouer de la musique pour transmettre une ambiance ou créer une image visuelle pour l’auditeur, comme on peut l’entendre dans :
  • Carl Orff, Carmina Burana
  • Gordon Lightfoot, If You Could Read My Mind.
Les instruments à cordes, tels que le violon ou le violoncelle, peuvent représenter des émotions liées à la tristesse, à la tranquillité ou à la joie.

Une grosse caisse peut indiquer une ambiance de mystère ou de tension.

Les techniques de jeu des instruments et les compétences vocales se développent par l’exercice.

Les techniques de jeu des instruments peuvent contribuer à la présentation de la musique et peuvent comprendre :
  • la position du corps
  • la position pour jouer
  • le contrôle du souffle
  • l’exactitude dans l’interprétation des notes, des rythmes et des mélodies.
On peut s’exercer aux techniques de chant et de jeu par des exercices d’échauffement.

Le développement vocal peut s’améliorer par l’exercice et contribuer à la présentation de la musique, notamment par les moyens suivants :
  • la position du corps
  • le contrôle du souffle
  • la formulation
  • l’ajustement du volume de la voix pour créer un équilibre avec les autres
  • l’exactitude de la hauteur.
Les instruments de l’orchestre peuvent être utilisés pour mettre en valeur différentes œuvres musicales, y compris une symphonie qui contient quatre sections de musique appelées mouvements, chacune pouvant varier en longueur, thème ou ambiance

Les ensembles de musique non occidentale peuvent être structurés dans un but qui est significatif pour la culture :
  • Les Premières Nations utiliseront des formations en cercle dans la musique des pow-wow.
  • Un ensemble de sankyoku japonais peut être organisé en places assises sur le sol de la scène.
  • Les interprètes de chant guttural inuit se feront face en chantant.
Compréhension
La manière dont la musique est jouée et présentée peut refléter la structure.
Habiletés et procédures
Identifier les différents instruments, y compris les instruments de l’orchestre, par leur nom, leur son et leur image.

Découvrir comment la musique est présentée à travers diverses cultures.

Développer des techniques de chant et de jeu d’instruments.

Faire une démonstration de chant juste, seul et en groupe, sur de la musique accompagnée ou non.

Utiliser le vocabulaire musical pour décrire comment l’ambiance ou l’émotion est transmise par la musique.
Idée organisatrice
Créer et présenter : Les idées peuvent être représentées musicalement par des œuvres d’art qui s’appuient sur des connaissances fondamentales.
Question directrice
Comment un récit peut-il contribuer à la création et à la présentation de la musique?
Question directrice
Comment le récit en musique peut-il contribuer à la compréhension d’histoires et d’expériences diverses?
Question directrice
Comment l’intention artistique peut-elle renforcer la communication des idées musicales?
Résultat d’apprentissage
Les élèves utilisent le récit comme structure d’organisation des idées musicales.
Résultat d’apprentissage
Les élèves représentent des récits musicaux basés sur un éventail d’inspirations et par l’application de choix artistiques.
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent l’intention en tant que partie intégrante de l’expression artistique en musique.
Connaissances
Un récit en musique peut ou non représenter une séquence d’évènements dans l’ordre où ils se sont produits.

Un récit musical peut être structuré par :
  • l’exécution en solo d’une voix ou d’un instrument
  • de petits groupes tels que les duos, trios ou quatuors
  • de grands groupes
  • l’improvisation
  • les phrases mélodiques ou rythmiques.
En musique, les récits peuvent être créés avec :
  • des instruments
  • des paroles et des chants
  • des thèmes ou des structures mélodiques ou rythmiques
  • des sons inventés ou des sons de l’environnement
  • la notation.
Des paysages sonores peuvent être créés pour accompagner un récit en combinant un éventail de sons.

Les récits peuvent être structurés avec un éventail de formes musicales.

L’inspiration du récit peut venir :
  • d’histoires, légendes, mythes
  • de poésie
  • du cinéma, de la télévision ou autres médias numériques
  • de personnes ou de personnages
  • de l’environnement.
Compréhension
Un récit musical peut être communiqué sous forme de représentation partielle ou entière.

Un récit peut être factuel ou fictif.
Habiletés et procédures
Jouer des arrangements de musique qui peuvent représenter un récit.

Créer des thèmes mélodiques et rythmiques pour représenter un récit.

Créer des compositions de paysages sonores pour accompagner des histoires, de la poésie ou d’autres formes de récit.

Discuter du sens véhiculé par l’utilisation des paroles dans diverses chansons.

Explorer de nouvelles façons de créer, de noter ou de partager des idées musicales.
Connaissances
La structure d’un récit musical peut comprendre un début, un problème et une solution.

La structure d’un récit musical peut être semblable à la structure d’un récit textuel.

Des parties d’un récit en musique peuvent être exclues, laissant le public supposer ce qui s’est passé avant et après la présentation du récit.

Le récit peut être représenté individuellement ou collectivement.

Les récits musicaux peuvent être racontés par :
  • le chant
  • la musique instrumentale
  • le théâtre musical
  • la musique numérique
  • l’opéra
  • le ballet.
Les formes musicales peuvent donner une structure à un récit.

Plusieurs styles de musique peuvent être utilisés pour représenter un récit.
Compréhension
Un récit peut être structuré pour décrire le passé, le présent ou l’avenir.
Habiletés et procédures
Expérimenter diverses formes musicales comme structures de création ou d’exécution d’un récit.

Combiner les instruments, les voix et le mouvement dans l’exécution d’un spectacle musical.

Explorer l’improvisation comme moyen de structurer un récit musical.
Connaissances
Les éléments de la musique donnent une structure à une œuvre musicale dans la manière dont ils sont organisés et représentés.

La répétition et le contraste ainsi que les thèmes mélodiques peuvent aider le public à percevoir et à anticiper la structure de la musique.

L’organisation intentionnelle d’un spectacle musical peut comprendre :
  • des musiciens suivant les indications du directeur ou du maestro
  • des musiciens qui accordent leur instrument avant de jouer
  • un public qui applaudit lorsque le maestro entre en scène
  • des pauses entre les présentations musicales, y compris les entractes.
Un public peut interpréter une œuvre musicale d’une manière qui diffère de celle que l’artiste avait prévue.

L’internalisation des rythmes pendant l’exécution de la musique permet aux musiciens de garder une pulsation régulière.

Les notes de programme qui accompagnent les œuvres musicales peuvent décrire l’intention du compositeur.

Les idées musicales peuvent être notées afin de pouvoir être partagées et interprétées par d’autres.
Compréhension
L’intention devient évidente pour l’artiste et le public lorsque la musique a une structure et une organisation.
Habiletés et procédures
Montrer comment suivre les indications du chef d’orchestre et internaliser les pulsations ou le comptage lors de l’exécution de la musique individuellement et au sein d’un ensemble.

Appliquer la répétition et le contraste à la création d’idées musicales.

Jouer de la musique sous différentes formes.

Appliquer la connaissance des structures rythmiques, mélodiques et harmoniques à la création d’une idée musicale.

Créer et interpréter une musique basée sur un thème.

Noter les compositions originales par l’utilisation de la notation standard ou inventée.

Participer en tant que spectateur et en tant qu’interprète de musique.
Connaissances
On peut développer ses points de vue en faisant l’expérience de la musique des autres.

Les points de vue ou perspectives peuvent refléter des émotions, des expériences et la culture.

Les éléments de la musique peuvent communiquer des points de vue dans un récit.
  • Les nuances peuvent ajouter une qualité émotionnelle à la musique.
  • Une structure de gammes en mineure ou en majeure peut transmettre l’humeur.
  • La signature rythmique peut transmettre un style musical particulier dans lequel l’histoire est racontée.
  • Les structures rythmiques et mélodiques peuvent être créées pour communiquer un thème ou une structure.
  • La forme peut être utilisée pour structurer la façon dont l’histoire est racontée.
La musique qui raconte une histoire peut être liée à un éventail de danses sociales ou folkloriques.
Compréhension
Un récit peut communiquer les points de vue ou les perspectives d’un individu ou d’un groupe.
Habiletés et procédures
Participer à diverses danses folkloriques ou sociales.

Créer un thème musical qui peut représenter le point de vue d’un récit.
Connaissances
La création d’un récit peut être basée sur :
  • des histoires, des légendes, des mythes et de la poésie
  • des évènements et personnages de fiction
  • des évènements historiques ou culturels
  • autres musiques et musiciens.
Les thèmes universels peuvent se retrouver dans les récits et peuvent comprendre :
  • le rachat
  • la survie
  • la quête.
Les compositeurs peuvent créer de la musique pour communiquer un récit, comme on peut l’entendre dans :
  • les histoires :
    – la chanson populaire américaine Follow the Drinking Gourd
    – Chuck Berry, Johnny B. Goode
    – Franz Schubert, Symphonie inachevée
  • les évènements :
    – Franz Joseph Haydn, Messe en temps de guerre
    – Chanson populaire de la Nouvelle-Écosse Adieu à la Nouvelle-Écosse.
Les récits musicaux peuvent être communiqués à travers les paroles d’une chanson, comme dans :
  • la chanson folklorique canadienne A Scarborough Settler’s Lament
  • la chanson folklorique canadienne-française I went to the Market
  • Ian Tyson, Four Strong Winds.
La musique peut préserver les récits culturels et historiques en enregistrant, en partageant et en notant la musique.

Les récits peuvent être exprimés à travers l’esprit ou la vie de la musique des Premières Nations, des Métis et des Inuit.

Les récits des Premières Nations, des Métis et des Inuit peuvent évoquer la terre et comprendre :
  • le vent
  • l’eau
  • le sol
  • les animaux
  • les plantes.
Compréhension
Un récit musical peut communiquer des connaissances et des compréhensions sur le monde.

Un récit musical peut être représenté de diverses manières et peut fournir des liens avec la culture et l’histoire.
Habiletés et procédures
Chanter une variété de chansons basées sur un récit.

Découvrir comment les récits peuvent être exprimés à travers la musique des Premières Nations, des Métis ou des Inuit.

Recréer des paroles sur une mélodie familière pour communiquer un récit.

Collaborer pour créer une narration musicale basée sur une inspiration ou un thème.

Examiner comment les caractéristiques d’un récit musical peuvent transmettre des connaissances sur l’histoire ou la culture.
Connaissances
L’intention peut être communiquée en musique par des compositions ou des improvisations planifiées qui utilisent le chant, jouer un'instrument et le mouvement.

Les éléments de la musique peuvent être intentionnellement combinés, modifiés ou omis dans la création d’une idée musicale.

L’ambiance ou l’émotion d’une pièce musicale peut être communiquée par des choix artistiques liés aux éléments de la musique et à l’utilisation d’instruments ou de voix.

Divers stimulus peuvent être utilisés pour cibler l’intention, y compris :
  • les images
  • la musique
  • la poésie
  • les histoires
  • les œuvres d’art.
Le mouvement et la danse peuvent être utilisés intentionnellement pour accompagner des œuvres musicales.
Compréhension
L’intention fait référence à ce qu’un musicien ou un compositeur veut exprimer.

L’intention peut être liée à la création, l’expression ou l’appréciation intentionnelle de la musique.
Habiletés et procédures
Démontrer comment les éléments de la musique peuvent être utilisés intentionnellement pour créer une idée musicale.

Explorer comment une ambiance ou une émotion peut être créée intentionnellement dans une composition originale.

Improviser des idées musicales en chantant, en jouant d’un instrument et en se déplaçant.

Évaluer l’efficacité des choix artistiques utilisés dans la création d’une idée musicale.

Créer de la musique en réponse à un stimulus.

Expérimenter comment une mélodie ou une chanson familière peut changer en modifiant un ou plusieurs des éléments de la musique.
Connaissances
On peut améliorer la communication d’un récit grâce à ses habiletés de musicien.

La communication d’une histoire peut se faire individuellement ou en tant que groupe.

Le directeur musical ou l’enseignant peut donner des indications de performance ou de directives pour diriger le groupe.

Travailler avec un ensemble permet de développer des compétences qui peuvent être transférées à d’autres domaines d’apprentissage.

Un compositeur peut créer et documenter la musique par l’écriture ou la notation pour communiquer la manière dont la musique doit être jouée.

Un musicien peut interpréter et exécuter les éléments de la musique d’une manière différente de celle prévue par le compositeur.

La musique peut être combinée avec d’autres formes d’art, y compris les arts visuels, le théâtre et la danse, pour créer un récit.

L’expression d’un récit en musique peut être optimisée par l’application de processus créatifs.
Compréhension
Un récit musical peut être façonné par le musicien, le compositeur, le groupe ou le public.
Habiletés et procédures
Jouer de la musique, individuellement et en groupe, en mettant l’accent sur le développement des compétences musicales.

Répondre aux indications du directeur musical lors de l’exécution de la musique.

Essayer de diriger ou de mettre en scène des chansons simples ou familières avec vos pairs.

Examiner comment une chanson familière ou une simple mélodie peut changer par rapport à son intention initiale lorsqu’on modifie un ou plusieurs éléments.

Intégrer des mouvements, des gestes ou des accessoires pour améliorer la présentation d’un récit musical.

Appliquer des processus créatifs lors de la création d’un récit.

Participer à la musique en tant qu’interprète et en tant que spectateur.
Connaissances
Les choix artistiques peuvent être utilisés pour réviser et imaginer la façon dont un récit est exprimé.

La gamme dans laquelle une mélodie est basée peut donner à un récit une qualité caractéristique.

La dynamique et le tempo peuvent contribuer à l’ambiance d’un récit.

L’utilisation ou l’omission intentionnelle d’une pulsation régulière dans la musique peut influencer la façon dont un récit est compris par le public.

Le mouvement peut être utilisé pour illustrer et accompagner un récit musical.

Les couches sonores peuvent améliorer la façon dont le récit est communiqué

La rétroaction du public peut influencer les futures représentations.
Compréhension
Un récit musical peut emmener le public en voyage en le divertissant et en le persuadant.

Un récit musical peut être perçu par un public d’une manière différente de ce que l’artiste avait prévu.
Habiletés et procédures
Expérimenter comment le sens d’un récit peut changer lorsqu’un ou plusieurs éléments de la musique sont modifiés ou omis.

Répéter la musique en vue de la présenter au public.

Participer en tant que spectateur et en tant qu’interprète de musique.

Appliquer des processus créatifs à la création d’une narration musicale.

Évaluer l’efficacité des choix artistiques utilisés dans la création d’un récit musical.
Connaissances
L’intention artistique d’un artiste peut être améliorée ou affinée par
  • l’écoute des œuvres musicales des autres
  • la répétition
  • l’exercice des habiletés et des techniques, y compris le juste
  • la participation à des échauffements pour la voix et les instruments
La musique peut être créée ou exécutée intentionnellement pour le plaisir ou l’expression.

La communication de l’intention peut impliquer des processus créatifs, notamment
  • la prise de décision dans la création d’une idée musicale
  • la résolution des problèmes
  • la prise de risques créative, y compris en essayant des techniques ou des instruments nouveaux ou peu familiers
  • la prise en compte et la mise en œuvre de la rétroaction
  • la réflexion
Compréhension
L’intention d’un musicien peut mettre l’accent sur le processus plutôt que sur le produit.

Le musicien peut se développer en s’engageant dans le processus créatif de manière nouvelle et significative.
Habiletés et procédures
S’exercer régulièrement à la musique et faire des échauffements.

S’entrainer à chanter avec le ton, l’expression et le phrasé justes.

Répéter la musique avant de la présenter au public.

Créer et présenter de la musique pour le plaisir.

Créer des idées musicales avec l’intention d’explorer de nouvelles techniques, de nouveaux styles ou de nouveaux instruments.

Utiliser des processus créatifs pour explorer, réviser et affiner les idées musicales.

Décrire comment la rétroaction a été intégrée pour clarifier ou améliorer l’intention artistique.
Idée organisatrice
Appréciation : La reconnaissance de la beauté, de la bonté et de la vérité dans la musique peut être développée par la compréhension de la complexité et de la richesse des grandes œuvres musicales, des artistes qui les créent et les interprètent, et des contextes historiques et culturels dont elles sont issues.
Question directrice
Quel est le rôle de la culture dans la formation de la musique de l’Europe médiévale, de l’Islam médiéval et de l’Alberta?
Question directrice
Comment les changements sociétaux se sont-ils reflétés dans la musique pendant le Canada colonial, la Renaissance et la Réforme protestante?
Question directrice
Comment les changements sociétaux ont-ils influencé la façon dont la musique était appréciée au cours du siècle des Lumières, de la Révolution française et tout au long de l’histoire des États-Unis d’Amérique?
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent comment la culture se reflète dans la musique à différentes époques et dans différents lieux.
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent comment les changements survenus dans les sociétés du passé ont influencé la création et le partage de la musique.
Résultat d’apprentissage
Les élèves font le lien entre le changement et les évènements historiques, ainsi que l’appréciation des pratiques musicales.
Connaissances
La culture peut s’améliorer lorsque les communautés artistiques participent, communiquent, s’engagent et partagent les responsabilités.

La culture d’une communauté artistique peut soutenir l’inclusion bienveillante et respectueuse de tous les participants.
Compréhension
La culture d’une communauté peut s’apprendre quand les gens s’unissent grâce aux arts.

La culture d’une communauté artistique consiste à partager des façons d’être ensemble et d’atteindre des objectifs communs.
Habiletés et procédures
Participer à la musique en tant que membre d’une communauté artistique.

Démontrer comment les rôles et responsabilités artistiques contribuent au sentiment d’appartenance d’une communauté.
Connaissances
Les styles et genres musicaux actuels peuvent être basés sur les musiques du passé, telles que
  • la musique folklorique, qui se transmet généralement par les traditions orales
  • la musique blues, qui est un style influencé par les chansons de travail, les chants d’Église et les chansons folkloriques du sud des États-Unis.
Le tambour est l’un des plus anciens instruments de percussion au monde, d’abord exploré par le battement sur des troncs d’arbre creux; il a évolué vers l’instrument recouvert d’une peau d’animal séchée tendue, puis vers les peaux de tambour synthétiques fabriquées par l’homme.

Le tambour est considéré comme un moyen de communication universel, qui permet de transmettre des messages par le biais de la pulsation et du rythme.
Compréhension
La musique a changé au fil du temps, au fur et à mesure de l’évolution des communautés et des cultures.

De nouvelles façons de créer de la musique peuvent émerger, basées sur le mélange des pratiques culturelles.
Habiletés et procédures
Découvrir un éventail de musique folklorique et blues.

Discuter de la manière dont la musique populaire d’aujourd’hui a pu être influencée par la musique du passé.

Explorer le tambour comme forme de musique.
Connaissances
L’appréciation de la musique peut façonner la curiosité individuelle et l’engagement dans la musique.

Les réponses et l’appréciation de la musique peuvent refléter les préférences et les perspectives personnelles.

Le vocabulaire musical peut être utilisé pour répondre à des opinions sur la musique ou les transmettre.

L’appréciation de la musique en tant que forme d’art peut changer avec l’expérience et éclairer les décisions futures sur la participation à la musique.

La culture pop a évolué à partir des traditions orales de la musique folklorique et est appréciée comme une forme d’expression par le peuple pour le peuple.
Compréhension
L’appréciation de la musique peut changer grâce à une réflexion active et à des expériences avec la musique.
Habiletés et procédures
Utiliser le vocabulaire musical lors d’une réponse à des questions ou l’échange des opinions sur la musique.

Discuter de l’influence de la culture populaire sur la création et la transmission de la musique.
Connaissances
L’utilisation de la musique dans les cérémonies et les célébrations faisaient partie de la culture des Premières Nations et des Inuit bien avant l’arrivée des Européens.

La musique des Premières Nations, des Métis et des Inuit peut :
  • transmettre des enseignements et des histoires
  • communiquer des valeurs et des croyances
  • faire preuve de gratitude et de respect
  • faire preuve de réciprocité
  • se rapprocher des ancêtres
  • refléter la spiritualité
  • contribuer à la guérison.
Un grand nombre des premiers colons de l’Alberta étaient des Canadiens français.

Parmi les contributions francophones à la musique en Alberta, on peut citer :
  • l’introduction de l’orgue et des partitions
  • les chants traditionnels des voyageurs
  • l’introduction du violon.
Les coureurs des bois chantaient en chœur des chansons en ramant dans leur canoë à travers les rivières du Canada pour le commerce des fourrures, comme :
  • À la claire fontaine
  • Ah! si mon moine voulait danser
  • C’est l’aviron.
Compréhension
En Alberta, la musique peut refléter la culture de ceux qui nous ont précédés et de ceux qui vivent ici aujourd’hui.
Habiletés et procédures
Discuter d’exemples de connaissances que les Premières Nations, les Métis et les Inuit peuvent transmettre par la musique.

Écouter la musique de violon comme source d’inspiration pour parler de la musique.

Chanter ou jouer des chansons traditionnelles des coureurs des bois.
Connaissances
Les pratiques culturelles et la musique traditionnelle des Premières Nations et des Inuit ont été interdites par le gouvernement canadien.

Les Premières Nations, les Métis et les Inuit ont continué à pratiquer la musique traditionnelle en secret comme un acte de résistance.

Les colons d’Europe ont apporté des chants et des danses d’Angleterre et de France, qui ont contribué à une musique qui continue d’être partagée aujourd’hui.

Les premiers colons à enregistrer de la musique au Canada étaient des missionnaires français.

Les voyageurs utilisaient la musique pour se remonter le moral et maintenir le tempo lorsqu’ils travaillaient en collaboration pour pagayer leurs canoës afin de transporter des marchandises dans le cadre du commerce de la fourrure.

Les voyageurs ont chanté des chansons qui décrivaient leur travail et leur vie, notamment :
  • Un Canadien errant
  • En roulant ma boule
  • J’entends le moulin
  • Vive la Canadienne!
L’hymne national canadien a été créé à l’origine en français, puis traduit en anglais en 1906.

La version anglaise d’I qui a été la plus largement acceptée a été rédigée en 1927.
Compréhension
La musique du Canada colonial reflète les changements qui se sont produits en Europe à la même époque.
Habiletés et procédures
Chanter ou jouer O Canada.

Chanter et jouer un éventail de musique canadienne-française.
Connaissances
La musique du siècle des Lumières a été composée avec les idées de liberté, de démocratie et de raisonnement en tête.

Le siècle des Lumières a été fortement influencé par la découverte de Pompéi, qui a ravivé l’intérêt pour les arts grecs et romains.

Les Grecs anciens ont développé une série de gammes, appelées modes, qui servent de structure aux mélodies d’aujourd’hui, y compris la gamme ionienne, qui est la même que la gamme majeure (diatonique).

Le siècle des Lumières était connu pour les styles de musique baroque et classique.

Au cours du siècle des Lumières, l’accent de la musique est passé du vocal à l’instrumental, ce qui a donné lieu à la création de symphonies et de concertos, dont les œuvres de :
  • Robert Schumann
  • Jean-Sébastien Bach
  • George Frederick Haendel
  • Franz Joseph Haydn.
La période classique est considérée comme l’apogée de la composition d’opéra; mentionnons parmi les œuvres de cette période :
  • Le barbier de Séville
  • Fidelio
  • Les noces de Figaro.
La musique et le chant étaient des éléments fondamentaux de la Révolution française, car les gens pouvaient chanter des chansons sur la liberté et la fraternité.

Les airs accrocheurs des chansons de la période de la Révolution française aidaient les auditeurs à se souvenir des paroles et des causes politiques et militaires qui les avaient inspirées.
Compréhension
La façon dont la musique est comprise et appréciée a changé au cours de l’histoire.
Habiletés et procédures
Écouter et regarder la musique du siècle des Lumières comme une source d’inspiration pour jouer et de la musique et en parler.

Enquêter sur les compositeurs et les musiques d’autres époques, d’autres lieux et d’autres cultures.
Connaissances
Les chants grégoriens étaient une forme courante de chant non accompagné utilisée par l’Église catholique médiévale et qui ne contenait qu’une seule mélodie (monophonique).

La musique à plusieurs mélodies (polyphonique) a été introduite dans l’Église catholique un peu plus tard à l’époque médiévale.

Au 7e siècle, les chansons portaient sur l’amour, la guerre et d’autres sujets importants pour les gens.

Les styles de musique médiévale, dont la ballade, le rondeau et le motet, ont été créés au 12e siècle et sont toujours utilisés de nos jours.

La musique islamique médiévale avait un système de notation de base et était principalement basée sur la musique vocale contenant une mélodie.

Les musiciens ont utilisé l’improvisation comme moyen de créer un style de musique personnel.

La musique islamique médiévale était généralement jouée en solo ou en petit groupe.

Le 7e siècle a été l’âge d’or de l’Islam durant lequel la musique a été très appréciée et apprise par la plupart des gens.

Ziryab était un musicien, compositeur et poète bien connu de cette époque.

Les savants arabes ont continué de développer les connaissances venant des Grecs en créant de nouveaux instruments et de nouvelles manières de fabrication d’instruments.
Compréhension
La culture s’est révélée à travers les structures et les styles musicaux du Moyen Âge.
Habiletés et procédures
Écouter des chants grégoriens pour l’inspiration et pour parler de la musique.

Découvrir la musique du Moyen Âge.

Utiliser l’improvisation pour créer des idées musicales et exprimer votre style personnel.
Connaissances
À l’époque de la Renaissance, les gens s’amélioraient grâce à l’éducation, à la littérature, à la science et aux arts.

Les instruments ont changé pendant la Renaissance et ont contribué à l’évolution des instruments modernes, y compris le trombone, le violon et le clavecin.

Les compositeurs ont souvent créé des musiques à deux et trois temps pour soutenir la popularité de la danse sociale.

Les danses structurées avec la mesure à deux temps comprenaient la bourrée et la gavotte; le menuet et la sarabande étaient structurés avec la mesure à trois temps.

L’opéra est apparu comme une forme d’art à Florence dans une tentative de copier la musique de la Grèce antique.

La royauté engageait souvent ses propres musiciens de cour pour jouer de la musique religieuse (sacrée) et non religieuse (profane).

Les compositeurs de musique non religieuse ont essayé de communiquer plus d’émotions et d’expériences humaines dans leur musique.

Les chansons non religieuses les plus courantes à cette époque étaient la chanson, le madrigal et le lied allemand.

À cette époque, la musique religieuse était courante, notamment la messe, le motet et la lauda.

La plupart des musiciens et chanteurs ont été formés dans les églises.

Pendant la Réforme protestante, la façon dont la musique était partagée a changé radicalement en raison de l’invention de la presse à imprimer, qui permettait de copier la musique et de la diffuser largement.

La musique des églises protestantes était différente de celle de l’Église catholique en ce sens que :
  • les hymnes étaient chantés en allemand plutôt qu’en latin
  • la congrégation recevait l’autorisation de chanter
  • les femmes étaient autorisées à participer à l’exécution de la musique religieuse.
La musique est devenue plus complexe pendant la Réforme protestante, y compris la musique chorale, qui nécessitait l’utilisation d’instruments de musique pour accompagner les voix.
Compréhension
La musique a connu un changement important pendant la Renaissance et la Réforme protestante.
Habiletés et procédures
Explorer la musique et la danse communes à l’époque de la Renaissance.

Discuter de la manière dont la Réforme protestante a changé la façon dont la musique était vécue.

Chanter de la musique chorale.
Connaissances
Avant la colonisation des États-Unis d’Amérique, les peuples autochtones avaient une riche tradition musicale qui continue à être célébrée aujourd’hui.

Lorsque les États-Unis d’Amérique ont été colonisés, les gens ont apporté avec eux des traditions musicales importantes et variées.

Les spirituals afro-américains, qui sont le fondement de la musique populaire des États-Unis d’Amérique, se sont développés à cette époque.

Le blues américain a évolué au début du 20e siècle et a ensuite continué d’évoluer pour créer des genres comme le « rhythm and blues », le swing, le gospel, le son Motown, la musique soul, et le rock and roll :
  • Lead Belly, Goodnight, Irene
  • Robert Johnson, Cross Road Blues
  • Ray Charles, Georgia on my Mind.
Le jazz et le blues (parfois « rhythm and blues ») sont des formes de musique étroitement liées à la culture musicale afro américaine dont elles sont issues.

La Renaissance de Harlem (1917-1930) a été une période où les musiciens Noirs se sentaient libres d’exprimer la vie et l’identité noires à travers leur musique.

Le jazz a été la principale forme de musique pendant la Renaissance de Harlem et est connu pour sa forme d’improvisation, notes de swing, ainsi qu’appel et réponse, comme on le voit chez des artistes tels que :
  • Duke Ellington
  • Billie Holiday
  • Louis Armstrong.
La musique appalachienne est une forme de musique folklorique des États-Unis d’Amérique qui a évolué à partir du besoin des gens de communiquer leurs modes de vie et d’être, y compris leur travail dans les mines de charbon, et ont puisé leurs racines dans les ballades écossaises, irlandaises et du nord de l’Angleterre, ainsi que dans les formes musicales des Noirs du sud des États-Unis :
  • Sixteen Tons
  • Which Side Are You On?
  • A Man of Constant Sorrow.
La musique appalachienne a guidé la musique country moderne, qui peut comprendre notamment :
  • les jug bands
  • le honky-tonk
  • le bluegrass
  • le hillbilly.
Compréhension
Les traditions musicales existaient aux États-Unis avant que les colons y arrivent, et leur développement s’est poursuivi durant la colonisation.
Habiletés et procédures
Écouter et comprendre la musique des États-Unis comme inspiration en jouant de la musique et en en discutant.