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Beaux-artsMusique

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Le programme de musique offre aux élèves la possibilité de se connecter au monde qui les entoure en créant, en présentant et en appréciant la musique, et en y réagissant. En prenant conscience des éléments expressifs de la musique, les élèves acquièrent une connaissance de l’expérience humaine. La connaissance fondamentale et la compréhension des éléments de la musique aident les élèves à développer leur littératie musicale et leurs compétences grâce à un engagement musical actif dans les domaines du chant, du jeu, de l’écoute, du mouvement, de la lecture et de l’écriture. Ces connaissances servent de base à partir de laquelle les élèves peuvent continuer à développer une compréhension et une appréciation de la beauté de la musique dans des contextes historiques, culturels et contemporains. Grâce à des processus créatifs, les élèves apprennent que la pratique individuelle et collective de la musique favorise l’expression des idées, des sentiments et des expériences.
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Idée organisatrice
Éléments fondamentaux : En musique, les compétences se développent par la connaissance et l’application des éléments fondamentaux.
Question directrice
De quelle manière le ton et la durée peuvent-ils contribuer à la musique?
Question directrice
Dans quelle mesure le ton et la durée affectent-ils la façon dont la musique est perçue?
Question directrice
Quel est le rôle de la structure dans la musique?
Résultat d’apprentissage
Les élèves établissent un lien entre le ton et la durée, d’une part, et le rythme, la mélodie, la dynamique et l’harmonie, d’autre part.
Résultat d’apprentissage
Les élèves analysent le ton et la durée comme moyen d’améliorer l’expression.
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent comment la structure contribue à la compréhension du rythme, de la mélodie, de l’harmonie, de la forme et de la dynamique.
Connaissances
La durée est le temps pendant lequel les sons ou les silences sont maintenus en musique.

La durée des sons et des silences est représentée par des symboles musicaux.

La représentation visuelle des symboles musicaux sous forme écrite est connue sous le nom de notation standard, mais on peut également les représenter par un système de notation à l’aide de bâtons ou autre matériel de manipulation.

Les symboles rythmiques ont des valeurs qui indiquent la durée spécifique d’une note ou d’un silence.

En musique, la durée d’un silence, qu’on appelle pause ou soupir, est égale à la durée de la note correspondante.

La durée rythmique d’une ronde ou d’une pause est égale à la durée de deux blanches ou demi-pauses, ou de quatre noires ou quatre soupirs.

Les noms de syllabes pour les sons rythmiques peuvent être inventés et peuvent varier, par exemple :
  • ta pour une noire
  • ti-ti pour deux croches
  • ta-a pour une blanche
  • ta-a-a-a pour une ronde.
L’appel et réponse est une forme musicale qui peut soutenir l’exploration rythmique.
Compréhension
La durée est mesurée par le nombre de pulsations que dure un son musical.
Habiletés et procédures
Démontrer la différence entre la pulsation et le rythme.

Identifier les valeurs rythmiques des rythmes individuels et combinés.

Pratiquer la lecture et l’écriture de séquences rythmiques.

Noter de courtes séquences rythmiques sous la dictée.

Générer une réponse rythmée en réponse à une question rythmée.
Connaissances
La durée d’une note de musique est liée à sa valeur rythmique.

La durée d’un son ou d’un silence peut être prolongée ou raccourcie.

On peut prolonger la durée d’un rythme ou d’un son musical :
  • en plaçant un point à côté d’un rythme, par exemple une demi-note, pour prolonger la durée de la note d’une pulsation
  • en connectant deux notes de même hauteur entre elles, additionnant ainsi leurs valeurs rythmiques respectives
  • en ajoutant un point d’orgue pour indiquer une pause ou le maintien non déterminé d’une note.
On peut inventer des noms de syllabes pour les sons rythmiques, par exemple ta-a-a pour représenter une blanche pointée.

La durée d’un demi-soupir est égale à celle d’une croche.

La durée d’une mesure est indiquée par :
  • la signature rythmique
  • les barres de mesure pour indiquer visuellement les groupes de notes
  • la double barre pour indiquer la fin d’une pièce
  • les signes répétitifs pour indiquer les mesures à répéter.
Le chiffre du haut de la signature rythmique indique le nombre de temps de chaque mesure.

Les temps forts sur une mesure à quatre temps 4/4 se produisent sur le premier et le troisième temps de la mesure,
alors que dans une mesure à trois temps 3/4, il se produit sur le premier temps.

Le placement d’accent dans la musique peut dépendre de la signature rythmique.

Voici quelques pièces musicales écrites en 2/4, 3/4, et 4/4 temps :
  • 2/4 : Scott Joplin, The Entertainer
  • 3/4 : Arthur Scammell, Squid Jiggin' Ground
  • 4/4: Alexander Muir, The Maple Leaf Forever.
Les nuances indiquent à quelle intensité la musique doit être jouée et elles peuvent être notées à l’aide d’un symbole musical sur la portée, notamment :
  • mf pour indiquer mezzo forte, ce qui signifie modérément fort
  • mp pour indiquer mezzopiano, ce qui signifie modérément doux
  • pp pour indiquer pianissimo, ce qui signifie très doux
  • ff pour indiquer fortissimo, ce qui signifie très fort.
Dans la musique occidentale, des termes italiens sont utilisés pour désigner le tempo, notamment :
  • allégro, qui signifie rapide
  • presto, c’est-à-dire très rapide
  • adagio, qui signifie lent
  • largo, qui signifie très lent.
Les symboles musicaux (marques d’articulation) peuvent indiquer la durée des notes de musique, notamment :
  • staccato et légato
  • des marques de phrase pour indiquer la longueur des phrases
  • les accents pour indiquer l’accentuation d’un son.
Voici des exemples de dynamiques (articulations) mises en évidence dans la musique :
  • légato : She’s Like the Swallow
  • taccato : Leroy Anderson, Plink, Plank, Plunk
  • accent : Antonin Dvořák, Symphonie du Nouveau Monde, 4e mouvement : Allégro con fuoco.
Compréhension
Les symboles musicaux ont des durées variées et indiquent comment la musique doit être jouée.
Habiletés et procédures
Distinguer les signatures rythmiques en 3/4 et en 4/4 temps dans les différentes sélections musicales.

Illustrer des temps forts et faibles dans différentes séquences de temps en 2/4, 3/4 et 4/4 en tapant du pied ou des mains, ou en utilisant les percussions à sons indéterminés ou le mouvement.

Reconnaitre les symboles qui prolongent la durée d’un son ou d’un rythme musical.

S’entrainer à noter des rythmes dans une portée et sous la dictée.

Reconnaitre les symboles musicaux écrits qui indiquent comment la musique doit être jouée et y répondre.

Expérimenter des changements de nuances pour ajouter un effet à la musique.

Utiliser le vocabulaire musical relatif au tempo et aux nuances lorsqu’on répond à la musique.
Connaissances
Les éléments qui contribuent aux structures rythmiques comprennent
  • les barres de mesure
  • les doubles barres
  • les signes répétitifs
  • la signature rythmique
  • des rythmes de durées variables.
La structure des groupes de temps (mesure) en musique est identifiée par un symbole appelé signature, par exemple 2/4, 3/4, 4/4 et 6/8.

Une signature rythmique de 6/8 temps comprend le groupement de six croches par mesure et peut être entendue dans les chansons folkloriques comme celle de Terre-Neuve Bonavist' Harbour et I'se the B'y.

La durée de quatre doubles croches est égale à celle de deux croches ou d’une noire et de leurs silences correspondants.

On peut inventer des noms de syllabes pour les sons rythmiques, comme ti-ka ti-ka pour désigner quatre doubles croches.

Des doubles croches et des croches peuvent être combinées pour créer des rythmes appelés ti ti-ka et ti-ka ti.

Compter les pulsations à voix haute ou dans sa tête aide le musicien à maintenir une pulsation régulière, à suivre la musique et à répondre aux rythmes efficacement.
Compréhension
Les structures rythmiques sont organisées selon la durée des pulsations au sein des mesures et les mesures au sein d’une phrase.
Habiletés et procédures
Faire l’expérience de chanter et jouer de la musique écrite dans différentes signatures rythmiques, y compris 6/8.

Noter sous la dictée rythmique les motifs structurés avec des signatures rythmiques en 2/4, 3/4 et 4/4 temps.

S’entrainer à lire des phrases rythmées.

Démontrer comment le comptage des pulsations à voix haute ou dans sa tête peut aider à soutenir un rythme régulier.

Incorporer les doubles croches avec d’autres rythmes connus lors de la lecture et de l’écriture de la musique.
Connaissances
Les mesures sont combinées pour créer des phrases.

La mesure peut être répétée lorsqu’elle est indiquée par un signe de répétition.

Une double ligne de mesure est utilisée pour indiquer la fin d’une pièce musicale.

La signature rythmique est un symbole musical qui indique les groupes de temps.

Les groupes de pulsations sont connus sous le nom de mesure et sont divisés à l’aide de barre de mesure lorsqu’ils sont notés.

Les séquences rythmiques sont composées de pulsations et de divisions de pulsations.

Des séquences rythmiques peuvent accompagner une mélodie.

Les groupes de pulsations indiquent des temps faibles et forts.

Les temps peuvent être groupés par accents, lesquels mettent généralement l’accent sur la première pulsation après une barre de mesure.

Des exemples de musique mettant l’accent sur des groupes de trois rythmes comprennent
Piotr Ilyich Tchaïkovski, Valse, du Lac des Cygnes.

Compréhension
La durée peut être indiquée par différents groupes de temps.

Les groupes de temps peuvent comprendre deux, trois ou quatre pulsations par mesure.
Habiletés et procédures
Reconnaitre les signatures rythmiques 2/4 et 3/4.

Indiquer la fonction des barres, des signes de répétition et des doubles barres.

Faire l’expérience des temps forts et faibles de la musique de diverses manières.

Reconnaitre les accents dans des groupes de deux, trois et quatre temps.
Connaissances
Voici quelques exemples de musique qui ne suivent pas de rythme régulier
  • Chants grégoriens
  • Jean Coulthard, Shizen (3 Nature Sketches from Japan) : No 1, Wind in the Pines
  • Jocelyn Morlock, Ornithomancy for flute and orchestra.
Le free jazz était un style improvisé de la musique jazz qui n’avait pas de rythme régulier, comme on l’entend dans Like Sonny, de John Coltrane.
Compréhension
La durée d’un son musical peut ne pas suivre de rythme régulier.
Habiletés et procédures
Maintenir un rythme régulier lorsqu’on chante ou joue de la musique.

Discuter des caractéristiques des pièces musicales choisies qui ne suivent pas de rythme régulier.

Reconnaitre la différence entre la musique qui a et qui n’a pas de rythme régulier.
Connaissances
Une gamme peut être structurée sur une échelle majeure ou mineure à l’aide des hauteurs de notes do ré mi fa sol la si (hauteurs absolues, notées CDEFGAB en anglais)

On peut chanter les hauteurs en utilisant des syllabes appartenant au solfège, comme la quatrième et la septième note de la gamme, soit fa et si.

La musique peut être structurée sur la gamme de do majeur dans laquelle la gamme commence et se termine sur la note do.

La structure d’une gamme peut commencer et se terminer sur sa tonalité d’origine (tonique).

La structure de la gamme pentatonique omet le quatrième et septième degré de la gamme.

Un intervalle est l’espace entre deux notes et peut être illustré par les lignes et les espaces d’une portée musicale.

Il existe de nombreuses façons de structurer une mélodie en utilisant des intervalles qui se déplacent par tons, demi-tons, sauts et répétitions.

Des mélodies similaires peuvent avoir la même structure rythmique, mais avoir des hauteurs différentes attribuées à chaque rythme.
Compréhension
La structure mélodique est influencée par l’organisation de la hauteur.

La combinaison de phrases musicales de différentes longueurs contribue à la structure mélodique.
Habiletés et procédures
Donner le nom des hauteurs associées aux lignes et aux espaces de la portée en clé de sol.

S’entrainer à lire les hauteurs de sons individuelles et les mélodies simples d’une portée musicale.

Développer l’entrainement du solfège en y incluant les hauteurs fa et si.

Faire une démonstration de chant juste, seul et à l’unisson.

Détecter le sens mélodique par des tons, des demi-tons, des sauts et des répétitions.

Explorer comment une mélodie peut être structurée sur une gamme en do majeur.

Explorer la portée comme moyen de documenter les idées musicales.

Utiliser des mouvements corporels planifiés pour illustrer des modèles musicaux.
Connaissances
Les tons sont des sons aigus, graves et moyens auxquels on attribue différentes hauteurs.

Les tons peuvent passer de grave à aigu, d’aigu à grave, ou rester les mêmes.

Les sons de la musique occidentale de hauteur absolue s’appellent do ré mi fa sol la et si (en anglais CDEFGAB); c’est la base du solfège.

Les symboles musicaux imprimés indiquent la direction d’une mélodie.

Les mélodies peuvent monter ou descendre par paliers et par bond.

Les mélodies peuvent être basées sur des gammes majeures, mineures et à cinq tons (pentatonique).

Les gammes majeures produisent des sons vifs et joyeux, comme on peut l’entendre dans la Marche nuptiale de Felix Mendelssohn, tiré du Songe d’une nuit d’été.

Les gammes mineures produisent des sons tristes ou sombres, comme on peut l’entendre dans la Toccata et la Fugue en ré mineur de Jean-Sébastien Bach.

Les séquences, phrases ou sections mélodiques peuvent être identiques ou différentes.

Les formes musicales peuvent organiser les motifs musicaux de différentes manières, et peuvent comprendre :
  • ab, abab (forme de phrase)
  • les couplets et le refrain
  • l’introduction
  • les interludes
  • une fin (coda).
Une pièce musicale entière peut comprendre un certain nombre de sections qui peuvent être identiques ou différentes et peuvent comprendre AB, ABA, ABAB (forme sectionnelle), comme entendu dans :
  • Camille Saint-Saëns, Carnaval des animaux - Fossiles, dans lequel la partie de xylophone est A et le solo de clarinette est B
  • chanson folklorique traditionnelle canadienne-française Vive la Canadienne.
Compréhension
La mélodie est une séquence de sons aigus, moyens et graves.

Les sons peuvent être regroupés en séquences mélodiques.
Habiletés et procédures
Détecter la montée et la descente d’une mélodie.

S’entrainer à lire et à écrire des notes sur une simple portée musicale de trois lignes.

Répondre avec précision à la correspondance de timbre avec d’autres voix ou instruments.

Accroitre la compréhension du solfège pour inclure les hauteurs et do.

Démontrer comment suivre la notation musicale de gauche à droite.

Reconnaitre les gestes, les symboles ou les signes de la main qui représentent la hauteur.

Identifier et étiqueter les phrases ou les sections de musique qui sont pareilles, semblables ou différentes.

Distinguer les sons majeurs et mineurs dans la musique.

Faire l’expérience de chanter, d’écouter et de jouer de la musique dans des gammes majeures, mineures et pentatoniques.
Connaissances
Dans la musique occidentale, les notes do ré mi fa sol la si (hauteurs absolues notées CDEFGAB en anglais) sont organisées sur les cinq lignes et quatre interlignes de la portée.

La clé de sol définit les hauteurs inférieures et supérieures.

La clé de sol indique les hauteurs de la portée qui commencent au milieu du son do (C) en montant.

Les hauteurs appartenant aux lignes de la clé de sol sont désignées par les notes mi sol si ré fa (EGBDF en anglais).

Les hauteurs appartenant aux interlignes de la clé de sol sont désignées par les notes fa la do mi (FACE en anglais).

Une mélodie a un contour ou une forme qui indiquent la direction et le mouvement des tonalités.

Le mouvement des tonalités d’une gamme, tons, sauts, répétitions et demi-tons, peut être représenté visuellement à l’aide de notes de musique sur une portée.

Les tonalités peuvent passer de haut en bas, de bas en haut, ou rester au milieu.

La répétition et le contraste peuvent organiser la musique en segments prévisibles à l’intérieur d’une forme musicale.
Compréhension
Les tonalités sont représentées visuellement sous forme de hauteurs lorsqu’elles sont placées sur une portée.
Habiletés et procédures
Détecter et illustrer le contour d’une mélodie.

Identifier les hauteurs qui appartiennent aux lignes et aux interlignes de la portée appartenant à la clé de sol.

Découvrir comment créer des mélodies en utilisant des tonalités qui se déplacent par tons, sauts, répétitions et demi-tons.

Créer des mélodies simples qui mettent en évidence la répétition et le contraste.

S’entrainer à écrire des hauteurs de son ou des mélodies simples sur une portée.

Expérimenter différentes façons de noter visuellement les idées musicales.
Connaissances
Les accords peuvent être affichés en chiffres romains (I, IV, V).

L’accord un (I) et cinq (V) peuvent être utilisés pour accompagner une mélodie.

Les accords peuvent être joués de manière répétée sur des instruments à sons déterminés, y compris les instruments à cordes (bourdons).

Les accords majeurs et mineurs ont des sons différents.

Le bourdon fournit un centre tonal pour la musique, que l’on crée en soutenant ou en répétant une note ou un accord.

Les bourdons peuvent être joués par différents instruments dans différentes cultures, comme :
  • la cornemuse
  • le tampura, un instrument du nord de l’Inde qui joue plusieurs hauteurs de son en même temps.
Pour jouer un bourdon ou drone, il faut maintenir un rythme régulier.

Les mélodies d’une même structure harmonique peuvent être combinées pour créer une harmonie, notamment :
  • canons à deux et trois parties
  • chansons partenaires
  • ostinatos mélodiques.
Compréhension
Les accords peuvent être utilisés pour accompagner des mélodies.

Les accords peuvent structurer la musique en fournissant un centre tonal.
Habiletés et procédures
Faire la différence entre le son des accords majeurs et mineurs.

Écouter de la musique de différentes cultures pour identifier le son des bourdons et les instruments qui en jouent.

Maintenir un rythme régulier lorsqu’on joue un drone ou un bourdon.

Accompagner les mélodies par des accords.

Chanter ou jouer des instruments en deux ou trois parties de canons, de chansons partenaires et d’ostinatos mélodiques.
Connaissances
Les enfants ont généralement une voix plus aigüe, étant plus petits et ayant des cordes vocales plus petites.

La voix d’un homme adulte est généralement plus grave que celle d’une femme adulte.

Des instruments précis peuvent être choisis pour leur capacité à représenter un sentiment, un caractère ou une humeur particulière dans une œuvre musicale, comme on peut l’entendre dans Pierre et le loup de Serge Prokofiev.

Un instrument peut être décrit comme ayant un son qui est :
  • aéré
  • cuivré
  • doux
  • vif
  • sombre.
Les petits instruments, comme la flute, produisent des sons plus aigus que les grands instruments, comme le tuba.
Compréhension
Le ton a une couleur, appelée timbre.

La couleur ou le timbre d’un instrument dépend de sa taille et de sa forme.

Le timbre d’un instrument, y compris la voix, peut représenter un sentiment, une humeur ou un caractère.
Habiletés et procédures
Faire la distinction entre le timbre de différentes voix qui chantent, qui peut varier en fonction de l’âge et des caractéristiques physiques (par exemple, adulte/enfant, homme/femme).

Faire la différence entre la taille d’un instrument et la qualité ou le volume du son produit.

Relier le timbre d’un instrument à sa capacité de représenter des sentiments ou des personnages.
Connaissances
La gamme musicale est une série de huit notes conjointes (octave) organisées en tonalités ascendantes ou descendantes.

Une gamme de cinq sons est appelée échelle pentatonique.

Les sons d’une gamme se déplacent par ton ou par demi-ton.

La tonique est la hauteur primaire ou la première note de la gamme qui donne la tonalité de la musique.

Une mélodie peut commencer et se terminer sur la même tonique pour donner une certaine structure à la musique.

Lorsque la musique se termine sur une tonique, elle donne à la mélodie un sentiment d’achèvement.

Le solfège peut s’étendre en dessous de la note do pour inclure le la bas et le sol bas, et peut également s’étendre pour inclure le do haut.

La musique écrite dans une gamme majeure ou mineure peut établir une ambiance ou un sentiment pour la pièce musicale.

Voici un exemple de musique écrite dans une gamme majeure ou mineure :
  • majeure : Georges Bizet, Carmen, Prélude no 1
  • mineure : Piotr Ilyich Tchaïkovski, The birch Tree Melody dans le quatrième mouvement de la Symphonie no 4 en fa mineur, op. 36.
Les instruments de la famille des bois, y compris les flutes à bec et les instruments à vent, peuvent être utilisés pour explorer la hauteur de sons, les mélodies et les gammes.
Compréhension
Les notes d’une mélodie peuvent être combinées pour créer une gamme majeure, mineure ou pentatonique.
Habiletés et procédures
Faire la différence entre la musique écrite dans les gammes majeures et mineures.

Faire l’expérience d’une musique basée sur les gammes majeure, mineure et pentatonique.

Étendre l’utilisation de l’entrainement au solfège avec des signes de la main pour inclure le la bas, le sol bas et le do haut.

Étendre le développement vocal pour y inclure le chant juste, individuellement et à l’unisson.

Faire la différence entre la musique qui se termine et celle qui ne se termine pas sur une tonique.

Distinguer la structure d’une octave de celle d’une gamme pentatonique.

Utiliser des instruments de la famille des bois pour jouer à reconnaitre la qualité sonore et les accompagnements pentatoniques.
Connaissances
Une idée musicale peut être structurée de nombreuses façons à l’aide de formes musicales, notamment :
  • répétition et contraste
  • première et deuxième fins
  • interlude
  • ABACA (rondo), tel qu’entendu dans Danse hongroise no 5, de Johannes Brahms
  • Canon, tel qu’entendu dans le troisième mouvement du Canon Mélodieux (Sonate canonique) no 1 en sol majeur, TWV 40 : 118, de Georg Philipp Telemann
  • introduction, couplet et refrain, comme dans la chanson de travail traditionnelle Donkey Riding.
La répétition et le contraste peuvent organiser la musique en segments prévisibles au sein d’une forme musicale.

Les chansons à répondre commencent généralement par une partie en solo suivie d’une réponse par un ensemble, comme on peut l’entendre dans la chanson Funga Alafia et Alouettes, gentille alouette.

La structure de la musique peut comporter une phrase mélodique, un style ou un thème, comme dans l’opéra La Flute enchantée de Wolfgang Amadeus Mozart, notamment :
  • Ouverture; Introduction, Zu Hilfe! Zu Hilfe! (Tamino, Trois Dames)
  • Aria, je suis le chasseur d’oiseaux (Papageno)
  • Récitatif et Aria, O zittre nicht, mein lieber Sohn (Reine de la nuit)
  • Aria, une fille ou une femme (Papageno)
  • Duo, Pa-pa-gena! Pa-pa- geno! (Papageno et Papagena)
  • Finale, récitatif et chœur, Les rayons du soleil (Sarastro et chœur).
Compréhension
La structure est l’organisation de la durée, de la tonalité et des styles dans la musique.
Habiletés et procédures
Identifier et démontrer le style de diverses formes musicales.

Identifier des thèmes mélodiques dans divers exercices d’écoute.

Utiliser les chansons à répondre dans divers exercices de chant et en jouant des d’instruments.
Connaissances
Le tempo de la musique peut progressivement devenir plus rapide ou plus lent.

Le terme italien accélérando désigne une musique qui devient progressivement plus rapide, et le terme ritardando désigne une musique qui devient progressivement plus lente.

Les sons qui augmentent ou diminuent progressivement en volume sont appelés crescendo et décrescendo, comme on peut l’entendre dans l’ouverture de Casse-Noisette de Piotr Ilyich Tchaïkovski.

Les nuances musicales qui changent soudainement sont appelées des accents et sont indiquées par le symbole >.

Les sons qui se détachent lorsqu’on les joue sont appelés staccato et ceux qui sont joués de manière fluide sont appelés légato, comme on l’entend dans :
  • staccato :
    - Robert Schumann, Le cavalier sauvage
    - Leroy Anderson, Jazz Pizzicato
  • légato :
    - Camille Saint-Saëns, Le cygne dans Le carnaval des animaux.
Compréhension
Le ton peut avoir une dynamique et un tempo.

Le ton peut avoir une qualité émotionnelle qui communique l’humeur dans la musique.
Habiletés et procédures
Reconnaitre les symboles musicaux qui indiquent le crescendo, le décrescendo et l’accent et y répondre.

Distinguer les tempos qui augmentent ou diminuent progressivement en vitesse.

Utiliser le vocabulaire musical pour décrire la dynamique et le tempo.

Discuter de la façon dont la dynamique et le tempo contribuent à l’ambiance d’une pièce musicale.
Connaissances
Deux ou plusieurs mélodies peuvent être combinées ou superposées pour créer une harmonie sous la forme d’un déchant, d’une chanson de partenaire ou d’un canon, comme on peut l’entendre dans :
  • déchant :
    – Johann Sebastian Bach, Jesu, La joie du désir de l’homme
  • ronde :
    Chansons populaires françaises Frère Jacques et Alouette, gentille alouette.
Un déchant est une mélodie aigüe qui est jouée ou chantée au dessus d’une mélodie principale.

Un accord est un ensemble de trois sons ou plus qui sont joués en même temps et qui peuvent être utilisés pour accompagner une mélodie.

Certains instruments à son grave peuvent jouer des accords, notamment les claviers, les instruments à vent, les carillons, les ukulélés et les cloches à main.

Les instruments qui ne peuvent jouer qu’un seul son peuvent être superposés à d’autres sons pour créer une harmonie, notamment les cloches à résonateur et les voix.
Compréhension
L’harmonie est créée lorsque deux ou plusieurs sons retentissent en même temps.
Habiletés et procédures
Jouer de la musique écrite en deux parties, en canon ou en couplets.

Découvrir comment les accords peuvent être utilisés pour accompagner une mélodie.

Jouer de la musique qui incorpore différentes superpositions de sons.
Connaissances
La représentation visuelle de la musique peut inclure la notation écrite, les cartes musicales ou les médias numériques.

La musique peut être notée en utilisant la notation inventée comme moyen de documenter les idées musicales.

Les cartes musicales peuvent être utilisées pour lire la musique ou comme moyen non standard de noter le contour mélodique, la forme ou les parties vocales et instrumentales.

Les symboles musicaux peuvent être représentés visuellement pour indiquer comment une pièce de musique doit être interprétée, notamment :
  • marques dynamiques (l’articulation), y compris la phrase, l’accent, le légato et le staccato
  • gamme dynamique de sons doux, y compris pp, mp et p pour indiquer pianissimo, mezzopiano et piano
  • gamme dynamique des sons forts, y compris ff, mf et f pour indiquer fortissimo, mezzo forte et forte.
Dans la musique occidentale, des termes et des symboles italiens sont utilisés pour désigner le tempo, notamment :
  • ritardando (rit.), ce qui signifie que l’on ralentit progressivement
  • accélérando (accel.), ce qui signifie que l’on accélère progressivement
  • andante, qui signifie modérément lent ou à un rythme de marche.
Les instruments d’un orchestre sont généralement disposés par famille musicale sur une scène, le maestro étant placé au premier plan pour diriger le groupe.

La musique peut être jouée et exécutée à l’aide du mouvement et de divers instruments, notamment les cloches à main, les carillons, les flutes à bec, les ukulélés, les instruments à percussion à sons déterminés et indéterminés et les voix.

Les accords peuvent être représentés visuellement à l’aide de symboles d’accords pour les instruments, y compris les cloches à main et les ukulélés.

La représentation auditive des structures musicales peut être améliorée par le développement de compétences musicales, notamment :
  • avoir l’oreille
  • lecture de portée
  • jouer des instruments tels que la flute à bec avec une bonne intonation
  • chanter juste
  • utilisation adéquate des techniques pour jouer les divers instruments.
La structure de la musique peut être reflétée de manière kinesthésique à travers le mouvement, les gestes ou à l’aide d’objets.
Compréhension
La structure de la musique peut être représentée visuellement, auditivement ou de manière kinesthésique.
Habiletés et procédures
Utiliser le vocabulaire musical pour décrire comment l’humeur ou l’émotion peuvent être transmises par la musique.

Appliquer des changements de dynamiques et de tempo lorsqu’on chante et joue d’un instrument.

Utiliser une carte musicale pour suivre ou documenter une idée musicale.

Classer les instruments de l’orchestre par nom de famille.

Développer les compétences musicales.
Connaissances
Certaines combinaisons de sons sont agréables lorsqu’elles sont combinées; ce sont des accords.

Les accords majeurs et mineurs ont des sons différents.

Les mélodies peuvent être accompagnées d’une harmonie.

Les accords peuvent être joués au clavier et sur des instruments à lames.

Les notes do et sol peuvent être jouées sur des instruments à lames comme moyen d’accompagner une mélodie.
Compréhension
Les sons peuvent être combinés et joués en même temps pour créer une harmonie.
Habiletés et procédures
Faire la différence entre les sons joués individuellement et les sons joués en tant qu’accords.

Explorer la différence entre le son des accords majeurs et mineurs.

Jouer des accords simples pour accompagner les mélodies.
Connaissances
Les sections de musique peuvent varier en durée et comprendre des :
  • phrases qui peuvent être courtes ou longues
  • mesures qui peuvent être longues de deux, trois ou quatre pulsations
  • introductions qui indiquent le début d’une pièce de musique
  • coda, qui est une courte section ou un thème placé à la fin d’une pièce de musique
  • interludes, qui sont des sections instrumentales placées entre les couplets d’une chanson.
Les formes musicales peuvent varier en durée, notamment :
  • forme de phrase ab, aba, abba, et autres variations
  • AB binaire
  • ternaire ABA
  • couplet et refrain.
Une pièce de musique imprimée (partition musicale) est utilisée pour illustrer la durée d’une pièce de musique.

On peut prolonger la durée d’une structure rythmique ou d’une mélodie en répétant le motif plusieurs fois (ostinato).

Les changements de tempo peuvent affecter la durée d’une pièce musicale.
Compréhension
La durée est le continuum du temps entre le moment où la musique commence et celui où elle se termine.

La manière dont la musique est structurée peut affecter la durée de la pièce musicale.
Habiletés et procédures
S’entrainer à lire la musique à partir d’une simple partition.

Créer un mouvement pour illustrer une diversité de formes musicales.

S’entrainer à soutenir un ostinato rythmique ou mélodique.

Découvrir comment la durée d’une section de musique peut être prolongée.

Identifier la longueur d’une phrase musicale dans un éventail d’exercices d’écoute.

Reconnaitre le rôle d’une introduction, d’un interlude et d’une coda dans la musique.
Connaissances
Les groupements de tons peuvent être utilisés pour embellir ou donner une couleur tonale (un timbre) lors de l’accompagnement.

Un groupement de notes est un type d’accord qui est structuré sur une série de trois notes adjacentes ou plus d’une gamme jouées en même temps.

Les familles d’instruments de la musique occidentale comprennent cordes, bois, claviers, cuivres et percussions.

La qualité du son d’un instrument peut varier en fonction de la façon dont l’instrument est joué, notamment :
  • archet
  • cordes pincées
  • cordes frappées
  • cordes frottées
  • harpe
  • luth.
Les instruments du monde entier et de diverses cultures peuvent présenter des caractéristiques similaires de construction et de manière de jouer.

Voici quelques exemples d’instruments de musique qui mettent en valeur chacune des familles d’instruments :
  • les cuivres :
    – Aaron Copland, Fanfare pour l’homme du peuple
  • à cordes :
    – Samuel Barber, Adagio pour cordes
    – Antonio Vivaldi, Quatre Saisons, Le Printemps I: Allegro
  • les bois :
    – George Gershwin, Rhapsody in Blue (clarinette)
    – Wolfgang Amadeus Mozart, Concerto pour clarinette en la majeur, 2e mouvement
  • à percussion :
    – Harry Freedman, Samba no 1, du ballet Oiseaux exotiques
    – Johann Sebastian Bach, Le Clavier bien tempéré (clavier).
Compréhension
La couleur tonale, ou timbre, classe les instruments en familles.
Habiletés et procédures
Expérimenter différents groupements de sons comme moyen d’embellir un accompagnement musical.

Distinguer les timbres de différents sons, y compris les instruments, les voix et les sons environnementaux, à l’aide de musique en direct ou enregistrée.

Reconnaitre les instruments des quatre différentes familles.
Idée organisatrice
Créer et présenter : Les idées peuvent être représentées musicalement par des œuvres d’art qui s’appuient sur des connaissances fondamentales.
Question directrice
Comment un message peut-il être représenté musicalement?
Question directrice
Comment un message en musique peut-il refléter ce que nous apprécions et comprenons?
Question directrice
Comment un récit peut-il contribuer à la création et à la présentation de la musique?
Résultat d’apprentissage
Les élèves expérimentent la manière dont un message peut être créé et présenté en utilisant des instruments, des voix et du mouvement.
Résultat d’apprentissage
Les élèves représentent les messages par des choix artistiques liés aux éléments de la musique.
Résultat d’apprentissage
Les élèves utilisent le récit comme structure d’organisation des idées musicales.
Connaissances
Les paroles sont utilisées dans la musique pour transmettre un message par le chant.

La musique avec paroles peut être chantée dans n’importe quelle langue.

Les messages en musique peuvent être exprimés par des chansons qui célèbrent :
  • les vacances
  • les saisons
  • la cérémonie
  • la nationalité
  • le patrimoine culturel.
Voici quelques musiques des communautés francophones :
  • Sur le pont d’Avignon
  • Fais dodo
  • Alouette, gentille alouette
  • Frère Jacques
  • En roulant ma boule.
Compréhension
La communication verbale d’un message peut être transmise de différentes manières par la musique.

La communication verbale d’un message peut exprimer une gamme de sentiments et d’expériences.
Habiletés et procédures
Chanter diverses chansons individuellement et à l’unisson.

Créer de nouvelles paroles sur des mélodies familières.

Explorer la musique chantée dans d’autres langues, y compris les chansons folkloriques canadiennes-françaises.
Connaissances
Les choix artistiques peuvent être faits intentionnellement pour partager un message par :
  • l’utilisation et la combinaison des éléments de la musique
  • les instruments, le chant ou une combinaison des deux
  • la documentation de la musique par la notation
  • l’écriture des paroles
  • la formulation et les articulations.
Les formes musicales peuvent aider à organiser les messages et les sons musicaux dans une structure, notamment :
  • forme binaire AB
  • forme ternaire ABA
  • forme de phrase abab et autres combinaisons
  • couplets et refrain.
On peut mettre en valeur les messages en musique en ajoutant de l’harmonie pendant que l’on chante ou que l’on joue des instruments.
Compréhension
Les musiciens choisissent délibérément des moyens de faire passer un message de manière efficace.

Les éléments de la musique peuvent être combinés dans un nombre infini de structures pour créer un message musical.
Habiletés et procédures
Créer des structures dans la musique en combinant la mélodie, le rythme, la dynamique et la forme.

Faire des choix artistiques liés à la dynamique, au phrasé et à d’autres articulations lorsqu’on crée de la musique.

Créer de la musique dans une forme musicale donnée.

Démontrer la forme en musique par la création de mouvement corporel.

Exécuter des ostinatos rythmiques et mélodiques pour accompagner des poèmes ou des chansons.

Jouer divers arrangements de musique qui incorporent des instruments, du chant ou du mouvement.
Connaissances
Un récit en musique peut ou non représenter une séquence d’évènements dans l’ordre où ils se sont produits.

Un récit musical peut être structuré par :
  • l’exécution en solo d’une voix ou d’un instrument
  • de petits groupes tels que les duos, trios ou quatuors
  • de grands groupes
  • l’improvisation
  • les phrases mélodiques ou rythmiques.
En musique, les récits peuvent être créés avec :
  • des instruments
  • des paroles et des chants
  • des thèmes ou des structures mélodiques ou rythmiques
  • des sons inventés ou des sons de l’environnement
  • la notation.
Des paysages sonores peuvent être créés pour accompagner un récit en combinant un éventail de sons.

Les récits peuvent être structurés avec un éventail de formes musicales.

L’inspiration du récit peut venir :
  • d’histoires, légendes, mythes
  • de poésie
  • du cinéma, de la télévision ou autres médias numériques
  • de personnes ou de personnages
  • de l’environnement.
Compréhension
Un récit musical peut être communiqué sous forme de représentation partielle ou entière.

Un récit peut être factuel ou fictif.
Habiletés et procédures
Jouer des arrangements de musique qui peuvent représenter un récit.

Créer des thèmes mélodiques et rythmiques pour représenter un récit.

Créer des compositions de paysages sonores pour accompagner des histoires, de la poésie ou d’autres formes de récit.

Discuter du sens véhiculé par l’utilisation des paroles dans diverses chansons.

Explorer de nouvelles façons de créer, de noter ou de partager des idées musicales.
Connaissances
La communication non verbale d’un message peut se faire par :
  • le mouvement
  • les gestes
  • les instruments
  • la percussion corporelle.
Les éléments de la musique peuvent être utilisés de diverses manières pour communiquer de manière non verbale l’humeur ou le sens en musique, notamment :
  • la mélodie, y compris les gammes majeures et mineures
  • le rythme
  • l’harmonie
  • la dynamique et le tempo
  • la forme.
Les instruments ont un timbre spécifique qui peut être utilisé pour représenter un message.

Les séquences rythmiques et mélodiques peuvent être organisées en phrases qui sont pareilles, semblables, ou différentes afin de communiquer un message.

Les séquences mélodiques ou rythmiques peuvent représenter un personnage ou un thème dans une histoire.

Le mouvement et les gestes peuvent accompagner les expressions musicales pour renforcer le sens d’un message.
Compréhension
La communication non verbale d’un message en musique peut être transmise de diverses manières.
Habiletés et procédures
Explorer comment les éléments de la musique peuvent être appliqués pour communiquer des sentiments, des personnages ou des humeurs.

Jouer des arrangements de musique pour instruments et voix.

Jouer des ostinatos rythmiques ou mélodiques pour accompagner des chansons ou des poèmes.

Répondre de diverses manières lorsqu’on est à l’écoute active des changements de dynamique et de tempo.

Créer des mouvements improvisés ou planifiés pour accompagner des poèmes, des chansons et des histoires.
.
Créer des séquences rythmiques ou mélodiques qui peuvent représenter un personnage ou un thème.

Illustrer la forme en musique par le mouvement ou en jouant d’un instrument.
Connaissances
Les messages de la musique peuvent représenter divers concepts, y compris des idées, des expériences et des sentiments.

Le cercle est un symbole qui peut communiquer un message en musique, y compris la connexion.

On peut optimiser un message musical pour le public en y incorporant le mouvement ou la danse, l’expression dramatique et le récit.

La musique jouée à pulsations régulières peut aider à clarifier le message qui est communiqué.

Le message peut être optimisé lorsque le chant comprend :
  • expression sous forme de formulation
  • expressions du visage
  • application de la dynamique
  • mouvement ou gestes
  • précision du ton.
Les processus créatifs peuvent aider à développer et à clarifier un message en musique, notamment :
  • en générant des idées
  • en résolvant des problèmes
  • par la réflexion
  • en donnant et recevant de la rétroaction
  • en raffinant
  • par les répétitions.
Les messages transmis par la musique peuvent être interprétés de différentes manières par un public.

Les rétroactions données par les autres peuvent clarifier la manière de présenter les messages pour de futures représentations.
Compréhension
Le message est au centre de la communication en musique.

Un public reçoit et interprète les messages communiqués par la musique.

Les messages peuvent représenter ce qu’un musicien ou un compositeur veut dire pour communiquer.
Habiletés et procédures
Créer un message musical qui représente une idée, une expérience ou un sentiment.

Étendre le développement vocal pour inclure l’expression et la précision de la hauteur.

Appliquer des processus créatifs à la création d’un message en musique.

Participer en tant que spectateur et en tant qu’interprète à diverses expériences musicales.

Intégrer le mouvement, l’expression dramatique ou le récit dans la présentation de la musique.

Évaluer l’efficacité des choix artistiques dans la communication d’un message au moyen de la musique.
Connaissances
On peut développer ses points de vue en faisant l’expérience de la musique des autres.

Les points de vue ou perspectives peuvent refléter des émotions, des expériences et la culture.

Les éléments de la musique peuvent communiquer des points de vue dans un récit.
  • Les nuances peuvent ajouter une qualité émotionnelle à la musique.
  • Une structure de gammes en mineure ou en majeure peut transmettre l’humeur.
  • La signature rythmique peut transmettre un style musical particulier dans lequel l’histoire est racontée.
  • Les structures rythmiques et mélodiques peuvent être créées pour communiquer un thème ou une structure.
  • La forme peut être utilisée pour structurer la façon dont l’histoire est racontée.
La musique qui raconte une histoire peut être liée à un éventail de danses sociales ou folkloriques.
Compréhension
Un récit peut communiquer les points de vue ou les perspectives d’un individu ou d’un groupe.
Habiletés et procédures
Participer à diverses danses folkloriques ou sociales.

Créer un thème musical qui peut représenter le point de vue d’un récit.
Connaissances
Un message en musique peut être généré, envoyé, reçu et interprété.

Répéter avant de se produire devant un public peut aider à clarifier les rôles et à affiner les compétences et les techniques.

La structure d’une présentation musicale peut aider un public à savoir quand l’expérience commence et se termine.

On peut développer de l’empathie et varier ses points de vue en créant de la musique, en assistant à des représentations musicales et en parlant de la musique.

Les attentes en matière de participation à la musique, connues sous le nom de protocoles artistiques et d’étiquette, peuvent changer en fonction du contexte dans lequel la musique est vécue.

Compréhension
La transmission d’un message implique le musicien et le public.

Les membres du public peuvent avoir des sentiments différents à l’égard des œuvres musicales.
Habiletés et procédures
Participer en tant que spectateur et en tant qu’interprète à diverses expériences musicales.

Répéter avant de faire un concert devant un public.

Partager des interprétations ou des sentiments au sujet d’œuvres ou d’interprétations musicales.

Démontrer une compréhension des protocoles artistiques et de l’étiquette dans le cadre de diverses expériences musicales.
Connaissances
On peut améliorer la communication d’un récit grâce à ses habiletés de musicien.

La communication d’une histoire peut se faire individuellement ou en tant que groupe.

Le directeur musical ou l’enseignant peut donner des indications de performance ou de directives pour diriger le groupe.

Travailler avec un ensemble permet de développer des compétences qui peuvent être transférées à d’autres domaines d’apprentissage.

Un compositeur peut créer et documenter la musique par l’écriture ou la notation pour communiquer la manière dont la musique doit être jouée.

Un musicien peut interpréter et exécuter les éléments de la musique d’une manière différente de celle prévue par le compositeur.

La musique peut être combinée avec d’autres formes d’art, y compris les arts visuels, le théâtre et la danse, pour créer un récit.

L’expression d’un récit en musique peut être optimisée par l’application de processus créatifs.
Compréhension
Un récit musical peut être façonné par le musicien, le compositeur, le groupe ou le public.
Habiletés et procédures
Jouer de la musique, individuellement et en groupe, en mettant l’accent sur le développement des compétences musicales.

Répondre aux indications du directeur musical lors de l’exécution de la musique.

Essayer de diriger ou de mettre en scène des chansons simples ou familières avec vos pairs.

Examiner comment une chanson familière ou une simple mélodie peut changer par rapport à son intention initiale lorsqu’on modifie un ou plusieurs éléments.

Intégrer des mouvements, des gestes ou des accessoires pour améliorer la présentation d’un récit musical.

Appliquer des processus créatifs lors de la création d’un récit.

Participer à la musique en tant qu’interprète et en tant que spectateur.
Connaissances
Les processus créatifs peuvent comprendre :
  • répéter
  • générer une idée
  • donner et recevoir de la rétroaction
  • réfléchir.
La génération d’une idée peut impliquer la pensée créative et la résolution de problèmes.
Compréhension
Le développement d’un message en musique peut impliquer des processus créatifs.

Les messages peuvent être clairement communiqués lorsque les éléments de la musique, des voix ou des instruments sont combinés avec un but.
Habiletés et procédures
Appliquer des processus créatifs lors de la création de musique.

Discuter de la manière dont l’utilisation ciblée des instruments peut renforcer la communication d’un message.
Idée organisatrice
Appréciation : La reconnaissance de la beauté, de la bonté et de la vérité dans la musique peut être développée par la compréhension de la complexité et de la richesse des grandes œuvres musicales, des artistes qui les créent et les interprètent, et des contextes historiques et culturels dont elles sont issues.
Question directrice
Comment les cultures du passé et du présent peuvent-elles contribuer à l’appréciation de la musique?
Question directrice
Comment la compréhension de la culture peut-elle contribuer à l’apprentissage de la musique de la Rome antique et de la Nouvelle-France?
Question directrice
Quel est le rôle de la culture dans la formation de la musique de l’Europe médiévale, de l’Islam médiéval et de l’Alberta?
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent la culture en relation avec la musique de la Grèce antique et d’aujourd’hui.

Les élèves examinent la culture à travers la musique des Premières Nations, des Métis et des Inuit.
Résultat d’apprentissage
Les élèves établissent un lien entre les cultures musicales du passé et la musique moderne.
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent comment la culture se reflète dans la musique à différentes époques et dans différents lieux.
Connaissances
Les expériences musicales peuvent comprendre l’apprentissage de la musique du passé et des personnes qui l’ont créée.

Plusieurs composantes de la musique peuvent communiquer la culture, notamment par l’utilisation de rythmes, de mélodies et d’instruments.

Les Grecs anciens utilisaient des chiffres pour indiquer les différentes hauteurs de sonorité de la musique.

Les styles musicaux de la Grèce antique étaient connus pour être lents et cérémonieux, ou rapides et vivants.

En Grèce antique, la musique accompagnait souvent la danse et la poésie.

La musique de la Grèce antique n’a jamais été enregistrée, mais on sait qu’elle était présente dans les célébrations, les évènements sociaux et les rassemblements religieux.

Dans la Grèce antique, les instruments de musique comprenaient;
  • les tambours
  • les flutes
  • les cymbales
les cloches
  • les tambourins
  • Les castagnettes.
La lyre, instrument à cordes ressemblant à une harpe, était l’instrument le plus important de la Grèce antique et était utilisée pour accompagner les discussions sur la philosophie et la narration de récits.

La harpe est considérée comme l’instrument le plus ancien de la Grèce antique.

Les cordes des instruments à cordes étaient fabriquées à partir des muscles de divers animaux.
Compréhension
La culture est ce que les gens font et une façon de penser.

La culture musicale de la Grèce antique a influencé de nombreux aspects de la musique actuelle.
Habiletés et procédures
Indiquer comment la culture peut être communiquée par la musique.

Créer de la musique dans des styles rapides ou lents, comme dans la musique de la Grèce antique.

Découvrir comment les mélodies peuvent être notées à l’aide de chiffres.
Connaissances
Au cours de l’histoire jusqu’à nos jours, les cultures ont valorisé la musique pour diverses raisons, notamment l’expression religieuse ou créative, le divertissement ou l’éducation.

Dans certaines cultures, les instruments de musique ont une signification spirituelle.

L’utilisation d’un vocabulaire lié aux éléments de la musique peut contribuer aux discussions sur la musique.

Les protocoles artistiques et l’étiquette peuvent changer en fonction de la communauté, de la culture, de la présentation et de l’emplacement d’un spectacle musical.
Compréhension
La musique a une valeur différente selon les cultures au cours de l’histoire.

Les communautés artistiques peuvent être un lieu d’expression artistique au sein de diverses cultures.
Habiletés et procédures
Décrire la valeur de la musique dans la vie et la culture d’une personne.

Démontrer les protocoles artistiques et l’étiquette dans diverses expériences musicales.

Utilisez le vocabulaire musical pour répondre à des œuvres musicales.
Connaissances
La culture peut s’améliorer lorsque les communautés artistiques participent, communiquent, s’engagent et partagent les responsabilités.

La culture d’une communauté artistique peut soutenir l’inclusion bienveillante et respectueuse de tous les participants.
Compréhension
La culture d’une communauté peut s’apprendre quand les gens s’unissent grâce aux arts.

La culture d’une communauté artistique consiste à partager des façons d’être ensemble et d’atteindre des objectifs communs.
Habiletés et procédures
Participer à la musique en tant que membre d’une communauté artistique.

Démontrer comment les rôles et responsabilités artistiques contribuent au sentiment d’appartenance d’une communauté.
Connaissances
La musique des Premières Nations, des Métis et des Inuit peut refléter des modes de vie, notamment :
  • la tradition
  • les croyances
  • l’histoire
  • les relations
  • les enseignements traditionnels.
Les communautés des Premières Nations, des Métis et des Inuit peuvent avoir des protocoles spécifiques concernant la manière dont la musique est partagée ou exécutée ou avec qui elle l’est.

Les Premières Nations, les Métis et les Inuit expriment la musique de cérémonie de diverses façons, notamment par :
  • le tambour
  • la flute à bec
  • le chant
  • le chant de gorge
  • les hochets
  • le violon
  • les râpes
  • les claquettes.
Les Premières Nations, les Métis et les Inuit trouvent des sources d’inspiration pour la musique sur la terre, notamment :
  • l’eau
  • le vent
  • les plantes
  • les animaux.
La musique dans les communautés des Premières Nations, des Métis et des Inuit peut présenter des avantages individuels et collectifs, notamment :
  • le bienêtre social
  • la santé physique
  • le lien spirituel
  • le bienêtre émotionnel et mental
  • le développement intellectuel.
La musique des Premières Nations, des Métis et des Inuit comprend les traditions orales qui peuvent être transmises entre et parmi les individus et les communautés selon un protocole précis.
Compréhension
La culture peut être révélée par la musique des Premières Nations, des Métis et des Inuit.

Un sentiment de communauté et de bienêtre parmi les participants peut être établi grâce à la musique des Premières Nations, des Métis et des Inuit.
Habiletés et procédures
Découvrir la musique des Premières Nations, des Métis et des Inuit.

Discuter de la manière dont la culture peut être communiquée par la musique des Premières Nations, des Métis et des Inuit.

Discuter des avantages de la musique dans votre vie ou dans votre communauté.
Connaissances
Dans la Rome antique, la musique était appréciée pour sa capacité à éduquer les gens.

De nombreux aspects de la musique romaine ont été repris de la Grèce antique.

Les Romains ont utilisé la musique pour diverses raisons, notamment
  • occasions spéciales
  • célébrations
  • évènements militaires et sportifs
  • concours de gladiateurs
  • chasse.
Les différents styles de musique romaine étaient utilisés pour accompagner les danses qui racontaient une histoire.

La classification des instruments de la Rome antique ressemble à celle des instruments d’orchestre occidentaux, y compris les cuivres, les bois, les percussions et les cordes.

Les types d’instruments utilisés dans la Rome antique comprennent
  • instruments qui produisent des sons avec l’air, comme la cornemuse, la flute de Pan, le hautbois ou le tuba (aérophones)
  • instruments qui vibrent lorsqu’ils sont frappés, secoués ou grattés, tels qu’un gong, une cloche ou un hochet (idiophones)
  • instruments, comme un tambour ou un kazoo, qui produisent des sons si l’on frappe ou frotte la membrane tendue, ou si l’on chante dessus (membranophones)
  • instruments, comme la guitare ou le piano, dont les cordes sont pincées, frottées ou frappées (chordophones).
Compréhension
La culture de l’Antiquité romaine se reflétait dans les traditions musicales et les croyances sur la musique.

Les cultures de la Rome antique ont eu une influence sur la musique et les instruments de musique modernes.
Habiletés et procédures
Comparer la classification des instruments de la Rome antique à celle des instruments modernes.

Concevoir un instrument dans le style de ceux que l’on trouve dans la Rome antique.
Connaissances
L’utilisation de la musique dans les cérémonies et les célébrations faisaient partie de la culture des Premières Nations et des Inuit bien avant l’arrivée des Européens.

La musique des Premières Nations, des Métis et des Inuit peut :
  • transmettre des enseignements et des histoires
  • communiquer des valeurs et des croyances
  • faire preuve de gratitude et de respect
  • faire preuve de réciprocité
  • se rapprocher des ancêtres
  • refléter la spiritualité
  • contribuer à la guérison.
Un grand nombre des premiers colons de l’Alberta étaient des Canadiens français.

Parmi les contributions francophones à la musique en Alberta, on peut citer :
  • l’introduction de l’orgue et des partitions
  • les chants traditionnels des voyageurs
  • l’introduction du violon.
Les coureurs des bois chantaient en chœur des chansons en ramant dans leur canoë à travers les rivières du Canada pour le commerce des fourrures, comme :
  • À la claire fontaine
  • Ah! si mon moine voulait danser
  • C’est l’aviron.
Compréhension
En Alberta, la musique peut refléter la culture de ceux qui nous ont précédés et de ceux qui vivent ici aujourd’hui.
Habiletés et procédures
Discuter d’exemples de connaissances que les Premières Nations, les Métis et les Inuit peuvent transmettre par la musique.

Écouter la musique de violon comme source d’inspiration pour parler de la musique.

Chanter ou jouer des chansons traditionnelles des coureurs des bois.
Connaissances
La musique a été une partie importante de la culture des Premières Nations en Nouvelle-France pendant des centaines d’années avant l’arrivée des colons européens.

La musique des Premières Nations en Nouvelle-France reflétait des traditions et des croyances qui continuent d’être honorées et célébrées aujourd’hui.

Les protocoles relatifs à la façon dont la musique est partagée ou à la personne avec qui elle l’est faisaient partie des cultures des Premières Nations en Nouvelle-France et continuent d’avoir une grande importance aujourd’hui.

Les colons européens ont introduit la musique folklorique et les instruments européens en Nouvelle-France.

La musique folklorique reflète la vie, les traditions ou les coutumes d’un groupe de personnes d’un pays, d’une région ou d’une culture spécifique.

La forme de musique occidentale commune au Canada aujourd’hui a été influencée par la musique folklorique européenne et les traditions apportées en Nouvelle-France.

Les instruments musicaux couramment utilisés en Nouvelle-France comprennent :
  • le violon
  • la guitare
  • la flute
  • le fifre
  • la trompette.
Les caractéristiques de la musique qui ont été popularisées comme symboles de la culture canadienne-française sont les suivantes :
  • petit bonhomme gigueux (pantin de bois)
  • violon
  • cuillères
  • taper du pied.
Compréhension
Les colons européens ont introduit la musique folklorique et les instruments européens en Nouvelle-France.

En Nouvelle-France, la musique a servi à différentes fins pour les différents groupes qui y ont vécu.
Habiletés et procédures
Découvrir un éventail de musique folklorique.

Jouer de la musique en utilisant des instruments traditionnels canadiens-français.

Écouter de la musique des Premières Nations, des Métis ou des Inuit pour s’inspirer et parler à propos des traditions musicales.
Connaissances
Les chants grégoriens étaient une forme courante de chant non accompagné utilisée par l’Église catholique médiévale et qui ne contenait qu’une seule mélodie (monophonique).

La musique à plusieurs mélodies (polyphonique) a été introduite dans l’Église catholique un peu plus tard à l’époque médiévale.

Au 7e siècle, les chansons portaient sur l’amour, la guerre et d’autres sujets importants pour les gens.

Les styles de musique médiévale, dont la ballade, le rondeau et le motet, ont été créés au 12e siècle et sont toujours utilisés de nos jours.

La musique islamique médiévale avait un système de notation de base et était principalement basée sur la musique vocale contenant une mélodie.

Les musiciens ont utilisé l’improvisation comme moyen de créer un style de musique personnel.

La musique islamique médiévale était généralement jouée en solo ou en petit groupe.

Le 7e siècle a été l’âge d’or de l’Islam durant lequel la musique a été très appréciée et apprise par la plupart des gens.

Ziryab était un musicien, compositeur et poète bien connu de cette époque.

Les savants arabes ont continué de développer les connaissances venant des Grecs en créant de nouveaux instruments et de nouvelles manières de fabrication d’instruments.
Compréhension
La culture s’est révélée à travers les structures et les styles musicaux du Moyen Âge.
Habiletés et procédures
Écouter des chants grégoriens pour l’inspiration et pour parler de la musique.

Découvrir la musique du Moyen Âge.

Utiliser l’improvisation pour créer des idées musicales et exprimer votre style personnel.