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Beaux-artsArt dramatique

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L’art dramatique est un moyen d’expression individuel et collectif qui favorise la poursuite d’objectifs communs. Les élèves apprennent à réfléchir et à collaborer par le biais d’interactions créatives utilisant le corps et la voix comme outils d’expression dans le développement de la résilience, de l’empathie et de la confiance. En cultivant et en affinant leurs compétences et techniques dramatiques, les élèves développent une communication verbale et non verbale qui leur permet de créer, de présenter et d’apprécier le monde qui les entoure, ainsi que d’y réagir et de s’y connecter. Les processus dramatiques permettent aux élèves de développer des perspectives par l’exploration de personnages, d’humeurs et de situations dans des contextes historiques, culturels et contemporains.
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5e année
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Idée organisatrice
Éléments de base : En art dramatique, la littératie se développe par la connaissance et l’application des processus dramatiques.
Question directrice
Quel est l’effet de la combinaison de la voix et de la mise en scène sur le développement d’une interprétation?
Question directrice
Comment la voix et la mise en scène peuvent-elles transmettre l’authenticité?
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent la voix et la mise en scène comme des moyens d’expression dans l’art dramatique.
Résultat d’apprentissage
Les élèves associent la voix à la mise en scène dans le développement des personnages, des rôles et des situations.
Connaissances
Le ton de la voix comprend :
  • le volume
  • l’accentuation
  • l’accent
  • l’intonation.
La production de la voix comprend :
  • la tonalité
  • la vigueur
  • le ton
  • le volume
  • la projection
  • l’articulation
  • la diction
  • la cadence.
La voix et le corps peuvent révéler des stéréotypes ainsi que des personnages dans une interprétation.

Les stéréotypes en art dramatique représentent un ensemble de traits de personnalité ou des opinions toutes faites liées à la voix et l’apparence d’un personnage.

Un personnage authentique est une représentation exacte et véridique d’une personne.

L’appareil vocal est l’ensemble des organes vocaux du corps qui influencent le son et peut comprendre :
  • les lèvres
  • les dents
  • la langue
  • le palais dur
  • le palais mou.
L’appareil vocal contribue à la production de sons et de mots clairs et peut être développé par des exercices vocaux, y compris les torsions de la langue.
Compréhension
La voix est un outil d’expression capable de produire et de reproduire des sons.

La voix a un ton naturel et reconnaissable qui peut représenter le caractère unique d’un individu.
Habiletés et procédures
Expérimenter comment la voix peut créer plusieurs sons différents.

Faire la différence entre des stéréotypes et des personnages authentiques.

Explorer l’utilisation de l’appareil vocal pour ajuster les sons vocaux.
Connaissances
Une voix peut être mélangée avec d’autres voix pour créer un ton distinct.

L’utilisation individuelle et collective de la voix nécessite des ajustements dans :
  • le volume
  • l’accentuation
  • l’accent
  • l’intonation
  • la respiration.
La production de la voix en chœur nécessite une écoute mutuelle concernant :
  • la tonalité
  • la vigueur
  • le ton
  • le volume
  • la projection
  • l’articulation
  • la cadence
  • la diction.
Pour équilibrer les voix au sein d’une troupe d’interprètes, il faut collaborer et faire des compromis.
Compréhension
La voix est un outil de communication puissant qui peut transmettre le caractère unique d’un individu ou d’une troupe d’interprètes.
Habiletés et procédures
Discuter de la manière dont les expériences en art dramatique contribuent à savoir quand et comment utiliser la voix de manière appropriée.

Utiliser la voix à l’unisson pour communiquer l’intention.

Évaluer l’équilibre des voix au sein d’une troupe d’interprètes.

Accroitre la production vocale pour refléter le personnage.
Connaissances
La voix est ce qui est entendu, ressenti et imaginé par un public.

La voix peut être utilisée pour représenter :
  • les pensées
  • les sentiments
  • les expériences
  • l’imagination
  • les attributs personnels.
La voix peut représenter la perspective d’un personnage.

La quantité de souffle utilisée dans la production vocale varie en fonction de l’espace de performance.

Les chuchotements de scène nécessitent un excès de souffle pour projeter efficacement la voix.
Compréhension
La voix transmet l’intention de l’interprète dans la manière dont elle est utilisée.

La voix est libérée du corps avec une quantité de souffle appropriée pour l’espace, l’idée et le sentiment.
Habiletés et procédures
Expérimenter comment la voix peut influencer le développement d’un personnage ou d’une situation.

Découvrir comment la libération de la voix dépend du corps et de la respiration.
Connaissances
La voix peut commencer par la pensée et la respiration et conduire à l’expression verbale ou non verbale.

L’expression vocale peut contribuer à établir l’ambiance ou le cadre d’une interprétation.

En art dramatique, l’humeur fait référence à la qualité émotionnelle globale d’une œuvre dramatique.

En art dramatique, la mise en scène d’une œuvre dramatique peut être une représentation visuelle ou auditive du lieu où se déroule la situation dramatique.

La production et la projection intentionnelles de la voix peuvent communiquer des sentiments, des tensions et de la tranquillité.

L’utilisation de la voix peut susciter une réaction émotionnelle chez les autres, attirer l’attention ou susciter une action dramatique.

La voix peut être utilisée pour rendre un personnage ou une situation plus crédibles.
Compréhension
La voix peut communiquer l’intention d’un interprète au public et aux autres interprètes.

La voix exprime la personnalité, le style et le personnage.
Habiletés et procédures
Expérimenter comment la voix peut établir l’ambiance ou la mise en scène d’une interprétation.

Examiner comment la voix peut soutenir la crédibilité d’un personnage ou d’une situation.

Examiner comment la voix peut être utilisée pour développer des personnages authentiques et des stéréotypes.

Évaluer l’utilisation de la voix dans le développement d’un personnage, d’un décor et d’une ambiance.
Connaissances
En art dramatique, l’échauffement physique peut comprendre :
  • l’étirement
  • les extensions
  • les exercices de respiration
  • l’exercice cardiovasculaire.
En art dramatique, les échauffements vocaux peuvent comprendre des exercices pour :
  • le contrôle de la respiration
  • la variation de tonalité
  • la projection
  • l’articulation.
La tension dans le corps et la respiration influence la façon dont la voix exprime les pensées et les sentiments.
Compréhension
La voix fonctionne de manière optimale lorsqu’elle est échauffée, exercée et détendue.
Habiletés et procédures
Participer de différentes manières pour échauffer le corps et la voix.

Discute de la manière dont un échauffement du corps et de la voix approprié peut contribuer à l’expression dramatique.

Explorer comment la tension dans le corps et la respiration peut influencer la qualité vocale.
Connaissances
Le travail de la voix peut comprendre des échauffements physiques et vocaux.

En se libérant d’habitudes vocales et physiques inefficaces, des occasions pour la voix émergent.

L’hygiène vocale comprend la projection efficace de la voix et la production de la voix.

Le contrôle de la voix exige une prise de conscience du corps, de la respiration et de la libération.
Compréhension
Le travail de la voix est physique et nécessite une prise de conscience du corps.
Habiletés et procédures
Discuter de la manière dont des habitudes vocales et physiques inefficaces peuvent entraver l’expression.

Reconnaitre le lien entre le corps et la voix dans l’expression verbale.

Participer à des échauffements vocaux et physiques.
Connaissances
La mise en scène comprend le mouvement des acteurs et des objets dans un espace de performance.

Les considérations de mise en scène comprennent l’audibilité et la visibilité optimales pour un public.

La mise en place est le mouvement et le positionnement d’un interprète sur scène qui peut influencer l’expression.

Les positions du corps sur scène peuvent comprendre de face, de profil et de dos.

Toutes les formes dramatiques ne peuvent pas être mises en scène de la même manière.

Une interprétation peut intégrer le public en tant que participant à la performance.

Le public peut participer à une performance de différentes manières, y compris en :
  • chantant
  • utilisant des accessoires
  • répondant oralement aux questions des interprètes
  • suggérant des idées.
Compréhension
Tout espace peut être transformé en espace de performance.

La mise en scène soutient l’expression dans les performances dramatiques.

La mise en scène reflète la relation entre le public et le ou les interprètes dans un espace de performance.
Habiletés et procédures
Déterminer les différentes façons dont un public peut participer à une performance.

Apporter des modifications à un espace particulier pour créer un espace de performance.

Découvrir comment la mise en place peut contribuer aux présentations dans l’art dramatique.

Explorer les effets que la position du corps peut avoir sur l’expression dramatique.
Connaissances
Lorsque les décisions de mise en scène ont un but, l’expérience du public peut être améliorée.

La mise en scène comprend des éléments techniques, des formes dramatiques et le placement du public.

L’univers de la performance peut être créé à l’aide d’éléments techniques, y compris :
  • la mise en place
  • les interprètes
  • le son
  • le décor
  • les accessoires
  • les costumes
  • l’éclairage.
La tension dramatique peut être créée par la combinaison d’éléments de mise en place et d’éléments techniques.

Il existe neuf parties de la scène :
  • l’arrière-scène droite
  • l’arrière-scène centre
  • l’arrière-scène gauche
  • le centre droit
  • le centre
  • le centre gauche
  • l’avant-scène droite
  • l’avant-scène centre
  • l’avant-scène gauche.
Les noms des neuf parties de la scène proviennent de la structure d’une scène inclinée vers le public.

L’avant-scène désigne l’espace le plus près du public.

Les positions du corps, y compris de face, de profil et de dos, peuvent être utilisées en conjonction avec les neuf parties de la scène.

La mise en place est le mouvement et le positionnement d’un interprète dans les neuf parties de la scène.

Un metteur en scène peut guider le mouvement des interprètes sur scène.
Compréhension
La mise en scène est la conception globale d’une performance.

La mise en scène crée l’univers de la performance pour que le public puisse la regarder.

La mise en scène comprend la planification et le déplacement des interprètes sur scène.
Habiletés et procédures
Intégrer des éléments techniques dans une interprétation.

Répondre aux signaux verbaux qui dirigent les mouvements dans les neuf parties de la scène.

Combiner les positions du corps et les parties de la scène dans l’exploration de l’action dramatique.

Discuter des avantages et des inconvénients des choix de mise en place et de mise en scène.

Examiner les différentes formes de mise en scène présentées lors de performances en direct ou enregistrées.
Connaissances
La mise en scène peut améliorer une interprétation par l’utilisation :
  • du mouvement ou de l’immobilité
  • de la clarté et de l’obscurité
  • du son ou du silence.
Des éléments techniques peuvent être ajoutés à une performance pour clarifier les idées pour un public, et peuvent comprendre :
  • les costumes
  • les accessoires
  • le son
  • le décor
  • l’éclairage.
Les éléments techniques peuvent influencer l’expérience du public lors d’une interprétation.
Compréhension
La mise en scène comprend des éléments techniques qui peuvent améliorer une interprétation.
Habiletés et procédures
Explorer les effets des éléments techniques d’une interprétation.

Discuter de l’efficacité des éléments techniques utilisés dans une interprétation.
Idée organisatrice
Créer et présenter : Les idées peuvent être représentées de manière dramatique par des œuvres d’art qui s’appuient sur des connaissances fondamentales.
Question directrice
Comment un récit en art dramatique peut-il contribuer à la compréhension d’histoires et d’expériences diverses?
Question directrice
Comment l’intention artistique peut-elle renforcer la communication des idées dans l’art dramatique?
Résultat d’apprentissage
Les élèves représentent des récits basés sur diverses inspirations et par l’application de choix artistiques.
Résultat d’apprentissage
Les élèves expriment l’intention en tant que partie intégrante de l’expression artistique en art dramatique.
Connaissances
La structure d’un récit peut comprendre un début, un problème et une résolution.

La tension dramatique dans un récit peut créer du suspense et donner au public quelque chose à anticiper.

Certaines parties d’un récit peuvent être exclues, laissant le public supposer ce qui s’est passé avant et après la présentation du récit.

Des considérations de mise en scène peuvent influencer la représentation d’un récit.

Les éléments techniques appliqués à la mise en scène peuvent améliorer la façon dont un récit est représenté.

La narration peut être représentée individuellement ou collectivement.

Les formes dramatiques peuvent être utilisées pour structurer la façon dont un récit est raconté.

La narration peut être planifiée ou improvisée.
Compréhension
Un récit peut être structuré pour décrire le passé, le présent ou l’avenir.
Habiletés et procédures
Créer un plan pour structurer un récit.

Expérimenter l’improvisation comme moyen de structurer un récit.

Découvrir comment l’utilisation d’éléments techniques peut améliorer la structure d’un récit.
Connaissances
La structure et l’organisation d’une œuvre dramatique peuvent comprendre :
  • la structure de l’histoire, avec un début, un problème et une résolution
  • les éléments techniques
  • les formes dramatiques
  • la création d’un plan pour l’interprétation
  • la mise en place les choix de mise en scène
  • la sensibilisation du public
  • les points de vue, tels que la première personne, le public ou un personnage donné
  • les processus de répétition et de performance, comme l’utilisation des parties de la scène et hors scène.
Les directives relatives à la structure et à l’organisation peuvent comprendre des signaux, des rôles assignés et l’utilisation des parties de la scène.

Les interprétations peuvent être jouées d’une manière qui diffère de ce que l’interprète avait prévu.
Compréhension
L’intention devient évidente pour l’interprète et le public lorsque l’art dramatique a une structure et une organisation.
Habiletés et procédures
Démontrer comment l’intention peut être communiquée à travers la structure et l’organisation d’une interprétation.

Concevoir un plan qui expose les exigences nécessaires pour répéter et interpréter une œuvre dramatique.

Démontrer comment suivre les directives lorsqu’on travaille dans une interprétation.

Répéter les performances avant de les présenter à un public.

Collaborer pour résoudre les problèmes de mise en scène ou de mouvement dans divers espaces de performance.

Participer à l’art dramatique en tant que spectateur et en tant qu’interprète.
Connaissances
Un récit peut être basé sur :
  • des histoires, des légendes, des mythes et de la poésie
  • des évènements fictifs ou non fictifs
  • des personnages
  • des individus ou des communautés
  • des évènements historiques ou culturels.
Il existe des thèmes universels qui peuvent se retrouver dans les récits, y compris la :
  • rédemption
  • survie
  • quête.
Un récit est représenté de diverses manières à travers les cultures.

La narration peut être exprimée dans les histoires des Premières Nations, des Métis et des Inuit et peut être témoignée par l’esprit ou la vie du conteur.

Les récits des Premières Nations, des Métis et des Inuit peuvent tirer leur origine de la terre et impliquer :
  • le vent
  • l’eau
  • le sol
  • les animaux
  • les plantes.
Compréhension
Un récit peut communiquer des connaissances et des compréhensions sur le monde.

L’exploration du récit d’une culture à travers l’art dramatique peut aider le spectateur à construire une compréhension culturelle.
Habiletés et procédures
Choisir un sujet à communiquer par le biais d’un récit.

Interpréter des pièces de théâtre inventées ou scénarisées à partir d’un récit.

Explorer des récits des Premières Nations, des Métis ou des Inuit.
Connaissances
L’expression dramatique peut être créée intentionnellement en utilisant le corps et la voix pour communiquer le statut, le point de vue et la perspective.

L’intention, le point de vue et le statut d’un personnage peuvent être exprimés par le corps et la voix.

La perspective, l’expérience et les sentiments d’un personnage peuvent être intentionnellement représentés dans des œuvres dramatiques.

Divers stimulus peuvent être utilisés pour cibler l’intention, y compris :
  • des images
  • de la musique
  • de la poésie
  • des histoires
  • des accessoires
  • des œuvres d’art.
Compréhension
L’intention fait référence à ce qu’un interprète veut exprimer.

L’intention peut être liée à la création, l’expression ou l’appréciation intentionnelle d’une œuvre dramatique.
Habiletés et procédures
Ajuster le corps, la respiration et la voix pour communiquer l’intention.

Démontrer comment la voix et le corps peuvent être combinés pour représenter un personnage, un rôle ou une situation.

S’entrainer à maintenir le statut, l’intention ou les sentiments d’un personnage.

Évaluer comment les ajustements apportés à la voix et au corps sont adaptés aux idées exprimées.

Répondre à divers stimulus dans la création et l’exploration de l’expression dramatique.
Connaissances
Les choix artistiques peuvent réviser et réimaginer la façon dont un récit est exprimé et peuvent comprendre l’utilisation :
  • de la voix
  • du corps
  • des formes dramatiques
  • des éléments techniques
  • de la mise en scène.
Le statut ou les sentiments d’un personnage peuvent être communiqués et mis en valeur à travers la narration.

Le statut est le niveau d’importance ou de pouvoir qu’un personnage détient par rapport aux autres personnages.

Le statut peut changer en fonction de la façon dont le corps et la voix sont utilisés.

Les réactions du public peuvent influencer les performances futures.

La participation du public peut améliorer la façon dont un récit est communiqué en art dramatique.
Compréhension
Un récit peut emmener le public en voyage en le divertissant et en le persuadant.

Un récit peut être perçu par un public d’une manière différente de ce que l’interprète avait prévu.
Habiletés et procédures
Faire des choix artistiques dans la création d’un récit.

Exprimer le statut d’un personnage à travers le jeu de rôle.

Décrire comment la rétroaction a été intégrée au récit.

Expérimenter les possibilités de la voix et du corps dans la communication d’un récit.

Démontrer comment suivre les indications scéniques pour clarifier les positions et les mouvements des interprètes dans un récit.

Participer à l’art dramatique en tant que spectateur et en tant qu’interprète.
Connaissances
L’intention artistique d’un interprète peut être améliorée ou affinée en regardant et en pratiquant des activités dramatiques et en y participant.

La communication de l’intention peut impliquer des processus créatifs, y compris :
  • la prise de décision dans la création d’une interprétation
  • la résolution de problèmes
  • la prise de risque créative
  • la prise en compte et l’intégration de la rétroaction
  • la réflexion.
La prise de risque créative peut comprendre :
  • de travailler individuellement ou en groupe
  • d’essayer des techniques nouvelles ou peu familières
  • de travailler en dehors de sa zone de confort.
Compréhension
L’intention de l’interprète peut mettre l’accent sur le processus plutôt que sur le produit.
Habiletés et procédures
Participer à des activités dramatiques qui explorent et défient l’expression créative.

Prendre des risques créatifs pendant le processus de développement d’un personnage, d’un rôle ou d’une situation.

Résoudre des problèmes pour améliorer ou affiner l’intention d’une interprétation.

Évaluer l’efficacité de la communication de l’intention en art dramatique.

Décrire comment la rétroaction a été intégrée pour clarifier ou améliorer l’intention artistique.
Idée organisatrice
Appréciation : La reconnaissance de la beauté, de la bonté et de la vérité à travers l’art dramatique peut être développée en comprenant la complexité et la richesse des grandes œuvres d’art, les artistes qui les créent ainsi que les contextes historiques et culturels dont elles sont issues.
Question directrice
Comment les changements sociétaux se sont-ils reflétés dans l’art dramatique du Canada colonial, de la Renaissance et de la Réforme protestante?
Question directrice
Comment l’évolution de la société a-t-elle influencé l’art dramatique lors des Lumières, à la Révolution française et tout au long de l’histoire des États-Unis d’Amérique?
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent comment les changements dans les sociétés du passé ont influencé la création et le partage de l’art dramatique.
Résultat d’apprentissage
Les élèves établissent un lien entre le changement et les évènements historiques et l’évolution des pratiques dramatiques.
Connaissances
Les dramaturges européens et français ont inspiré le sujet du théâtre dans le Canada colonial.

Des styles littéraires tels que l’épopée héroïque se reflètent dans l’art dramatique et le théâtre du Canada colonial.

Une épopée est un long poème narratif qui reflète les actions héroïques d’une personne ou d’un groupe de personnes dans un certain temps et lieu.

Les épopées héroïques sont nées dans la Grèce antique et continuent d’être utilisées aujourd’hui en art dramatique.

L’épopée héroïque a été utilisée pour raconter l’histoire de la bataille des Plaines d’Abraham.

Les acteurs professionnels ont commencé à arriver au Canada colonial en provenance d’Europe et des Treize Colonies pendant la grande migration (1815-1850).

À mesure que de plus en plus de personnes ont immigré au Canada en provenance de diverses régions du monde, elles ont apporté les traditions d’art dramatique et les cultures de leur pays d’origine.

L’art dramatique non professionnel (amateur) a évolué vers une forme d’art théâtral professionnel dans le Canada colonial.

Le théâtre non professionnel dans le Canada colonial a influencé les compagnies de théâtre professionnel francophones modernes, y compris :
  • Le Cirque du Soleil (Québec)
  • Le Théâtre à Pic (Alberta)
  • Le Théâtre-Acadie (Acadie).
Les histoires et les langues des Premières Nations, des Métis et des Inuit ont été interdites par les politiques du gouvernement canadien durant le Canada colonial.

Les histoires racontées dans les communautés canadiennes par l’art dramatique peuvent être liées au lieu d’origine d’une personne.
Compréhension
L’art dramatique a changé au fil du temps, au fur et à mesure de l’évolution des communautés et des cultures.

L’art dramatique du Canada colonial reflète les changements qui se sont produits en Europe à la même époque.
Habiletés et procédures
Explorer le récit d’une épopée héroïque comme source d’inspiration pour créer des interprétations.

Observer les œuvres dramatiques des compagnies théâtrales professionnelles modernes.

Examiner les traditions ou les histoires des communautés canadiennes comme source d’inspiration pour créer des interprétations.
Connaissances
L’appréciation de l’art dramatique en tant que forme d’art peut changer avec l’expérience et éclairer les décisions futures concernant la participation à l’art dramatique.

L’appréciation peut façonner l’art individuel, la curiosité et l’engagement par le biais de l’art dramatique.

Les réactions à l’art dramatique et son appréciation peuvent refléter des préférences et des perspectives personnelles.

Le vocabulaire dramatique peut être utilisé pour répondre et exprimer des opinions sur les œuvres dramatiques.
Compréhension
L’appréciation de l’art dramatique peut changer grâce à une réflexion active et à l’expérience de l’art dramatique.
Habiletés et procédures
Observer diverses œuvres dramatiques.

Utiliser le vocabulaire de l’art dramatique pour réagir à des œuvres d’art ou exprimer des opinions sur celles-ci.
Connaissances
À l’époque de la Renaissance, tous les gens s’amélioraient grâce à l’éducation, la littérature, la science et les arts.

Les pièces de théâtre sur la moralité pendant la Renaissance européenne ont évolué à partir de pièces de théâtre appelées mystères du Moyen Âge.

Les mystères étaient des récits complexes d’histoires bibliques ou de fêtes religieuses.

Les théâtres palladiens ont été conçus par l’architecte Palladio, et ont été les premiers théâtres couverts à exister durant la Renaissance.

La construction des théâtres palladiens a permis d’utiliser des scènes et des décors plus élaborés et a influencé les théâtres modernes.

Avant la construction du théâtre palladien, les interprétations étaient jouées sur de simples scènes extérieures, avec pour seul décor des rideaux.

Le Teatro Olimpico est un théâtre palladien qui existe encore aujourd’hui à Vincenza, en Italie.

La Commedia dell’arte a été développée comme une forme de clownerie en Italie pendant la Renaissance et utilisait des personnages types pour développer des scènes improvisées ou scénarisées.

La Commedia dell’arte a influencé le développement du théâtre musical, de l’opéra et de la comédie d’improvisation des temps modernes.

En 1517, la Réforme protestante a influencé les conceptions traditionnelles de la Renaissance sur les arts et le théâtre, y compris des pièces de théâtre donnant aux acteurs plus de travail avec moins d’accent sur la religion.

Le terme « élisabéthain » est apparu à la Renaissance anglaise pour refléter le style d’interprétation qui était populaire sous le règne de la reine Elizabeth I (1558-1603).

Les performances théâtrales élisabéthaines étaient moins influencées par les classiques romains et plus par ce qui était populaire auprès du public britannique.

Le théâtre élisabéthain se déroulait principalement en plein air dans des théâtres, y compris :
  • les cours des auberges
  • Le Rose Theatre
  • Le Curtain
  • Le théâtre du Globe
La scène ouverte a été développée pendant la période élisabéthaine pour rapprocher l’action du peuple, tandis que la grande bourgeoisie s’asseyait dans des loges surélevées, comme on le voit dans le théâtre du Globe de Shakespeare.

Pendant la Renaissance en Angleterre, les théâtres sont devenus des lieux publics où toutes les classes sociales pouvaient se réunir et assister à des performances.

Parmi les dramaturges célèbres qui ont émergé et influencé le théâtre à la Renaissance, on peut citer :
  • Shakespeare (1564-1616), dramaturge, poète et acteur anglais considéré comme l’un des plus grands écrivains de la langue anglaise
  • Jean-Baptiste Poquelin (1622-1673), dramaturge, acteur et poète français connu sous le nom de Molière et considéré comme l’un des plus grands écrivains de la langue française.
En 1642, de nombreux théâtres ont été fermés ou brulés parce que certains groupes religieux estimaient que l’art dramatique était une forme d’art inappropriée.
Compréhension
L’art dramatique a connu un changement important pendant la Renaissance et la Réforme protestante.
Habiletés et procédures
Discuter de l’évolution du théâtre tout au long de la Renaissance en Europe et en Angleterre.

Explorer diverses œuvres théâtrales qui ont été jouées à la Renaissance.

Faites des recherches sur un dramaturge ou une œuvre dramatique célèbre.
Connaissances
Les dramaturges grecs et romains ont influencé les Lumières, y compris les œuvres d’Eschyle, de Sophocle, d’Aristophane et d’Euripide.

Le théâtre a permis au peuple français de se rapprocher de sa culture et de ses valeurs pendant la Révolution française.

Les pièces de théâtre jouées pendant la Révolution française communiquaient les idées de liberté, d’égalité et de fraternité.

Le cadre de scène a été utilisé pendant les Lumières pour créer un « cadre » que le public pouvait regarder pour créer un sentiment de réalisme, comme on le voit à l’Opéra royal de Versailles.
Compréhension
La façon dont l’art dramatique est compris et apprécié a changé au cours de l’histoire.
Habiletés et procédures
Explorer les idées de la Révolution française à travers des performances.

Discuter de la manière dont le théâtre et l’art dramatique peuvent créer un lien entre les individus et la culture.
Connaissances
Avant la colonisation des États-Unis d’Amérique, les peuples autochtones avaient de riches traditions historiques de narration, qui continuent d’être célébrées aujourd’hui.

Pendant la guerre d’indépendance américaine, les pièces de théâtre ont été interdites dans de nombreuses régions des États-Unis afin de couper les liens affectifs avec la Grande-Bretagne.

Dans les sociétés occidentales, les femmes ont été autorisées à jouer sur scène pour la première fois au 18e siècle.

Le vaudeville est une forme de théâtre américain populaire, appréciée pour son style léger et comique.

Les spectacles de vaudeville des années 1890 aux années 1930 comprenaient des scènes courtes, de la magie, des contorsionnistes, des chanteurs et des danseurs.

Au début du 20e siècle, le théâtre américain s’est attaché à donner aux personnages des qualités réalistes plutôt que stéréotypées.
Compréhension
Les traditions d’art dramatique et narratives existaient avant la colonisation des États-Unis d’Amérique, et ont évolué avec l’arrivée de plus de gens.
Habiletés et procédures
Examiner le vaudeville comme source d’inspiration pour créer des interprétations.