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Beaux-artsDanse

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La danse est à la fois une activité physique et un mode d’expression artistique à travers lequel les idées sont exprimées et partagées. C’est une forme d’art dans laquelle le danseur est l’instrument et le mouvement est le médium. En cultivant et en affinant leurs compétences et leurs techniques de danse, les élèves développent une communication verbale et non verbale qui leur permet de créer, de présenter et d’apprécier le monde qui les entoure, ainsi que d’y réagir et de s’y connecter. Le mouvement créatif et la danse sont développés par un engagement délibéré avec les éléments de la danse, les formes chorégraphiques, les dispositifs et les principes. Grâce à des processus créatifs, les élèves apprennent que la danse individuelle et collective favorise l’expression des idées, des sentiments et des expériences. La littératie culturelle à travers la danse s’acquiert par l’exploration des formes et des traditions de danse historiques et contemporaines.
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Idée organisatrice
Éléments et principes fondamentaux : En danse, la littératie est développée par la connaissance et l’application des éléments et principes fondamentaux.
Question directrice
Quels sont les rôles du temps et de la force dans la danse?
Question directrice
Comment le temps et la force peuvent-ils influencer l’exécution des mouvements?
Question directrice
Comment l’improvisation peut-elle contribuer à la structure d’une danse?
Résultat d’apprentissage
Les élèves évaluent le temps et la force par rapport à la qualité du mouvement.
Résultat d’apprentissage
Les élèves analysent le temps et la force en relation avec les éléments de la danse.
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent la fonction de l’improvisation dans la danse.
Connaissances
Le temps est mesuré par le nombre de pulsations qu’un mouvement ou une immobilité dure dans la danse.

La vitesse fait référence à la rapidité ou à la lenteur avec laquelle le corps se déplace dans l’espace.

Le rythme comprend la pulsation constante et régulière, également connue sous le nom de pulsation sous-jacente.

Les séquences de mouvement peuvent comprendre des étapes rapides ou lentes exécutées dans une séquence qui est souvent répétitive.

Le temps peut être exploré en relation avec divers stimulus, y compris la musique, les instruments ou la parole.

Le comptage à voix haute ou en silence du nombre de pulsations dans une séquence de mouvements ou dans une danse peut aider un danseur à savoir quand commencer et arrêter un mouvement.
Compréhension
Le temps est un élément de la danse qui fait référence à la vitesse et au rythme du mouvement.
Habiletés et procédures
Modifier le mouvement en variant la vitesse et en réagissant à des rythmes différents.

Faire la démonstration de la façon de bouger à une pulsation régulière selon différentes vitesses.

Faire l’expérience du comptage de pulsations en silence ou à voix haute pour diriger le mouvement.

Déterminer le nombre de pulsations dans diverses séquences de mouvement.

Participer à des danses qui sont exécutées avec de la musique ou des paroles.

Réagir à divers stimulus dans l’exploration du temps en danse.
Connaissances
Le temps peut déterminer le début ou la fin d’un mouvement.

La durée d’un mouvement peut changer lorsqu’une force ou une vitesse est appliquée.

La durée d’un mouvement, d’une phrase, d’une séquence ou d’une danse peut être courte, longue ou moyenne et elle implique des pauses et de l’immobilité.

La vitesse d’un mouvement peut être :
  • rapide sur une courte période
  • lente sur une longue période
  • devenir progressivement plus rapide
  • devenir progressivement plus lente.
La durée d’un mouvement peut créer un sens dans la danse.
Compréhension
Le temps est la durée d’un mouvement ou d’une danse.
Habiletés et procédures
Faire la démonstration de la façon de commencer et terminer une séquence de mouvement ou une phrase de danse selon un temps alloué.

Combiner des phrases de danse ou des séquences de mouvement de durées variables pour former une séquence de mouvements.

Discuter de comment la durée d’un mouvement peut créer un sens.

Déterminer comment la durée d’un mouvement peut être influencée par la force ou la vitesse.
Connaissances
Danser sur plusieurs types de musique, sur un texte ou avec des partenaires peut améliorer les expériences d’improvisation.

L’improvisation est une technique permettant de structurer une phrase de danse, une séquence ou une danse entière.

Les formes chorégraphiques qui peuvent incorporer des sections improvisées comprennent :
  • la forme ABACAD (thème récurrent)
  • l’appel et réaction.
Des phrases de danse improvisées qui ont un début et une fin manifestes contribuent à la structure de l’idée de la danse.
Compréhension
L’improvisation est la création spontanée d’un mouvement.
Habiletés et procédures
Explorer les idées de mouvement basées sur l’improvisation guidée ou libre.

Observer les danses qui utilisent l’improvisation comme outil chorégraphique.

Utiliser l’improvisation dans le cadre d’une forme chorégraphique.

Intégrer un début et une fin manifestes dans des mouvements improvisés.

Découvrir comment l’appel et réaction peut être utilisé pour donner lieu à des mouvements improvisés.
Connaissances
Les concepts de temps peuvent être combinés avec d’autres éléments de la danse, y compris :
  • l’espace : le lieu, la dimension, les niveaux, les directions, les trajectoires et la focalisation
  • le corps : les parties du corps, les relations, les formes, y compris la symétrie et l’asymétrie et l’équilibre
  • la force : l’intensité, le poids et le flux.
Compréhension
Le temps peut être exploré en relation avec d’autres éléments de la danse.
Habiletés et procédures
Combiner l’élément du temps avec d’autres éléments de la danse dans l’exploration du mouvement.
Connaissances
La durée d’une danse a généralement un rapport avec la durée des stimulus auditifs qui l’accompagnent.

Les stimulus auditifs peuvent influencer la façon dont un danseur bouge, et comprennent :
  • la musique
  • le texte lu à voix haute
  • les sons des instruments
  • les sons vocaux.
La mesure du temps fait référence au fait de bouger au rythme de la musique et de se déplacer par rapport aux autres danseurs, y compris :
  • avant ou après une autre personne
  • à l’unisson.
Les pas de danse peuvent avoir des mesures du temps et des mouvements particuliers, comme dans le triple pas de base, y compris :
  • la valse, qui a une séquence de pas lent rapide - rapide
  • la polka, qui a une séquence de pas rapide - rapide - lent
  • la danse écossaise, qui a trois pas et un saut.
Le mouvement et la mesure du temps peuvent varier à travers les styles de danse, y compris :
  • le jazz
  • le ballet
  • le hip-hop
  • la danse sociale
  • la danse folklorique.
Compréhension
Le temps peut déterminer la façon dont un danseur bouge par rapport à un tempo, une mesure, un accent ou un rythme.
Habiletés et procédures
Appliquer des mouvements selon le rythme de la musique ou des textes parlés.

Explorer différents stimulus comme moyen de diriger le mouvement.

Observer divers styles et de genres de danses pour découvrir comment un danseur bouge en fonction du tempo, de la mesure, de l’accent ou du rythme.

Découvrir comment les changements de tempo, de mesure ou d’accent peuvent influencer la durée d’un mouvement.

Déterminer comment les accents peuvent être illustrés par le mouvement.

Reconnaitre la mesure du temps nécessaire pour exécuter avec succès des mouvements à l’unisson ou de manière séquentielle.

Maintenir une pulsation régulière lors de l’exécution des mouvements.
Connaissances
Les éléments de la danse peuvent être appliqués à des mouvements qui sont improvisés.

Les idées exprimées par l’improvisation peuvent comprendre tout ce qu’un danseur veut exprimer.

L’improvisation en danse peut impliquer la prise de risques créatifs dans l’élaboration d’idées de mouvement.

Les risques créatifs peuvent comprendre :
  • de travailler individuellement ou en groupe
  • d’essayer des techniques nouvelles ou peu familières
  • de travailler en dehors de sa zone de confort.
L’improvisation peut se produire en réponse à :
  • des stimulus externes, y compris la musique, les accessoires, les images, les sons, les textes et les œuvres d’art
  • des stimulus internes, y compris les préférences de mouvements, d’émotions et de pensées.
Les éléments de la musique qui peuvent diriger des mouvements improvisés comprennent :
  • la pulsation
  • le rythme
  • la mesure
  • l’accent
  • la dynamique
  • les formes.
Les activités d’échauffement en danse peuvent comprendre des techniques d’improvisation.
Compréhension
L’improvisation est une méthode qui permet d’élaborer des idées à travers la danse.
Habiletés et procédures
Combiner les éléments de la danse dans la création de mouvements improvisés.

Communiquer des idées de mouvement découvertes grâce à l’improvisation et en faire la démonstration.

Réagir à divers stimulus dans l’improvisation d’une idée de danse.

Discuter de la façon dont divers stimulus peuvent diriger ou influencer le mouvement.

Utiliser un vocabulaire lié aux éléments de la danse lors d’une discussion de mouvements improvisés.

Participer à des échauffements et à la récupération dans le cadre du processus de préparation du corps à l’expression.
Connaissances
La force est un élément de la danse qui comprend l’énergie et le poids.

La force a une énergie qui peut être décrite à l’aide de qualités, y compris :
  • l’énergie fluide ou soutenue qui est continue
  • l’énergie saccadée qui produit une force par des mouvements soudains et qui se termine rapidement, y compris par un coupé, un pas chassé, un saut ou un échappé.
Les mouvements exécutés avec un poids fort nécessitent une force musculaire plus importante.

Les mouvements exécutés avec un poids léger nécessitent peu de force musculaire.

L’application de la force aux mouvements locomoteurs et non locomoteurs nécessite :
  • un échauffement pour préparer les muscles
  • un contrôle du corps
  • une sensibilisation en matière de pratiques de mouvement sécuritaires.
Les caractéristiques de la musique peuvent orienter la façon dont un mouvement est exécuté, y compris :
  • les accents
  • les séquences
  • la vitesse
  • la dynamique.
Compréhension
La force est la quantité d’énergie que le corps utilise et libère lors de la danse.
Habiletés et procédures
Faire la distinction entre l’énergie fluide et l’énergie saccadée.

Discuter de l’importance de la conscience des autres lors de l’application de la force, de la vitesse et du changement de direction pendant le déplacement le long de diverses trajectoires et dans diverses formations.

Déterminer comment la qualité d’un mouvement peut varier lorsqu’on applique un poids fort ou léger.

Participer à des échauffements qui préparent les muscles du corps à l’exécution de la force.

Exécuter des mouvements qui reflètent les caractères de l’énergie dans divers morceaux de musique.
Connaissances
La force influence le caractère d’un mouvement lorsque l’énergie, le poids et le flux du mouvement sont appliqués.

L’énergie des mouvements, y compris les caractères de la souplesse, de l’ondulation, du tremblement et de la vivacité, peut être exécutée avec un poids et une vitesse.

Le poids peut être décrit comme :
  • étant passif ou lourd, lorsque le corps cède à la gravité
  • un mouvement actif et énergétique, contre la gravité.
La variation du poids et de la vitesse des mouvements crée diverses énergies de mouvement, y compris :
  • vive
  • souple
  • ondulée, qui implique une chute dans la gravité, y compris le balancement, l’oscillation ou le bercement
  • tremblante, qui crée une force par des mouvements vibratoires, y compris le tortillement, la vibration et le rebondissement.
La force exige un effort musculaire pour exécuter certains mouvements ou pour supporter le poids d’un autre danseur.

La force, en tant qu’élément de la danse, peut créer des mouvements de flux décrits comme :
  • des mouvements restreints, qui sont rigides et peuvent être arrêtés facilement
  • des mouvements libres, qui sont fluides et qui ne s’arrêtent pas facilement.
Compréhension
La force est la relation de poussée et de traction entre un danseur et la gravité.
Habiletés et procédures
Observer comment la force peut être utilisée pour supporter le poids des autres.

Combiner le poids, l’énergie et la vitesse dans l’exploration des possibilités de mouvement.

Explorer les mouvements qui nécessitent un poids passif ou actif.

Utiliser le vocabulaire de la danse pour décrire le caractère d’un mouvement lorsqu’une force est appliquée.

Déterminer la quantité de force dont le corps a besoin pour certains mouvements.

Expérimenter des mouvements restreints et libres.

Découvrir comment isoler la force à des parties particulières du corps.
Connaissances
L’improvisation est une habileté qui fait appel à la mémoire et à la résolution de problèmes de façon spontanée.

L’improvisation est une forme de danse qui :
  • renforce la confiance et les habiletés pour la performance
  • permet l’exploration de nouveaux mouvements sans la pression liée à la performance.
Compréhension
L’improvisation utilise un processus créatif pour créer et affiner des idées de mouvement.
Habiletés et procédures
S’entrainer à recevoir une rétroaction constructive pour clarifier les improvisations en danse.

Discuter des avantages et des défis liés à l’improvisation des mouvements individuels et en groupe.

Participer à l’improvisation pour affiner les habiletés de mouvements et les idées.
Connaissances
La force peut communiquer des sentiments et des idées lorsqu’elle est appliquée à des mouvements locomoteurs et non locomoteurs.

Lorsqu’elle est appliquée à un mouvement, la force peut intensifier ou souligner des parties d’un mouvement, d’une séquence ou d’une phrase.
Compréhension
La force peut communiquer un sens à travers le mouvement.
Habiletés et procédures
Examiner comment le sens peut être communiqué lorsque la force est appliquée à des mouvements locomoteurs et non locomoteurs.

Observer diverses danses afin d'examiner comment les caractères de mouvement peuvent changer lorsqu’une force est appliquée.

Découvrir comment une force peut accentuer un mouvement.
Connaissances
La force est ressentie dans les muscles et est engagée par la contraction des muscles.

La contraction des muscles est nécessaire pour exécuter un mouvement et maintenir l’équilibre dans une danse.

Les exercices d’échauffements et de récupération aident à préparer le corps à la danse.

Lorsqu’elle est appliquée à un mouvement, la force peut mettre en évidence ou renforcer des parties d’un mouvement, d’une séquence ou d’une phrase.

La force est utilisée dans le mouvement par un flux soutenu et percussif.

Le flux percussif se manifeste par des mouvements qui ont des poussées d’énergie vives, soudaines et courtes.

Un flux soutenu se traduit par des mouvements lents, fluides, continus et réguliers.
Compréhension
La force n’est pas visible, mais ses effets peuvent être observés à travers le mouvement.
Habiletés et procédures
Découvrir comment la force peut être utilisée pour mettre en évidence un mouvement.

Faire l’expérience de divers styles de danse qui utilisent des flux d’énergie soutenus et percussifs.

Reconnaitre le rôle de la contraction musculaire dans l’exécution de certains mouvements.

Participer régulièrement à des exercices d’échauffements et de récupération en danse.
Idée organisatrice
Créer et présenter : Les idées peuvent être représentées par le mouvement et la danse qui s’appuient sur des connaissances fondamentales.
Question directrice
Comment un message exprimé à travers la danse peut-il refléter ce que nous apprécions et comprenons?
Question directrice
Comment la narration peut-elle contribuer à la création et à la présentation du mouvement et de la danse?
Question directrice
Comment la narration en danse peut-elle contribuer à la compréhension d’histoires et d’expériences diverses?
Résultat d’apprentissage
Les élèves représentent un message à travers des choix artistiques liés aux éléments de la danse.
Résultat d’apprentissage
Les élèves utilisent la narration comme structure pour organiser les mouvements de la danse.
Résultat d’apprentissage
Les élèves représentent une narration basée sur diverses inspirations et par l’application de choix artistiques.
Connaissances
Les choix artistiques intentionnels sont faits par les danseurs pour exprimer un message en utilisant :
  • les mouvements locomoteurs et non locomoteurs
  • l’espace, y compris l’utilisation de la proximité, des niveaux, de la dimension, de la direction et des trajectoires
  • le corps, y compris les parties du corps, les formes du corps, l’équilibre, et les relations avec les autres danseurs (y compris le positionnement)
  • les formes du corps et l’équilibre
  • la force
  • la vitesse.
Les idées de mouvement sont communiquées efficacement lorsqu’elles ont un début et une fin manifestes.

Les formes chorégraphiques peuvent structurer la manière dont un message est transmis dans la danse, y compris :
  • la forme AB (forme binaire)
  • la forme ABA (forme ternaire).
Compréhension
Les danseurs choisissent délibérément des moyens de communiquer efficacement un message.

Les éléments de la danse peuvent être combinés d’une manière infinie pour créer un message par le mouvement.
Habiletés et procédures
Faire des choix artistiques éclairés pour communiquer un message par la danse.

Évaluer l’efficacité des choix artistiques dans la communication d’un message par le mouvement.

Explorer les mouvements dans diverses formes chorégraphiques.

Créer une phrase de danse qui peut être répétée et qui a un début et une fin manifestes.

Expérimenter les possibilités de mouvements lorsque les éléments de la danse sont combinés avec des mouvements locomoteurs et non locomoteurs.
Connaissances
La narration en danse peut représenter ou non une séquence d’évènements dans l’ordre où ils se sont produits.

Les éléments de la danse peuvent être utilisés pour structurer une narration à travers :
  • les séquences ou phrases de danse
  • une danse entière
  • l’immobilité, y compris le tableau où les corps créent des formes pour créer une image.
Une narration peut être structurée à l’aide de différents styles de danse qui peuvent comprendre :
  • le ballet
  • la danse créative
  • la danse folklorique et sociale.
Les formes chorégraphiques peuvent donner une structure à une narration, y compris :
  • la forme AB (forme binaire)
  • la forme ABA (forme ternaire)
  • la forme ABC (suite), qui comporte trois sections contrastées
  • la narration qui suit une histoire.
L’inspiration pour une narration peut provenir de diverses sources.
Compréhension
La narration en danse peut être illustrée sous la forme d’une représentation partielle ou complète.

Une narration peut être factuelle ou fictive.
Habiletés et procédures
Expérimenter différentes façons de structurer une narration en danse.

Construire une narration à partir d’une inspiration.

Créer des séquences de mouvement ou des phrases qui peuvent illustrer une partie d’une narration.
Connaissances
La structure de la narration en danse peut comprendre un début, un problème et une résolution.

Une narration racontée par la danse peut ressembler à la structure d’un récit dans un texte.

La narration peut être représentée individuellement ou collectivement.

Les formes chorégraphiques peuvent donner une structure narrative, y compris :
  • la forme ABA (forme ternaire)
  • la narration
  • la forme ABACAD (thème récurrent).
Les styles et les genres de danse à travers l’histoire peuvent être utilisés pour représenter une narration.

La narration en danse peut être améliorée en démontrant la relation entre les danseurs en utilisant :
  • l’attroupement
  • le contact improvisation
  • la danse en miroir
  • le tableau
  • des groupes qui bougent à l’opposé les uns des autres
  • l’espace, y compris la proximité
  • le mouvement et l’expression faciale.
Compréhension
Une narration en danse peut décrire des évènements du passé et du présent et peut être utilisée pour inventer des possibilités futures.
Habiletés et procédures
Exécuter des danses basées sur une narration dans plusieurs styles, dans divers genres et à différentes époques.

Créer des sections de mouvements improvisés dans une forme chorégraphique donnée.

Collaborer pour créer une narration qui comprend un début, un problème et une résolution.
Connaissances
Les messages peuvent représenter divers éléments, y compris des idées, des expériences ou des sentiments.

Un message en danse peut être créé en réponse à divers stimulus.

La clarté d’un message communiqué à travers le mouvement et de la danse peut être améliorée par :
  • le mouvement selon une pulsation régulière
  • la planification des mouvements
  • l’entrainement aux habiletés de mouvement
  • la combinaison de mouvements avec un objectif.
Le cercle est un symbole qui peut communiquer des messages dans la danse, y compris l’unité.

Dans les danses de pow-wow, le centre spirituel du pow-wow est le cercle où :
  • l’unité et l’égalité des participants sont valorisées
  • tout le monde peut se voir dans le cercle
  • il n’y a pas de leadeur et tout le monde suit.
La danse en cercle est une danse sociale souvent pratiquée par les communautés des Premières Nations où les participants se déplacent en cercle dans le sens des aiguilles d’une montre au rythme d’un tambour tout en se tenant par la main.

Les processus créatifs peuvent aider à développer et à clarifier un message en danse, y compris par :
  • la réflexion
  • la rétroaction
  • l’amélioration
  • la répétition.
Compréhension
Le message est au centre de la communication dans la danse.

Les messages peuvent représenter ce qu’un danseur cherche à communiquer par le mouvement.

Un public peut recevoir et interpréter un message communiqué à travers la danse.
Habiletés et procédures
Réagir à divers stimulus dans la création du mouvement et de la danse.

Expérimenter et discuter de la signification d’une danse en cercle.

Participer en tant que spectateur et en tant que danseur à diverses expériences de danse.

S’entrainer à donner et à recevoir de la rétroaction.

Répéter les mouvements et la danse avant de se produire devant un public.
Connaissances
Les points de vue ou perspectives peuvent refléter :
  • des idées ou des connaissances
  • des sentiments
  • des expériences
  • la culture
  • des croyances.
La force peut intensifier, élaborer ou mettre en évidence la manière dont les mouvements communiquent des perspectives, des idées ou des sentiments.

Les expressions faciales, la posture du corps et le mouvement peuvent contribuer à la façon dont une narration est exprimée dans la danse.
Compréhension
Une narration peut communiquer des points de vue ou des perspectives d’un individu ou d’un groupe.

La façon dont les éléments de la danse sont appliqués au mouvement peut transmettre des idées, des sentiments et des perspectives.
Habiletés et procédures
Créer des séquences de mouvement qui reflètent un point de vue ou une perspective.

Communiquer et reproduire des idées de mouvement avec d’autres personnes.
Connaissances
Un thème ou un concept peut façonner la narration que le danseur veut exprimer.

La narration en danse peuvent être basée sur :
  • l’imagination
  • les expériences personnelles
  • des histoires, des légendes et des mythes
  • la poésie.
La narration en danse est représentée de diverses manières et peut établir des liens avec la culture et l’histoire.

Les récits des danses des Premières Nations, des Métis et des Inuit peuvent provenir de la terre, y compris :
  • du vent
  • de l’eau
  • du sol
  • des animaux
  • des plantes.
Compréhension
Une narration en danse peut communiquer des connaissances et des compréhensions à propos du monde.
Habiletés et procédures
Découvrir comment les récits sont exprimés à travers les mouvements et les danses des Premières Nations, des Métis ou des Inuit.

Exprimer une narration basée sur un thème ou un concept.
Connaissances
Un danseur et une troupe de danseurs peuvent façonner une narration par leurs mouvements, leurs réactions, leurs pensées et leurs idées.

La narration en danse peut être améliorée en démontrant la relation entre :
  • un danseur et le mouvement des autres, y compris la rencontre et la séparation
  • un danseur et de la musique
  • un danseur et un objet.
Des signaux auditifs, physiques ou visuels peuvent indiquer le début ou la fin des mouvements d’une narration.

Les signaux auditifs peuvent être donnés par l’enseignant ou le chorégraphe et peuvent comprendre :
  • des directions de mouvement
  • de la rétroaction immédiate
  • le comptage des pulsations à voix haute
  • des indications spontanées de commencer ou d’arrêter un mouvement ou une danse.
Les signaux visuels peuvent comprendre l’utilisation de formations, de trajectoires et de directions.

Les signaux physiques peuvent être donnés dans la danse par le point de mire, les expressions faciales et le contact avec les autres danseurs.

L’expression d’une narration en danse peut être affinée par l’application de processus créatifs.
Compréhension
Une narration en danse peut être façonnée par le danseur ou par la troupe de danseurs.
Habiletés et procédures
Collaborer avec d’autres personnes pour élaborer et représenter une narration à travers la danse.

Faire des choix artistiques en explorant la façon de représenter la narration dans la danse.

Présenter des narrations en tant que troupe de danseurs.

Discuter des solutions aux problèmes de mouvement rencontrés lors de la représentation d’une narration en danse.

Réagir à divers signaux auditifs, visuels ou physiques en dansant.
Connaissances
Les choix artistiques liés aux éléments de la danse peuvent être utilisés par un danseur pour réviser et réimaginer la façon dont la narration est exprimée.

Des parties d’un récit en danse peuvent être exclues, laissant le public supposer ce qui s’est passé avant et après la présentation de la narration.

La présentation de la danse à un public peut comprendre des considérations sur :
  • la sélection, l’ordre, l’ajout ou l’omission de mouvements
  • l’utilisation d’accessoires
  • le choix de la musique.
Les processus créatifs liés au développement d’une narration en danse peuvent comprendre :
  • l’élaboration d’une idée
  • la résolution de problèmes
  • le fait de recevoir de la rétroaction
  • la réflexion.
Compréhension
Une narration en danse peut emmener le public en voyage en le divertissant et en le persuadant.

Une narration en danse peut être perçue par un public d’une manière différente de ce que le danseur avait prévu.
Habiletés et procédures
Faire des choix artistiques dans l’élaboration d’une narration.

Évaluer l’efficacité des choix artistiques lors de la communication d’une narration en danse.

S’entrainer à donner et à recevoir de la rétroaction dans la création d’une narration en danse.

Participer à la danse en tant que spectateur et en tant que danseur.
Idée organisatrice
Appréciation : La reconnaissance de la beauté, de la bonté et de la vérité à travers la danse peut être développée en comprenant la complexité et de la richesse des grandes œuvres d’art, les artistes qui les créent, et les contextes historiques et culturels dont elles sont issues.
Question directrice
Comment une compréhension de la culture peut-elle contribuer à l’apprentissage de la danse de la Rome antique et de la Nouvelle-France?
Question directrice
Quel est le rôle de la culture dans la formation de la danse de l’Europe médiévale, de l’Islam médiéval et de l’Alberta?
Question directrice
Comment les changements sociétaux se sont-ils reflétés dans la danse pendant le Canada colonial, la Renaissance et la Réforme protestante?
Résultat d’apprentissage
Les élèves comparent et opposent les cultures de danse du passé à la danse moderne.
Résultat d’apprentissage
Les élèves racontent comment la culture se reflète dans la danse à travers les différentes époques et les différents lieux.
Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent comment le changement a influencé la danse au cours de l’histoire.
Connaissances
De l’époque historique à nos jours, les cultures peuvent avoir valorisé la danse pour l’expression des rituels ou de la culture, le divertissement et l’apprentissage.

La danse folklorique est une forme de danse qui reflète la vie, les traditions ou les coutumes d’un groupe de personnes provenant d’une région, d’une culture ou d’un pays particuliers.

La danse folklorique et la danse sociale peuvent être un moyen de participation, de divertissement et d’expression culturelle.

L’utilisation d’un vocabulaire lié à la danse peut contribuer et orienter les discussions sur la danse.

Les protocoles artistiques et l’étiquette peuvent changer en fonction de la communauté, de la culture, de la présentation et du lieu d’une performance de danse.
Compréhension
La danse peut être valorisée différemment selon les cultures à travers l’histoire.

Une communauté artistique est un lieu d’expression artistique au sein de diverses cultures.
Habiletés et procédures
Découvrir comment la danse peut être valorisée dans la vie et la culture.

Participer à diverses danses folkloriques et sociales.

Utiliser le vocabulaire de la danse pour discuter à propos de performances de danse.

Faire la démonstration des protocoles artistiques et de l’étiquette dans diverses expériences de danse.
Connaissances
La culture peut être renforcée lorsque les membres d’une communauté de danseurs participent, communiquent, s’engagent et partagent des responsabilités.

Le vocabulaire lié à la danse peut être utilisé pour décrire objectivement le mouvement.

La culture d’une communauté artistique peut soutenir l’inclusion bienveillante et respectueuse de tous les participants.

Les perspectives peuvent être développées en faisant l’expérience de danses d’autres personnes ou en groupe, y compris la danse folklorique et la danse sociale.
Compréhension
Lorsque les communautés s’unissent à travers les arts, la culture peut être apprise.

La culture d’une communauté artistique consiste à partager des façons d’être ensemble et d’atteindre des objectifs communs.
Habiletés et procédures
Participer à une communauté artistique en tant que danseur et en tant que spectateur.

Démontrer comment les rôles et les responsabilités artistiques contribuent au sentiment d’appartenance à une communauté.
Connaissances
Les changements survenus dans les sociétés du passé ont influencé la façon dont la danse est exécutée et communiquée aujourd’hui.

Les danses européennes ont été introduites dans le paysage canadien avec l’arrivée des colons de France dans les années 1500 et de Grande-Bretagne dans les années 1600, et peuvent comprendre :
  • la danse folklorique
  • la danse en ronde rouette, la danse en cercle et la danse de bal
  • le ballet
  • les danses en deux lignes et les danses carrées.
Les pratiques culturelles traditionnelles des Premières Nations et des Inuit ainsi que les danses traditionnelles ont été interdites par le gouvernement canadien.

Les Premières Nations, les Métis et les Inuit ont continué à pratiquer les danses traditionnelles en secret, comme un acte de résistance.

Certaines danses traditionnelles des Premières Nations ont été modifiées pour s’aligner sur les styles de danse européens et peuvent comprendre :
  • la danse libre des hommes
  • la danse libre des femmes
  • la danse libre du châle des femmes.
La gigue des Métis est une forme de danse d’origine canadienne-française, écossaise et des Premières Nations.

Les colons ont dansé dans leurs nouvelles communautés canadiennes et albertaines pour diverses raisons, y compris :
  • se sentir liés à leur patrie
  • socialiser avec d’autres membres de la communauté
  • s’amuser
  • transmettre aux jeunes générations les traditions culturelles et le sentiment d’appartenance à un lieu.
Compréhension
La danse a changé au fil du temps, au fur et à mesure de l’évolution des communautés et des cultures.

De nouvelles formes de danse peuvent émerger, basées sur le mélange des pratiques culturelles de la danse.
Habiletés et procédures
Expliquer comment la danse était utilisée par les colons européens au Canada.

Découvrir les danses traditionnelles du Canada colonial.

Examiner les ressemblances et les différences entre les pas de danse au sein des plusieurs cultures.
Connaissances
En Rome antique, les personnes riches ne dansaient pas, et engageaient plutôt des gens de la classe inférieure pour danser pour eux.

La danse dans la Rome antique reflétait la culture grecque, y compris en célébrant Mars, le dieu de la guerre, où les danseurs portaient un bouclier et une armure complète pendant qu’ils dansaient.

Certaines danses de la Rome antique avaient des protocoles qui spécifiaient qui pouvait danser, quand les danses étaient exécutées, et pour qui elles étaient exécutées.

La pantomime était considérée comme une forme de danse populaire dans la Rome antique.

La pantomime est un style non verbal de communication d’histoires dramatiques utilisant des gestes, de la musique, des costumes et des masques.

Les formations et les trajectoires de danse dans la Rome antique peuvent comprendre :
  • la chorale
  • la danse en ligne
  • le danse en cercle
  • l’hymne processionnel.
Compréhension
La culture de la Rome antique se reflétait dans les traditions et les croyances en matière de danse.

La danse était utilisée comme un moyen de divertissement, une parure culturelle, ou un symbole de statut social dans la Rome antique.
Habiletés et procédures
Créer du mouvement et danser au sein de formations et de trajectoires communes à la danse de la Rome antique.

Explorer la pantomime comme forme de danse.
Connaissances
La danse des Premières Nations, des Métis et des Inuit peut :
  • représenter des histoires et des traditions culturelles
  • faire preuve de gratitude et de respect
  • faire preuve de réciprocité
  • imiter les éléments du monde naturel, y compris les animaux et l’eau
  • refléter la spiritualité
  • contribuer à la guérison.
La danse des Premières Nations, des Métis et des Inuit est de nature holistique et peut présenter des avantages individuels et collectifs, y compris :
  • le bienêtre social
  • la santé physique
  • le lien spirituel
  • le bienêtre émotionnel et mental
  • le développement intellectuel.
Les danses des Premières Nations, des Métis et des Inuit peuvent refléter l’histoire et les traditions des communautés autochtones de l’Alberta et peuvent comprendre :
  • Métis
    – la gigue
    – la danse carrée
  • Premières Nations
    – la danse en cercle
    – les danses de pow-wow.
Les danses de l’Alberta peuvent refléter l’histoire et les traditions des communautés et d’autres régions du monde et peuvent comprendre :
  • les danses canadiennes-françaises
  • les danses ukrainiennes
  • les danses irlandaises.
Compréhension
La danse en Alberta peut refléter la culture de ceux qui nous ont précédés et de ceux qui vivent ici aujourd’hui.
Habiletés et procédures
Discuter d’exemples de connaissances que les Premières Nations, les Métis et les Inuit peuvent transmettre à travers la danse.

Observer diverses danses que l’on retrouve en Alberta.
Connaissances
À l’époque de la Renaissance, tous les gens s’amélioraient grâce à l’éducation, à la littérature, aux sciences et aux arts.

Les jongleurs du Moyen Âge se sont transformés en danseurs et ont été très recherchés comme maitres de danse.

Les maitres de danse enseignaient à la noblesse les pas de danse, la posture et l’étiquette.

Les danses chorales en cercle ont été chorégraphiées en doubles lignes et ont influencé la création du ballet comme style de danse.

La Renaissance est à l’origine des danses modernes telles que :
  • le ballet
  • le jazz
  • la danse de salon.
La reine Elizabeth 1er aimait la danse et encourageait les danses de campagne anglaises à sa cour.

Les cours royales européennes ont participé à diverses danses, qui pouvaient comprendre :
  • la basse danse
  • la pavane
  • le galliarde
  • la volte
  • la tarentelle.
Pendant la Réforme protestante, certains groupes religieux se sont opposés à la danse en raison de sa nature non religieuse (laïque).

La danse sociale était interdite dans certaines sociétés, changeant ainsi la façon dont les gens se socialisaient.
Compréhension
La danse a connu un changement important pendant la Renaissance et la Réforme protestante.
Habiletés et procédures
Regarder et participer à des danses inspirées par l’époque de la Renaissance.

Discuter des implications que l’interdiction de la danse pourrait avoir dans la société.
Connaissances
Les danses des Premières Nations en Nouvelle-France reflétaient les traditions, les cérémonies et les rituels des peuples qui vivaient sur ces terres depuis des centaines d’années avant la colonisation européenne.

Les colons européens ont introduit de nombreux styles, danses et traditions folkloriques en Nouvelle-France, y compris :
  • la gigue
  • la pavane
  • la ronde
  • le menuet
  • le quadrille
  • la danse de la Galette
  • la danse carrée (contredanses en carré).
Les gens de la Nouvelle-France appréciaient la danse pour l’importance, la signification et la fonction qu’elle avait dans leur vie, et elle pouvait être exécutée par n’importe qui.
Compréhension
La danse en Nouvelle-France reflétait une combinaison de culture et de traditions.
Habiletés et procédures
Observer diverses danses culturelles comme source d’inspiration pour discuter de la danse.

Participer à diverses danses de la Nouvelle-France.
Connaissances
Les danses païennes étaient exécutées en relation avec des rituels ou des cérémonies qui célébraient les dieux.

Les danses communes exécutées dans l’Europe médiévale peuvent comprendre :
  • la danse de la veille de la nuit du solstice d’été
  • le rondel, une danse lente exécutée en cercle
  • la carole, une danse en cercle exécutée dans les festivals du solstice d’été
  • la farandole, une danse animée où les danseurs forment une file en se tenant par la main
  • la danse du coussin, dans laquelle un danseur dépose un coussin devant un partenaire de danse en guise d’invitation à danser.
L’Église catholique dans l’Europe médiévale désapprouvait certains types de danse, y compris les danses païennes.

Les danses religieuses (sacrées) en Europe médiévale étaient exécutées dans le cadre de rituels et de cérémonies et pouvaient comprendre :
  • la danse liturgique, comme forme de mouvement utilisée pour la prière et le culte
  • les danses de mai, exécutées le 1er mai ou lors des célébrations du solstice
  • la danse de la mort, connue sous le nom de danse macabre
  • les danses épidémiques, comme la tarentelle, qui étaient pratiquées avec la conviction qu’elle pouvait guérir les maladies.
La danse non religieuse (laïque) faisait partie de la vie de cour dans de nombreux royaumes médiévaux et pouvait comprendre :
  • les danses qui étaient une forme de divertissement lors des rassemblements
  • les danses qui étaient une source de plaisir et de détente pour les participants
  • les danses des cours nobles, dont la basse danse/saltarelle
Les attitudes à l’égard de la danse variaient selon les endroits au sein des communautés musulmanes médiévales.

Au cours de l’époque médiévale, les hommes et les femmes musulmans étaient divisés en deux groupes pour la danse : un pour les hommes et un pour les femmes.

Les danses musulmanes comprennent la danse des derviches tourneurs, qui se caractérise par des mouvements rapides et des rotations.

La Route de la Soie a permis la diffusion de l’Islam en Espagne et en Europe occidentale.

La danse flamenco est née en Inde et a été inspirée dans une certaine mesure par la musique et la culture arabes.
Compréhension
La culture s’est révélée à travers les danses du Moyen Âge.

Les danses du Moyen Âge ont pu refléter des croyances religieuses.
Habiletés et procédures
Participer à diverses danses médiévales.

Discuter du but des différentes danses à l’époque médiévale.