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Beaux-artsArts visuels

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Les arts visuels permettent aux élèves de s’exprimer de manière créative, à mesure qu’ils grandissent dans leur capacité d’explorer, d’imaginer et de représenter leur compréhension du monde par le biais d’œuvres d’art. La connaissance fondamentale et la compréhension des éléments et des principes de l’art aident les élèves à développer leurs connaissances et leurs compétences en matière d’arts visuels. Grâce aux processus créatifs, les élèves apprennent que la pratique individuelle et collective des arts visuels favorise une expression artistique significative. La création et la présentation d’œuvres d’art permettent aux élèves d’exprimer des idées, des sentiments et des expériences en utilisant le vocabulaire, les compétences, les médias et les méthodes artistiques. Apprécier et interpréter les œuvres d’art, et y réagir, préparent les élèves à comprendre et à apprécier les œuvres d’art durables historiques, culturelles et contemporaines, et les artistes.
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Idée organisatrice
Éléments et principes fondamentaux : En arts visuels, la littératie est développée par la connaissance et l’application des éléments et principes fondamentaux.
Question directrice
Comment la couleur et la texture peuvent-elles enrichir les œuvres d’art lorsqu’elles sont combinées à d’autres éléments artistiques?

Question directrice
Comment la couleur peut-elle être appliquée et modifiée en fonction d’un but dans les œuvres d’art?
Question directrice
Comment l’organisation peut-elle contribuer aux œuvres d’art?
Résultat d’apprentissage
Les élèves interprètent le rôle de la couleur dans les œuvres d’art.

Les élèves évaluent comment la texture peut contribuer aux détails d’une composition.
Résultat d’apprentissage
Les élèves analysent la couleur pour sa polyvalence dans la communication du sens des œuvres d’art.
Résultat d’apprentissage
Les élèves étudient l’organisation en tant que composante structurelle au sein d’une œuvre d’art.
Connaissances
La valeur claire d’une couleur est une teinte et la valeur foncée est une nuance.

Les teintes dégradées et les teintes rabattues peuvent être créées en ajoutant une couleur neutre à une teinte pure.

Les couleurs neutres vont du blanc au noir en passant par le gris.

La valeur d’une couleur peut augmenter ou diminuer en fonction de la clarté ou de l’obscurité, ce que l’on appelle la gradation.

L’ajustement de la valeur d’une couleur peut fournir un contraste dans les œuvres d’art.

La valeur peut donner l’illusion de masse ou de volume dans les œuvres d’art en deux dimensions.

Lorsque des couleurs ayant des valeurs ou des teintes différentes sont placées les unes à côté des autres dans une composition, l’illusion d’un bord, d’une forme ou d’une ligne peut apparaitre.

Une couleur monochromatique provient d’une seule teinte et peut être développée à l’aide de teintes rabattues et de teintes dégradées, comme on le voit dans :
  • Gustav Klimt, Portrait d’Adele Bloch-Bauer I, 1907
  • Hendrik van Anthonissen, Shipping in a Gale, v. 1656.
Compréhension
La couleur a la propriété physique de la valeur.

La valeur indique la clarté ou l’obscurité d’une couleur.
Habiletés et procédures
Explorer comment créer des teintes dégradées, des teintes rabattues et des gradations.

Observer et discuter de la façon dont les artistes emploient la valeur dans diverses œuvres d’art.

Expérimenter comment appliquer une couleur monochromatique à des œuvres d’art.

Examiner comment la couleur et la valeur peuvent créer un contraste dans les œuvres d’art.

Examiner comment l’illusion de masse ou de volume peut être créée en ajustant la valeur.
Connaissances
L’intensité indique la pureté ou la puissance d’une couleur.

Les couleurs sont généralement plus intenses avant d’être mélangées avec autres couleurs.

Une couleur peut paraitre plus intense en la plaçant à côté d’une couleur complémentaire.

Le mélange d’une couleur avec son complément réduit l’intensité et est connu sous le nom de neutralisation d’une couleur.

Lorsqu’une couleur est neutralisée, elle produit des couleurs neutres, y compris le brun ou le gris.

Les artistes peuvent utiliser l’intensité dans une composition pour diriger le regard du spectateur.

Dans l’œuvre Le Gourmet, v. 1901 de Pablo Picasso, des couleurs intenses sont utilisées pour créer un point focal autour de l’enfant qui mange.
Compréhension
La couleur a la propriété physique de l’intensité.

L’intensité est la luminosité ou le ternissement d’une couleur.
Habiletés et procédures
Mélanger les couleurs pour différencier la valeur et l’intensité.

Appliquer à des œuvres d’art des couleurs de valeurs et d’intensités différentes.
Connaissances
Lorsque l’on travaille avec différents médias dans la discipline des arts visuels, des considérations relatives à l’organisation des éléments de l’art peuvent être nécessaires.

L’organisation des éléments de l’art peut comprendre :
  • la ligne : ligne implicite et poids de la ligne; valeur, direction, contour et caractéristiques physiques de la ligne
  • la forme : proportion, géométrique, organique, positive, négative, statique, dynamique, caractéristiques physiques, de base, complexe
  • la couleur : tertiaire, analogue, monochromatique, complémentaire, primaire, secondaire, chaude et froide, intensité, gradation, teintes et nuances, accents de couleur, transparente et opaque
  • la texture : texture réelle et simulée
  • l’espace : point focal, illusions, symétrie, perspective
  • la valeur : l’ombrage pour suggérer la forme ou la masse, la gradation ou la couleur.
Les médias dans l’art peuvent comprendre des objets et des matériaux trouvés dans le milieu environnant.
Compréhension
L’organisation est l’interaction entre les éléments de l’art.
Habiletés et procédures
Explorer comment les éléments de l’art peuvent être utilisés et organisés au sein de divers médias.

Explorer les effets que les éléments de l’art peuvent avoir les uns sur les autres lorsqu’ils sont combinés dans des œuvres d’art.

Ajuster la valeur pour suggérer un effet de lumière ou d’ombre.
Connaissances
La couleur peut exprimer ou représenter des sentiments et créer une ambiance.

La couleur peut être décrite comme ayant une température qui est :
  • chaude, qui comprend le rouge, l’orange et le jaune
  • froide, qui comprend le bleu, le vert et le violet.
Les couleurs chaudes et froides d’une œuvre d’art peuvent avoir un effet émotionnel sur le spectateur.

Des exemples de couleurs chaudes peuvent être vus dans :
  • Ted Harrison, Flying South, 1993
  • Vincent van Gogh, Les Tournesols, v. 1888.
Des exemples de couleurs froides peuvent être vus dans :
  • Alex Colville, Vers l’Île-du-Prince-Édouard, 1965
  • Katsushika Hokusai, La Grande Vague de Kanagawa, v. 1829-1832.
L’harmonie est un principe de composition qui peut être réalisé en combinant des couleurs agréables à l’œil.

La combinaison des couleurs peut créer un sentiment d’harmonie ou de contraste dans les œuvres d’art, comme dans Tom Thomson, Le Pin, 1916-1917.

Les couleurs peuvent être interprétées de manière à compléter une autre couleur, y compris les paires de couleurs :
  • jaune-violet
  • rouge-vert
  • bleu-orange.
Deux couleurs complémentaires créent une couleur neutre lorsqu’elles sont mélangées.
Compréhension
La couleur peut avoir une influence sur la réaction du spectateur à une œuvre d’art.

Les gens ont différentes préférences de couleur.
Habiletés et procédures
Décrire comment l’utilisation de couleurs chaudes et froides contribue à une composition.

Explorer comment la couleur peut créer une harmonie ou un contraste dans les œuvres d’art.

Explorer l’effet de l’utilisation de couleurs chaudes et froides dans les œuvres d’art.

Évaluer l’utilisation de la couleur dans les œuvres d’art pour représenter des sentiments et créer une ambiance.

Exprimer des préférences liées à l’utilisation de la couleur dans les œuvres d’art.

Expérimenter la façon de créer des couleurs neutres en mélangeant des couleurs complémentaires.
Connaissances
Les relations de couleur sont décrites comme analogues, monochromatiques, primaires, secondaires et complémentaires.

Les couleurs primaires, secondaires et complémentaires peuvent être trouvées sur un cercle chromatique.

Les couleurs complémentaires sont celles qui sont placées à l’opposé l’une de l’autre sur le cercle chromatique.

Les couleurs analogues sont des groupes de trois couleurs qui se trouvent les unes à côté des autres sur le cercle chromatique.

Le contraste peut être créé en plaçant une couleur secondaire à côté d’une couleur primaire.

Les teintes dégradées et les teintes rabattues peuvent être créées en ajoutant du blanc ou du noir à une couleur, comme on le voit dans :
  • James McNeill Whistler, Arrangement en gris et noir no 1 (couramment intitulé la Mère de Whistler), v. 1871
  • Pablo Picasso, La tragédie, 1903.
Les couleurs chaudes se trouvent sur le côté rouge/jaune du cercle chromatique.

Les couleurs froides se trouvent sur le côté bleu/vert du cercle chromatique.
Compréhension
Il existe une relation entre les couleurs, qui peut être représentée sur un cercle chromatique.
Habiletés et procédures
Faire la distinction entre les couleurs chaudes et froides sur le cercle chromatique.

Explorer les relations des couleurs.

Créer des œuvres d’art en utilisant le cercle chromatique comme outil pour choisir une palette de couleurs.
Connaissances
Les couleurs chaudes sur un cercle chromatique apparaissent en face des couleurs froides.

Les couleurs tertiaires sont créées lorsqu’une couleur primaire est mélangée en proportions égales à une couleur secondaire adjacente.

Les couleurs analogues créent un agencement de couleurs qui peut apporter de l’harmonie et de l’équilibre aux œuvres d’art, comme on le voit dans :
  • William Trost Richards, Newport Coast, 1902
  • Yisa Akinbolaji, Wisdom Thread, s.d.
Les couleurs analogues peuvent être déterminées en choisissant n’importe quelle couleur sur le cercle chromatique et en ajoutant une couleur directement à droite et à gauche de la couleur choisie, par exemple :
  • le rouge-orange, l’orange et le rouge
  • le jaune-vert, le vert et le jaune
  • le bleu-violet, le violet et bleu
  • le rouge-violet, le rouge et le violet.
Compréhension
L’organisation des relations de couleur est illustrée sur un cercle chromatique.

L’organisation d’un cercle chromatique peut varier et peut indiquer la valeur et l’intensité de la couleur.

Le cercle chromatique peut être un outil de planification pour la création d’une palette de couleurs.
Habiletés et procédures
Utiliser le cercle chromatique pour planifier et créer des œuvres d’art.

Faire la distinction entre les couleurs chaudes et froides sur un cercle chromatique.

Explorer et appliquer les combinaisons de couleurs utilisées pour créer des couleurs tertiaires.

Déterminer et utiliser des agencements de couleurs analogues dans les œuvres d’art.
Connaissances
Les pigments utilisés dans les œuvres d’art aujourd’hui sont généralement fabriqués.

Les pigments naturels proviennent de la terre et se trouvent dans les plantes, les animaux et les minéraux, y compris :
  • l’argile
  • l’hématite, un minerai de fer de couleur noire, argentée, grise, brune ou rouge
  • le charbon de bois.
Les pigments sont des matières colorées qui sont généralement insolubles dans l’eau, à moins d’être d’abord broyées en une fine poudre.

Des pigments sont ajoutés aux peintures pour leur donner de la couleur.

La qualité de la couleur ou du pigment peut varier selon le média.
Compréhension
La couleur est déterminée par les pigments d’un objet ou d’un matériau.
Habiletés et procédures
Étudier l’origine des pigments naturels et leur utilisation dans le passé.
Connaissances
La signification de la couleur peut se refléter dans des associations culturelles ou symboliques, comme on le voit dans Jane Ash Poitras, Mikisew Spirit, 2019.

La valeur de la couleur peut indiquer une signification, y compris les éléments suivants :
  • Les couleurs sombres peuvent suggérer un manque de lumière et transmettre une ambiance sérieuse.
  • Les couleurs vives suggèrent une énergie positive et plus de lumière.
  • Le rouge peut représenter la colère, le danger ou l’amour.
  • L’orange peut représenter la créativité ou l’énergie.
La couleur locale capte la ressemblance d’un objet.

La couleur expressive est utilisée pour communiquer l’ambiance ou le choix artistique.

Une couleur opaque bloque la lumière et peut suggérer la lourdeur.

La couleur transparente permet à certaines longueurs d’onde de la lumière de passer à travers et suggère la légèreté.

L’aquarelle est la peinture la plus transparente.

On peut créer un lavis en ajoutant de l’eau à la peinture afin de la rendre plus transparente.

Les couleurs comme le jaune sont naturellement plus transparentes que les autres couleurs.

Les couleurs comme le rouge sont naturellement plus opaques que les autres couleurs.

L’huile, l’acrylique et la gouache sont les peintures les plus opaques.
Compréhension
La couleur est un élément significatif et expressif de l’art.

La couleur peut être représentée et interprétée de différentes manières.
Habiletés et procédures
Examiner comment la couleur peut communiquer un sens ou une ambiance dans les œuvres d’art.

Expérimenter la couleur opaque et transparente.

Créer des œuvres d’art en utilisant la couleur de façon symbolique.
Connaissances
L’organisation spatiale peut s’appliquer à la ligne, la forme, l’espace, la couleur et la valeur.

L’organisation spatiale de la ligne peut comprendre :
  • la perspective atmosphérique
  • la perspective linéaire et la perspective linéaire avec un ou deux points de fuite pour créer une illusion d’espace dans des œuvres d’art en deux dimensions
  • les lignes d’horizon
  • le point de vue, y compris la vue à vol d’oiseau et les gros plans.
L’organisation spatiale de la forme peut comprendre :
  • le chevauchement de formes
  • le placement de formes près des lignes d’horizon pour donner une illusion de profondeur
  • l’ajustement de la taille des formes.
L’organisation concernant l’espace peut comprendre :
  • l’espace positif, l’espace négatif, et la proportion
  • la profondeur et la dimension
  • l’espace pictural, y compris l’avant-plan, le deuxième plan et l’arrière-plan
  • l’espace réel (ouvert ou fermé) dans les objets en trois dimensions ou l’environnement.
L’organisation spatiale de la couleur peut comprendre :
  • des couleurs froides et ternes qui donnent l’illusion d’objets lointains
  • des couleurs chaudes et vives qui donnent l’illusion d’objets plus proches.
L’organisation spatiale de la valeur peut comprendre :
  • l’ombre et la lumière
  • des gradations en tons clairs, foncés et moyens.
L’utilisation de l’espace pour créer des illusions et des points focaux peut être vue dans Thomas Cole, The Oxbow (ou Vue depuis le mont Holyoke, Northampton, Massachusetts, après un orage), v. 1836.

Les techniques pour créer des illusions d’espace dans les œuvres d’art comprennent :
  • le placement d’un objet dans le plan pictural
  • le chevauchement des formes
  • la variation de la taille des formes
  • l’ajustement de la valeur et de la couleur.
Compréhension
L’organisation spatiale occupe, déclenche ou suggère l’espace au sein d’une œuvre d’art.
Habiletés et procédures
Utiliser le vocabulaire des arts visuels pour discuter de la manière dont l’organisation spatiale est réalisée dans les œuvres d’art.

Explorer comment l’utilisation de l’espace dans les œuvres d’art peut créer des illusions.

Créer des œuvres d’art qui impliquent des espaces au-delà des bords du plan pictural.

Explorer les techniques permettant de déclencher ou de suggérer l’espace dans les œuvres d’art.

Examiner comment l’organisation spatiale contribue à la perspective dans les œuvres d’art.
Connaissances
La texture peut être invitante, en suscitant une réponse positive telle que la curiosité, ou moins invitante, en provoquant une réponse négative telle que le dégout.

La texture peut être appliquée aux œuvres d’art de manière subtile ou exagérée.

Plusieurs textures peuvent être appliquées pour créer un contraste pour l’effet.

Le collage est une sorte d’œuvre d’art créée en utilisant différents matériaux dont la texture peut
varier, y compris :
  • le papier
  • les photographies
  • le tissu
  • le fil
  • le plastique.
L’art textile est créé en utilisant des matériaux qui ont une texture, y compris :
  • les fibres ou les fils
  • le fil et l’aiguille pour créer des coutures
  • la teinture de tissus
  • le batik ou la résistance à la teinture.
La texture peut créer un effet dans les œuvres d’art, comme on le voit dans :
  • Christi Belcourt, Nathalie, 2014
  • Faith Ringgold, Woman on a Bridge #1 of 5: Tar Beach, v. 1988.
La texture a contribué à l’architecture historique, comme on le voit dans :
  • le Palais nasrides de l’Alhambra, en Espagne
  • le dôme du Rocher, la mosquée d’Omar à Jérusalem
  • le Taj Mahal, en Inde.
Compréhension
La texture peut créer un effet visuel qui est réaliste et crée une ambiance dans les œuvres d’art.

La texture peut renforcer l’impact visuel des œuvres d’art.
Habiletés et procédures
Explorer comment la texture peut être utilisée pour créer un effet visuel.

Décrire comment l’utilisation de la texture peut susciter une réaction de la part d’un spectateur.

Utiliser divers matériaux pour créer des textures dans les œuvres d’art.

Utiliser le vocabulaire des arts visuels pour discuter de la façon dont la texture existe dans les œuvres d’art en trois dimensions.
Connaissances
Les principes de composition peuvent être appliqués à la couleur pour créer un point de mire.

La couleur peut être utilisée pour créer un point de mire, comme on le voit dans Ted Harrison, Visitor from Space, 1988.

L’équilibre dans les œuvres d’art comprend la symétrie, l’asymétrie et le radial.

L’équilibre radial crée un modèle d’image uniforme qui rayonne à partir d’un point central, comme on le voit dans les mandalas.

Les couleurs chaudes ont tendance à avancer un point focal tandis que les couleurs froides ont tendance à le reculer.

La couleur peut être combinée avec la ligne pour créer un point focal en utilisant :
  • les lignes convergentes
  • la perspective atmosphérique
  • la perspective linéaire et la perspective linéaire avec un point de fuite pour créer une illusion d’espace dans des œuvres d’art en deux dimensions
  • les lignes d’horizon.
Compréhension
La couleur attire le regard et permet de se concentrer sur un point de l’œuvre d’art.
Habiletés et procédures
Discuter de la façon dont la couleur peut être utilisée comme point focal ou comme moyen de diriger l’œil lors de la visualisation d’œuvres d’art.

Expérimenter la façon de créer des points focaux dans les œuvres d’art.

Faire des choix artistiques qui démontrent l’utilisation de points focaux dans les œuvres d’art.

Examiner l’utilisation de la perspective dans diverses œuvres d’art.

Intégrer la perspective dans les œuvres d’art.

Connaissances
Les choix artistiques peuvent comprendre :
  • la communication d’une signification symbolique ou littérale
  • le choix des médias, des outils, des techniques et des matériaux
  • le sujet à représenter
  • l’utilisation des éléments de l’art et des principes de composition.
Il existe une infinité de façons d’organiser les éléments de l’art.

Les choix artistiques peuvent révéler le style d’un artiste, comme on le voit dans Bill Reid, L’esprit de Haida Gwaii, v. 1986-1991.
Compréhension
Le choix artistique peut influencer l’organisation des œuvres d’art.
Habiletés et procédures
Explorer différentes façons dont les œuvres d’art peuvent être organisées pour communiquer un sens ou un style et en discuter.

Faire des choix artistiques dans la création d’œuvres d’art.
Connaissances
La couleur, lorsqu’elle est combinée à d’autres éléments de l’art, peut créer une illusion, y compris :
  • un sentiment de profondeur, de contour ou de poids en utilisant des teintes rabattues claires et sombres
  • une profondeur de champ et une valeur de la couleur grâce à l’application de couleur diluée
  • une ligne et de l’espace grâce à la perspective atmosphérique
  • des couleurs claires et profondes du premier plan qui semblent plus vives et plus intenses que les couleurs de l’arrière-plan.
La perspective atmosphérique est l’illusion de l’espace dans les peintures de paysage, souvent caractérisée par l’utilisation de couleurs claires dans le lointain, comme on le voit dans Albert Bierstadt, Among the Sierra Nevada, Californie, 1868.

La lumière et l’ombre peuvent créer l’illusion de formes à trois dimensions, comme on le voit dans Willem Claesz Heda, Banquet Piece with Mince Pie, 1635.
Compréhension
La couleur peut créer des illusions dans les œuvres d’art.
Habiletés et procédures
Explorer comment la couleur peut être utilisée pour créer des illusions dans les œuvres d’art.

Ajuster la couleur pour suggérer un effet de lumière ou d’ombre.

Ajuster la couleur et la valeur lors de l’illustration de l’illusion de l’espace et de la profondeur au premier plan, au deuxième plan et à l’arrière-plan des paysages dans les œuvres d’art.
Connaissances
L’unité est quand toutes les parties de la composition travaillent en harmonie pour créer un sentiment d’intégralité, comme on le voit dans :
  • Brian Jungen, Vienne, 2003
  • Prudence Heward, Au Théâtre, 1928.
L’équilibre est un principe de composition qui peut renforcer l’unité en utilisant :
  • la régularité et le motif récurrent
  • l’équilibre symétrique, asymétrique et radial
  • les valeurs de couleur et la couleur opaque et transparente
  • le placement des formes.
L’équilibre radial peut créer un point focal fort et une illusion de mouvement et de profondeur, comme on le voit dans Alex Janvier, Étoile du matin, 1993.

Les principes de composition peuvent clarifier l’organisation des éléments de l’art, comme on le voit dans :
  • Frida Kahlo, Autoportrait au collier d’épines et colibri, 1940
  • Edvard Munch, Le Cri, 1893.
Compréhension
L’organisation repose sur les principes de composition pour promouvoir l’unité des œuvres d’art.
Habiletés et procédures
Discuter de la relation entre l’équilibre et l’unité dans les œuvres d’art.

Utiliser le vocabulaire des arts visuels pour discuter de la façon dont les artistes utilisent l’équilibre pour créer un point focal dans les œuvres d’art.

Utiliser les principes de composition comme moyen d’organiser les idées artistiques.
Idée organisatrice
Créer et présenter : Les idées peuvent être représentées par des œuvres d’art qui s’appuient sur les connaissances fondamentales des arts visuels.
Question directrice
Comment un récit peut-il contribuer à la création et à la présentation d’œuvres d’art?
Question directrice
Comment la narration dans les arts visuels peut-elle contribuer à la compréhension d’histoires et d’expériences diverses?
Question directrice
Comment l’intention artistique peut-elle renforcer la communication des idées dans les arts visuels?
Résultat d’apprentissage
Les élèves utilisent la narration comme structure pour organiser les idées dans les œuvres d’art.
Résultat d’apprentissage
Les élèves représentent la narration dans des œuvres d’art basées sur diverses inspirations et par l’application de choix artistiques.
Résultat d’apprentissage
Les élèves expriment leur intention comme faisant partie intégrante de l’expression artistique dans les arts visuels.
Connaissances
L’inspiration pour une narration peut venir :
  • des histoires
  • de la musique
  • de différentes formes de médias
  • de personnes ou de personnages réels
  • des expériences
  • de l’imagination
  • de l’environnement.
Un récit dans les arts visuels peut ou non représenter une séquence d’évènements dans l’ordre où ils se sont produits.

Différents médias peuvent être utilisés pour illustrer l’ordre des évènements dans un récit, y compris les scénarimages, les peintures et les arts textiles.

Les images peuvent être regroupées en ensembles (diptyque ou triptyque) comme on le voit dans :
  • Andrew Salgado, 20 Years, 2014
  • Robert Campin, Le Triptyque de Mérode, v. 1427-1432
Un récit artistique peut être représenté dans des œuvres en deux ou en trois dimensions, comme on le voit dans :
  • Basawan et Chetar Munti, Akbar apprivoise Hawai, l’éléphant fou, v. 1561
  • Helen Granger Young, Les Célèbres cinq, v. 2010.
La structure d’une narration dans les arts visuels peut être représentée à l’aide de motifs, de métaphores et de thèmes.
Compréhension
Un récit dans les œuvres d’art peut être illustré sous forme de représentation partielle ou complète.

Un récit peut être factuel ou fictif.
Habiletés et procédures
Choisir une inspiration pour représenter une narration.

Créer des œuvres d’art en deux et en trois dimensions pour transmettre un récit.
Connaissances
La structure d’un récit dans les œuvres d’art peut représenter un début, un problème et une résolution.

La structure d’une narration racontée à travers des œuvres d’art peut ressembler à la structure d’un récit dans un texte.

La narration peut être représentée individuellement ou collectivement.

Divers médias, y compris l’art numérique, les graffitis et l’animation, peuvent être utilisés pour illustrer un récit.

Compréhension
Un récit peut être structuré pour décrire le passé, le présent ou l’avenir.
Habiletés et procédures
Créer des œuvres d’art en deux et en trois dimensions à partir d’un récit.

Créer des œuvres d’art individuellement et collectivement.
Connaissances
L’intention peut être liée au média utilisé par un artiste.

Un artiste peut communiquer son intention dans des œuvres d’art en :
  • donnant un titre aux œuvres d’art
  • créant des descriptions pour l’art
  • parlant de l’art.
L’intention peut être claire lorsqu’un plan de création artistique est établi, y compris l’utilisation :
  • du cercle chromatique
  • d’une palette de couleurs
  • d’un viseur
  • de la recherche
  • d’une grille permettant de diviser la surface de travail en rapports égaux pour déterminer les proportions.
L’organisation spatiale peut clarifier l’intention des œuvres d’art lorsque la ligne, la forme, l’espace, la couleur et la valeur sont utilisés.

L’organisation peut comprendre l’équilibre des formes positives par rapport à l’espace négatif.

La manière dont les œuvres d’art sont exposées peut soit détourner l’attention de l’intention de l’artiste, soit contribuer à la mettre en évidence.

Les œuvres d’art peuvent être interprétées d’une manière qui diffère de ce que l’artiste avait prévu.
Compréhension
L’intention devient évidente pour l’artiste et le public lorsque les œuvres d’art ont une structure et une organisation.
Habiletés et procédures
Créer un plan pour faire de l’art.

Explorer les différentes façons dont les œuvres d’art peuvent être diffusées ou exposées.

Intégrer les principes de composition pour clarifier l’intention.

Évaluer l’efficacité des médias utilisés pour transmettre l’intention artistique.

Créer un titre et une description pour les œuvres d’art.
Connaissances
L’expression de groupe dans les arts visuels peut être observée dans les peintures murales, les œuvres d’art communautaires et les artéfacts culturels.

Les points de vue ou perspectives peuvent refléter des idées, des expériences et la culture.

Les couleurs chaudes et froides peuvent représenter des sentiments dans une narration.

La texture peut créer une ambiance ou susciter une réaction émotionnelle lorsqu’elle est incorporée dans les œuvres d’art.

Les principes de composition, y compris l’harmonie et le contraste, peuvent influencer la façon dont les éléments de l’art s’associent pour communiquer un récit.
Compréhension
Une narration peut communiquer des points de vue ou des perspectives d’un individu ou d’un groupe.

Les sentiments et l’ambiance peuvent être interprétés visuellement grâce à l’utilisation de lignes, de formes et de couleurs.
Habiletés et procédures
Créer des œuvres d’art à partir de différentes perspectives.

Explorer comment les principes de composition peuvent améliorer la communication d’un récit.

Explorer comment les éléments de l’art peuvent être utilisés pour communiquer l’ambiance ou les sentiments.

Examiner comment les éléments de l’art peuvent être utilisés pour représenter la perspective dans les œuvres d’art.
Connaissances
La préservation des récits culturels et historiques peut être réalisée par la création d’œuvres d’art et d’artéfacts.

Les mouvements artistiques sont les périodes de l’histoire où les œuvres d’art ont été créées dans un but ou un style commun et peuvent comprendre la Renaissance, l’impressionnisme et le cubisme.

Dans les arts visuels, le récit est représenté de diverses manières selon les cultures.

La narration peut être exprimée à travers l’esprit ou la vie des œuvres d’art des Premières Nations, des Métis et des Inuit.

Dans les œuvres d’art des Premières Nations, des Métis et des Inuit, les récits peuvent provenir de la terre, y compris :
  • le vent
  • l’eau
  • le sol
  • les animaux
  • les plantes.
La création d’une narration peut communiquer :
  • les expériences personnelles
  • des histoires, des légendes, des mythes et de la poésie
  • des évènements et personnages de fiction
  • des perspectives.
Des thèmes universels qui peuvent se retrouver dans les narrations comprennent la survie, la rédemption et la quête.



Compréhension
Une narration dans les arts visuels peut communiquer des connaissances et des compréhensions sur le monde.

Les récits peuvent fournir des liens avec la culture et l’histoire.
Habiletés et procédures
Illustrer un récit basé sur divers évènements, thèmes ou inspirations.

Étudier les façons dont les arts visuels ont contribué à la préservation de la culture dans les communautés locales.

Explorer comment les récits sont exprimés à travers les œuvres d’art des Premières Nations, des Métis ou des Inuit.

Créer des œuvres d’art inspirées par les mouvements artistiques au cours de l’histoire.

Connaissances
Les œuvres d’art peuvent être créées pour communiquer intentionnellement un sujet ou un thème.

Un artiste peut intentionnellement combiner, modifier ou omettre certains éléments de l’art pour créer un effet, y compris :
  • des illusions de mouvement, de profondeur, de distance et de masse
  • l’émotion ou l’ambiance
  • les représentations symboliques
  • la perspective.
La technique de médias mixtes comprend la combinaison intentionnelle de divers matériaux et médias dans des œuvres d’art, comme on le voit dans Jane Ash Poitras, La prière unit mon peuple, 2000.

Des couleurs analogues peuvent être utilisées intentionnellement pour harmoniser les couleurs d’une composition.

Les mouvements artistiques au cours de l’histoire ont mis en vedette des artistes connus pour leur style artistique ou leur utilisation intentionnelle des médias et peuvent comprendre :
  • Andy Warhol, pop art
  • Banksy, un artiste de rue anonyme basé en Angleterre
  • Diego Rivera, qui a créé le mouvement des peintures murales dans l’art mexicain et international
  • Frida Kahlo, une peintre mexicaine connue pour ses autoportraits
  • Jack Kirby, un artiste de la bande dessinée
  • Pablo Picasso, un peintre, un sculpteur, un graveur et un céramiste espagnol connu pour le mouvement cubiste.
L’appréciation des œuvres d’art peut comprendre
  • citer le travail d’autres artistes lorsqu’ils s’inspirent de leurs idées
  • demander l’autorisation de reproduire le travail d’autres artistes.
Compréhension
L’intention fait référence à ce qu’un artiste veut exprimer.

L’intention peut être liée à la création, l’expression ou l’appréciation intentionnelle d’œuvres d’art.

Les artistes peuvent créer intentionnellement des œuvres d’art réalistes, symboliques ou abstraites.
Habiletés et procédures
Faire des choix artistiques intentionnels pour créer un effet désiré dans les œuvres d’art.

Créer des œuvres d’art en deux ou en trois dimensions dans le style d’un artiste ou d’un mouvement artistique particulier.

Donner le crédit à d’autres artistes lorsqu’ils utilisent leurs idées comme source d’inspiration.

Déterminer quels sont les outils, les médias ou les techniques nécessaires pour atteindre l’intention artistique dans les œuvres d’art.

Créer des œuvres d’art qui reflètent intentionnellement des représentations réalistes, symboliques ou abstraites.

Créer des œuvres d’art dans le but de communiquer un sujet ou un thème.
Connaissances
Un artiste peut façonner un récit en utilisant :
  • les éléments de l’art
  • les processus créatifs
  • les médias
  • les outils, les techniques et les méthodes
  • l’expérimentation ou des choix artistiques éclairés.
Un conservateur choisit la manière dont les œuvres sont exposées, ce qui peut influencer la manière dont un récit est présenté.

De l’information supplémentaire sur une narration peut être communiquée par des titres et des descriptions sur l’œuvre d’art.

Une narration racontée à travers les arts visuels peut être combinée avec d’autres formes d’art, y compris la danse, l’art dramatique et la musique.
Compréhension
Un récit dans les arts visuels peut être façonné par l’artiste, le conservateur ou le spectateur.

La réaction d’un spectateur à une œuvre d’art peut être une réaction à la façon dont l’œuvre est présentée ou créée.
Habiletés et procédures
Faire des choix artistiques expérimentaux et éclairés lors de la création d’œuvres d’art.

Accompagner les œuvres d’art de titres et de descriptions d’une narration.

Expérimenter la façon dont l’exposition à une œuvre d’art peut influencer la façon dont elle est vue.
Connaissances
Les choix artistiques liés aux éléments de l’art et aux principes de composition peuvent être utilisés par un artiste pour réviser et réimaginer la façon dont une narration est exprimée.

Dans les arts visuels, certaines parties d’un récit peuvent être exclues, laissant le public supposer ce qui s’est passé avant et après la présentation du récit.

Des titres et des descriptions offrent de l’information supplémentaire au sujet d’une narration qui peut clarifier l’intention artistique.

La réflexion sur les processus créatifs peut aider à résoudre les défis de conception lors de la création d’œuvres d’art.
Compréhension
Une narration dans les arts visuels peut emmener le spectateur en voyage en le divertissant et en le persuadant.

Dans les arts visuels, un récit peut être perçu par un public d’une manière différente de ce que l’artiste avait prévu.
Habiletés et procédures
Faire des choix artistiques lors de la révision ou de la réimagination de la façon dont un récit peut être illustré.

Évaluer l’efficacité des choix artistiques dans la communication d’un récit.

Appliquer des processus créatifs aux défis de conception.
Connaissances
La pratique intentionnelle d’habiletés et de techniques artistiques peut améliorer l’expression artistique.

L’art visuel peut être créé intentionnellement pour le plaisir, l’expression créative, ou comme moyen d’explorer de nouvelles techniques, habiletés ou médias.

La communication de l’intention artistique peut mener à la prise de risques créatifs et l’utilisation de processus créatifs.
Compréhension
L’intention d’un artiste peut mettre l’accent sur le processus plutôt que sur le produit.

Certaines œuvres d’art peuvent ne pas avoir une intention évidente qui peut être interprétée.

La croissance en tant qu’artiste peut se produire lors d’un engagement envers le processus créatif de manière nouvelle et significative.
Habiletés et procédures
Pratiquer des habiletés, des techniques et des méthodes de création artistique comme moyen de renforcer l’expression artistique.

Créer de l’art pour le plaisir.

Prendre des risques créatifs pour relever les défis de conception.

Décrire comment la rétroaction a été intégrée pour clarifier ou renforcer l’intention artistique.

Réfléchir aux forces et aux domaines de croissance en tant qu’artiste.
Idée organisatrice
Appréciation : La reconnaissance de la beauté, de la bonté et de la vérité à travers les arts visuels peut être développée en comprenant la complexité et de la richesse des grandes œuvres d’art, les artistes qui les créent, et les contextes historiques et culturels dont elles sont issues.
Question directrice
Quel est le rôle de la culture dans la formation des arts visuels de l’Europe médiévale, de l’Islam médiéval et de l’Alberta?
Question directrice
Comment les changements sociétaux se sont-ils reflétés dans les arts visuels pendant le Canada colonial, la Renaissance et la Réforme protestante?
Question directrice
Comment l’évolution de la société a-t-elle influencé la manière dont les arts visuels ont été appréciés pendant les Lumières, la Révolution française, et tout au long de l’histoire des États-Unis d’Amérique?
Résultat d’apprentissage
Les élèves racontent comment la culture se reflète dans les arts visuels à travers le temps et les lieux.
Résultat d’apprentissage
Les élèves étudient comment les changements dans les sociétés du passé ont influencé la création et la diffusion des œuvres d’art.
Résultat d’apprentissage
Les élèves établissent un lien entre le changement et les évènements historiques et apprécient les pratiques des arts visuels.
Connaissances
La culture peut être améliorée lorsque les communautés artistiques participent, communiquent, s’engagent, et partagent les responsabilités.

La culture d’une communauté artistique peut soutenir l’inclusion bienveillante et respectueuse de tous les participants.
Compréhension
Lorsque les communautés s’unissent par le biais des arts, la culture peut être apprise.

La culture d’une communauté artistique consiste à partager des façons d’être ensemble et d’atteindre des objectifs communs.
Habiletés et procédures
Participer aux arts visuels en tant que membre d’une communauté artistique.

Démontrer comment les rôles et responsabilités artistiques contribuent au sentiment d’appartenance à une communauté.
Connaissances
Le processus par lequel les œuvres d’art et les artéfacts culturels sont restitués aux personnes ou aux lieux qui leur reviennent de droit est connu sous le nom de rapatriement.

Le rapatriement des objets cérémoniels et spirituels permet aux communautés de renouer avec la culture.

Le rapatriement d’objets cérémoniels et spirituels des Premières Nations et des Inuit se fait à partir de musées et de collections personnelles et comprend :
  • les ballots sacrés
  • les totems
  • les amulettes
  • les vêtements de cérémonie
  • les calumets sacrés
  • les boites en bois courbé
  • les masques
  • les coiffes
  • les hochets
  • les ballots du Calumet sacré du Tonnerre.
La création d’œuvres d’art des Premières Nations, des Métis et des Inuit a été influencée par les Européens de diverses manières, y compris par :
  • l’introduction des perles de verre
  • la disponibilité de nouveaux matériaux, tels que des minerais non trouvés en Amérique du Nord
  • la production d’art à des fins esthétiques et économiques.
Certains artistes du Canada colonial ont été formés par des mentors ou des enseignants dans le domaine de l’art et de l’artisanat.

Dans le Canada colonial, certains artisans étaient également considérés comme des personnes de métier et comprenaient les :
  • forgerons
  • ciriers
  • tisserands
  • tonneliers
  • imprimeurs.
L’Église catholique a créé une école où l’on enseignait les arts et l’artisanat au début du Canada colonial.
Compréhension
Les arts visuels ont évolué au fil du temps, à mesure que les communautés et les cultures ont évolué.

Les arts visuels dans le Canada colonial reflètent les changements qui se sont produits en Europe à la même époque.

Habiletés et procédures
Voir diverses œuvres d’art canadiennes comme source d’inspiration pour parler de l’art et en créer.

Étudier les actes communautaires de rapatriement et de revitalisation culturelle.
Connaissances
L’appréciation des œuvres d’art peut éclairer les décisions futures concernant la participation en tant qu’artiste et en tant que spectateur de l’art.

L’appréciation peut façonner l’art personnel, la curiosité et l’engagement dans les arts visuels.

La culture populaire (pop) a évolué à partir de traditions artistiques et est appréciée comme une forme d’expression du peuple pour le peuple.

La culture visuelle est un sujet ou un thème qui comprend des façons de voir et de représenter visuellement le monde, y compris l’animation, les médias numériques et la publicité.
Compréhension
L’appréciation des arts visuels peut changer grâce à une réflexion active et à l’expérience des œuvres d’art.

Habiletés et procédures
Créer des œuvres d’art qui reflètent la culture visuelle et populaire.

Utiliser le vocabulaire des arts visuels pour réagir à des œuvres d’art ou communiquer des opinions à leur sujet.
Connaissances
En Alberta, les œuvres d’art visuel ont été influencées par l’histoire et les traditions d’artistes de diverses cultures.

Les pétroglyphes sont une forme de texte écrit que certaines sociétés ont interprétée comme un art visuel.

Le parc provincial Writing-on-Stone en Alberta possède de nombreux exemples de pétroglyphes des Premières Nations.

Les Premières Nations, les Métis et les Inuit transmettent leurs connaissances par le biais d’œuvres d’art qui peuvent comprendre :
  • les sculptures en pierre, en bois et en os
  • la poterie
  • la broderie
  • les œuvres textiles en piquants de porc-épic
  • l’art en l’écorce de bouleau
  • les motifs et régularités géométriques sur la peau
  • le perlage
  • le tissage
  • les peintures.
Les Métis de l’Alberta sont réputés pour leur travail de perlage floral.

Lawren Harris (1885-1970) était membre d’un groupe influent d’artistes canadiens appelés le Groupe des Sept qui a capturé le paysage de l’Alberta dans des peintures à l’huile.
Compréhension
Les arts visuels en Alberta peuvent refléter la culture de ceux qui nous ont précédés et de ceux qui vivent ici aujourd’hui.
Habiletés et procédures
Étudier l’information communiquée par le biais des pétroglyphes trouvés en Alberta.

Explorer l’importance des œuvres d’art locales.

Créer des œuvres d’art visuel qui reflètent l’histoire ou les traditions de l’Alberta.

Discuter d’exemples de connaissances que les Premières Nations, les Métis et les Inuit peuvent transmettre par le biais d’œuvres d’art.
Connaissances
Le mouvement de la Renaissance visait à ce que tous les gens s’améliorent par l’éducation, la littérature, les sciences et les arts.

Au début de la Renaissance, les artistes étaient connus comme des artisans, pour ensuite devenir des artistes.

La Renaissance a été un retour à la création artistique dans des styles classiques inspirés par la Grèce antique et la Rome antique, comme on peut le voir dans :
  • Albrecht Dürer, Le Lièvre, v. 1502
  • Léonard de Vinci, La Cène, v. 1490, et La Joconde, v. 1503
  • Michel-Ange, La Pietà, v. 1498-1499
  • Raphaël (Raffaello Sanzio), L’École d’Athènes, v. 1508-1511
  • Sandro Botticelli, L’Adoration des mages, v. 1475-1476.
Le mouvement artistique de la Renaissance mettait en avant le réalisme et l’émotion dans les œuvres d’art en représentant la lumière à travers l’espace et en utilisant l’ombre et la réflexion dans les natures mortes.

Les styles architecturaux de la Renaissance ont été empruntés aux sociétés anciennes et peuvent comprendre :
  • le sgraffite, une technique utilisant des couches de plâtre pour la décoration murale ou en céramique
  • la loggia, un élément architectural dont le mur extérieur est ouvert sur l’extérieur et parfois soutenu par des colonnes ou des arcs
  • les arcades, une série d’arcs soutenus par des colonnes.
Les bustes, les sculptures de la tête et du torse d’une personne et les portraits étaient populaires à la Renaissance et dans les périodes ultérieures comme on le voit dans :
  • Donatello, Buste de Nicolas Uzzano, v. 1430
  • Hans Holbein le Jeune, Les Ambassadeurs, v. 1533
  • Raphaël, Portrait de Baldassare Castiglione, v. 1514-1515.
La perspective linéaire a été utilisée par de nombreux artistes de la Renaissance et l’est encore aujourd’hui pour montrer un espace réaliste.

Les œuvres d’art représentaient souvent des thèmes et des sujets religieux pendant la Renaissance.

Les œuvres d’art de la Réforme protestante étaient un rejet des œuvres d’art religieuses de l’Église catholique.

Les églises protestantes étaient souvent simples ou peintes en blanc.

Pendant la Réforme protestante, de nombreux artistes d’Europe du Nord se sont concentrés sur la vie quotidienne et morale des gens et ont exploré ces thèmes à travers des paysages, des portraits, des natures mortes et des peintures historiques.

Les œuvres religieuses sont devenues moins populaires et les artistes ont commencé à créer davantage d’œuvres non religieuses (laïques) pendant la Réforme protestante, comme on le voit dans :
  • Rachel Ruysch, Panier de fleurs, v. 1711
  • Rembrandt, La Ronde de nuit, v. 1642.
L’invention de la presse à imprimer a révolutionné la façon dont les livres et les images étaient créés et diffusés pendant la Réforme protestante.

Grâce à la presse à imprimer, les œuvres d’art de la Réforme protestante sont devenues plus accessibles à acheter.

En réponse à la Réforme protestante, l’Église catholique a provoqué la Contre-Réforme (le Concile de Trente 1545-1563), qui a encouragé un retour aux œuvres d’art religieuses, comme on le voit dans :
  • Basilique Saint-Pierre, v. 1506-1615
  • Caravage, Souper à Emmaüs, v. 1601.
Compréhension
Les arts visuels ont connu des changements importants pendant la Renaissance et la Réforme protestante.
Habiletés et procédures
Discuter de la différence entre les œuvres d’art de la Renaissance et celles de la Réforme protestante.

Voir diverses œuvres d’art de la Renaissance et de la Réforme protestante comme source d’inspiration pour parler et créer de l’art.
Connaissances
Les Lumières ont rejeté le mouvement artistique précédent, le Rococo, qui était élaboré et extravagant comme on le voit avec le château de Versailles, en France.

Le mouvement rococo a été rejeté parce qu’il présentait des œuvres d’art qui ne reflétaient pas le mode de vie des gens ordinaires.

Le mouvement artistique néoclassique qui a émergé pendant les Lumières mettait en avant les idées de liberté, de démocratie et de raison.

Les œuvres d’art de cette époque ont également été fortement influencées par la découverte de Pompéi, qui a ravivé l’intérêt pour l’art et l’architecture de la Grèce antique et de la Rome antique.

L’art néoclassique mettait l’accent sur le réalisme par l’utilisation de la symétrie et de compositions soigneusement organisées, comme on le voit dans Jacques-Louis David, Le Serment des Horaces, v. 1784.

Le néoclassicisme reflétait la culture des gens ordinaires pendant la Révolution française, car il embrassait les idéaux de liberté et d’égalité.

Compréhension
La façon dont les arts visuels sont compris et appréciés a changé au cours de l’histoire.

Habiletés et procédures
Voir les œuvres d’art des Lumières et de la Révolution française comme une source d’inspiration pour parler et créer de l’art.


Connaissances
Les œuvres d’art européen médiévales étaient souvent basées sur des personnes et des évènements tirés d’histoires religieuses et de mythes classiques, y compris :
  • des héros, des héroïnes et des dieux qui sont encore couramment cités dans la littérature anglaise, dans les noms de marque et dans les écrits et conversations de tous les jours
  • les personnes et les évènements racontés dans les récits juifs et chrétiens.
Le Livre de Kells est un manuscrit médiéval dans lequel des décorations, y compris des images et des bordures, accompagnent le texte.

Les tapisseries, y compris Les Tapisseries de la licorne, étaient des œuvres d’art tissées qui pouvaient communiquer de l’information sur :
  • l’histoire
  • les légendes
  • les enseignements religieux
  • la vie quotidienne.
Au Moyen Âge, l’architecture a souvent été construite en tenant compte de la protection des personnes à l’intérieur des bâtiments, y compris les châteaux sur des collines rocheuses et les maisons entourées de murs.

Des styles architecturaux du Moyen Âge existent encore aujourd’hui, dont certains sont visibles dans :
  • le style carolingien, avec la chapelle palatine d’Aix-la-Chapelle
  • le style gothique, avec l’Abbaye gothique de Westminster, Ancienne-Nouvelle Synagogue de Prague et Hôtel-Dieu
  • le style ostrogotique, avec la Basilique byzantin de Saint-Vital à Ravenne
  • le style romanesque ou normand, avec l’Abbaye de Cluny, la cathédrale de Durham et la cité de Carcassonne.
Les cathédrales gothiques ont été construites avec des styles architecturaux particuliers et importants, y compris des :
  • flèches
  • arcs brisés
  • arcboutants
  • rosaces
  • vitraux et statues
  • gargouilles.
Les cathédrales gothiques traditionnelles peuvent être vues aujourd’hui, comme :
  • la cathédrale Notre-Dame de Paris, France
  • la cathédrale Notre-Dame de Chartres à Chartres, France.
Les œuvres d’art de l’Islam médiéval décourageaient l’utilisation de formes et de motifs détaillés pour représenter la forme humaine.

Les œuvres d’art islamiques utilisent des formes d’art décoratif, y compris :
  • la calligraphie
  • la poterie populaire
  • les carpettes et les tapis.
Les motifs décoratifs sur la céramique et la poterie populaire comprennent des :
  • inscriptions et des proverbes
  • animaux, généralement des oiseaux du passé folklorique
  • motifs géométriques
  • régularités abstraites.
Les livres ou manuscrits islamiques étaient illustrés dans un style appelé enluminure, qui présentait souvent des régularités et des motifs complexes utilisant des formes géométriques, botaniques et animales.

Le tissage de la soie a donné naissance à la forme d’art des tapis dans l’art islamique, qui comprenait des motifs élaborés et des couleurs vives.

L’architecture islamique médiévale peut être vue dans :
  • L’Alhambra, 1238-1358, à Grenade, Espagne
  • La mosquée-cathédrale de Cordoue, 784-1146.
Une mosquée est un lieu de rassemblement central nécessaire pour la prière commune et les rassemblements communautaires.

Une mosquée hypostyle est une conception architecturale où le toit repose sur des piliers ou des colonnes.

Compréhension
La culture s’est révélée à travers les œuvres d’art du Moyen Âge.
Habiletés et procédures
Voir les œuvres d’art et l’architecture du Moyen Âge comme une source d’inspiration pour parler et créer de l’art.

Concevoir des œuvres d’art en utilisant les styles décoratifs du Moyen Âge.
Connaissances
Avant la colonisation des États Unis d’Amérique, les peuples autochtones avaient des traditions riches et historiques d’arts visuels qui continuent d’être célébrées aujourd’hui.

Avec la colonisation des États-Unis d’Amérique, les gens ont apporté une tradition artistique et artisanale large et variée, qui est devenue connue sous le nom d’art populaire.

La Révolution américaine était basée sur les idéaux des Lumières, et le style néoclassique se reflétait dans l’architecture des États-Unis à cette époque, comme on le voit avec la Maison-Blanche, à Washington, D.C.

Les œuvres d’art et les artistes américains sont célèbres pour leur contribution à la culture visuelle et à l’art moderne, et peuvent comprendre :
  • Andy Warhol, pop art
  • Jackson Pollock, expressionnisme abstrait
  • Jacob Lawrence, Renaissance de Harlem
  • Mark Rothko, peinture en couleur sur le terrain.
La Renaissance de Harlem (1917-1930) a été un mouvement artistique et culturel très riche aux États-Unis d’Amérique.

Pendant la Renaissance de Harlem, les artistes Noirs ont été libres d’exprimer leur vie et leur identité noire pour la première fois dans l’histoire américaine, comme on le voit dans :
  • Aaron Douglas, The Judgement Day, 1939
  • James Lesesne Wells, Looking Upward, 1928.
Compréhension
Les traditions des arts visuels existaient avant la colonisation des États-Unis d’Amérique et ont évolué au fur et à mesure de l’arrivée de nouveaux arrivants sur le territoire.
Habiletés et procédures
Discuter de la façon dont l’évolution de l’art aux États-Unis d’Amérique a été le reflet de la culture et des évènements historiques.

Créer des œuvres d’art dans le style d’un artiste américain.