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Beaux-artsArts visuels

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Les arts visuels permettent aux élèves de s’exprimer de manière créative, à mesure qu’ils grandissent dans leur capacité d’explorer, d’imaginer et de représenter leur compréhension du monde par le biais d’œuvres d’art. La connaissance fondamentale et la compréhension des éléments et des principes de l’art aident les élèves à développer leurs connaissances et leurs compétences en matière d’arts visuels. Grâce aux processus créatifs, les élèves apprennent que la pratique individuelle et collective des arts visuels favorise une expression artistique significative. La création et la présentation d’œuvres d’art permettent aux élèves d’exprimer des idées, des sentiments et des expériences en utilisant le vocabulaire, les compétences, les médias et les méthodes artistiques. Apprécier et interpréter les œuvres d’art, et y réagir, préparent les élèves à comprendre et à apprécier les œuvres d’art durables historiques, culturelles et contemporaines, et les artistes.
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Idée organisatrice
Éléments et principes fondamentaux : En arts visuels, la littératie est développée par la connaissance et l’application des éléments et principes fondamentaux.
Question directrice
Quel est le rôle de la ligne et de la forme dans les œuvres d’art?
Question directrice
Comment la compréhension des couleurs et des textures peut-elle contribuer à la création d’œuvres d’art?

Question directrice
Comment la couleur et la texture peuvent-elles enrichir les œuvres d’art lorsqu’elles sont combinées à d’autres éléments artistiques?

Résultat d’apprentissage
Les élèves examinent comment la ligne et la forme peuvent communiquer une signification dans les œuvres d’art.
Résultat d’apprentissage
Les élèves analysent la couleur comme un élément de l’art.

Les élèves examinent les différentes façons dont la texture peut être représentée dans les œuvres d’art.
Résultat d’apprentissage
Les élèves interprètent le rôle de la couleur dans les œuvres d’art.

Les élèves évaluent comment la texture peut contribuer aux détails d’une composition.
Connaissances
La dominance (principe de composition) peut amener le regard vers un point focal dans les œuvres d’art.

Une ligne peut être inclinée.

Une ligne peut apparaitre lorsqu’il y a un contraste entre d’autres lignes, formes ou couleurs, comme on le voit dans :
  • Jacob Lawrence, Parade, v. 1960
  • Léonard de Vinci, La Joconde, v. 1503.
La direction d’une ligne dans les œuvres d’art, y compris où et comment elle se déplace, peut indiquer un sens de profondeur ou de distance.

La perspective linéaire peut créer une illusion d’espace, selon l’endroit où les lignes apparaissent.

L’emplacement d’une ligne dans une œuvre d’art peut augmenter ou diminuer son poids visuel selon sa position dans le plan pictural.

La perspective linéaire avec un point de fuite contient des lignes verticales ou horizontales qui se rétractent vers un point de disparition à l’horizon, comme on le voit dans les dessins de voies ferrées ou de routes qui semblent disparaitre au loin.

Les lignes peuvent créer divers effets lorsqu’elles sont combinées, y compris des formes à trois dimensions.

Les hachures croisées sont une technique qui permet de créer des ombres et des effets de texture lorsque des lignes parallèles sont superposées à angle droit les unes par rapport aux autres.
Compréhension
L’emplacement d’une ligne dans les œuvres d’art a une incidence sur la façon dont elle est perçue.
Habiletés et procédures
Utiliser le vocabulaire des arts visuels pour décrire comment la direction d’une ligne peut guider l’œil ou indiquer un sentiment de profondeur ou de distance dans les œuvres d’art.

Créer des perspectives linéaires avec un point de fuite dans les œuvres d’art.

Intégrer un point focal dans les œuvres d’art.

Explorer comment les lignes peuvent être utilisées pour créer des ombres, des textures ou d’autres effets dans les œuvres d’art.
Connaissances
La couleur est une réponse visuelle aux longueurs d’onde de la lumière.

La couleur peut sembler changer de valeur lorsque la lumière est modifiée.

La couleur peut être détectée dans le spectre visible, comme on le voit dans les arcs-en-ciel et les prismes.

La teinte est le nom générique d’une couleur et définit l’état le plus pur d’une couleur dans le spectre visible.

Le spectre visible comprend les couleurs suivantes :
  • rouge
  • orange
  • jaune
  • vert
  • bleu
  • indigo
  • violet.
L’utilisation de la lumière dans les œuvres d’art peut être vue dans :
  • Elioth Gruner, Spring Frost, 1919
  • James Chapin, Ruby Green Singing, v. 1928
  • Johannes Vermeer, La Laitière, v. 1660.
Compréhension
La couleur est la lumière qui est réfléchie par un objet.
Habiletés et procédures
Examiner comment les artistes utilisent la couleur dans diverses œuvres d’art.

Explorer comment la lumière peut modifier la perception des couleurs.
Connaissances
La valeur claire d’une couleur est une teinte et la valeur foncée est une nuance.

Les teintes dégradées et les teintes rabattues peuvent être créées en ajoutant une couleur neutre à une teinte pure.

Les couleurs neutres vont du blanc au noir en passant par le gris.

La valeur d’une couleur peut augmenter ou diminuer en fonction de la clarté ou de l’obscurité, ce que l’on appelle la gradation.

L’ajustement de la valeur d’une couleur peut fournir un contraste dans les œuvres d’art.

La valeur peut donner l’illusion de masse ou de volume dans les œuvres d’art en deux dimensions.

Lorsque des couleurs ayant des valeurs ou des teintes différentes sont placées les unes à côté des autres dans une composition, l’illusion d’un bord, d’une forme ou d’une ligne peut apparaitre.

Une couleur monochromatique provient d’une seule teinte et peut être développée à l’aide de teintes rabattues et de teintes dégradées, comme on le voit dans :
  • Gustav Klimt, Portrait d’Adele Bloch-Bauer I, 1907
  • Hendrik van Anthonissen, Shipping in a Gale, v. 1656.
Compréhension
La couleur a la propriété physique de la valeur.

La valeur indique la clarté ou l’obscurité d’une couleur.
Habiletés et procédures
Explorer comment créer des teintes dégradées, des teintes rabattues et des gradations.

Observer et discuter de la façon dont les artistes emploient la valeur dans diverses œuvres d’art.

Expérimenter comment appliquer une couleur monochromatique à des œuvres d’art.

Examiner comment la couleur et la valeur peuvent créer un contraste dans les œuvres d’art.

Examiner comment l’illusion de masse ou de volume peut être créée en ajustant la valeur.
Connaissances
Les caractéristiques physiques de la ligne peuvent transmettre une émotion ou un tempérament :
  • Les lignes floues peuvent être porteuses d’incertitude.
  • Les lignes dentelées peuvent exprimer la colère.
  • Les lignes rebondissantes ou courbes peuvent transmettre la joie.
Les œuvres d’art qui soulignent les caractéristiques physiques de la ligne peuvent comprendre :
  • A. Y. Jackson, Winter Morning, Charlevoix County, 1933
  • Emily Carr, Autoportrait, 1938
  • Julie Mehretu, Refuge, 2007
  • Vincent van Gogh, La Nuit étoilée, v. 1889.
La direction d’une ligne peut véhiculer un message, dont les suivants :
  • Une ligne horizontale peut impliquer la sérénité ou la stabilité.
  • Une ligne diagonale peut impliquer de l’agitation, du mouvement ou de l’instabilité.
  • Une ligne verticale peut signifier l’équilibre ou l’aspiration.
Les lignes peuvent être utilisées pour représenter le sujet de la manière la plus réaliste possible, comme on le voit dans :
  • Léonard de Vinci, Portrait d’un homme à la craie rouge, 1512
  • Rembrandt van Rijn, Maisons sous un ciel de tempête, v. 1641
  • Rembrandt van Rijn, Autoportrait, Rembrandt aux yeux hagards, 1630
  • Le Rouleau de Qingmingjie, v. 1100.
Une peinture murale est un tableau sur un mur. Les exemples peuvent comprendre :
  • Diego Rivera, Une histoire de la médecine, v. 1953
  • Lance Cardinal, Love of Nations, v. 2019.
Compréhension
La ligne peut communiquer un sens dans la manière dont elle est appliquée dans les œuvres d’art.
Habiletés et procédures
Interpréter ce que les lignes de messages peuvent communiquer dans les œuvres d’art.

Utiliser la ligne comme moyen de communiquer le sens des œuvres d’art.

Expérimenter avec des lignes et des formes pour dessiner divers sujets par observation directe.
Connaissances
De nombreuses variations de couleurs peuvent être créées en mélangeant des couleurs.

Les couleurs peuvent compléter d’autres couleurs.

La proportion de couleur utilisée lors du mélange d’une nouvelle couleur peut affecter la couleur résultante.

L’utilisation de couleurs secondaires dans les œuvres d’art peut être vue dans :
  • Helen Frankenthaler, Blue Atmosphere, v. 1963
  • Mark Rothko, Red, Orange, Tan and Purple, v. 1954
  • Paul Gauguin, Montagnes tahitiennes, v. 1892.
La couleur peut être utilisée pour créer une dominance, des points focaux et des contrastes, comme on le voit dans Diego Rivera, La Piñata, s.d.
Compréhension
La couleur est un élément de l’art qui est catégorisé par :
  • les couleurs primaires, c’est-à-dire le rouge, le bleu et le jaune
  • les couleurs secondaires, c’est-à-dire l’orange, le violet et le vert.
Les couleurs secondaires sont créées par le mélange de deux couleurs primaires.
Habiletés et procédures
Expérimenter avec le mélange des couleurs et l’application de la couleur.

Appliquer la couleur pour créer une mise au point par l’utilisation du contraste ou de la dominance dans les œuvres d’art.

Évaluer l’utilisation des couleurs primaires et secondaires dans diverses œuvres d’art.

Décrire comment la couleur peut renforcer l’effet visuel d’une œuvre d’art.

Appliquer diverses combinaisons de couleurs dans une composition.
Connaissances
La couleur peut exprimer ou représenter des sentiments et créer une ambiance.

La couleur peut être décrite comme ayant une température qui est :
  • chaude, qui comprend le rouge, l’orange et le jaune
  • froide, qui comprend le bleu, le vert et le violet.
Les couleurs chaudes et froides d’une œuvre d’art peuvent avoir un effet émotionnel sur le spectateur.

Des exemples de couleurs chaudes peuvent être vus dans :
  • Ted Harrison, Flying South, 1993
  • Vincent van Gogh, Les Tournesols, v. 1888.
Des exemples de couleurs froides peuvent être vus dans :
  • Alex Colville, Vers l’Île-du-Prince-Édouard, 1965
  • Katsushika Hokusai, La Grande Vague de Kanagawa, v. 1829-1832.
L’harmonie est un principe de composition qui peut être réalisé en combinant des couleurs agréables à l’œil.

La combinaison des couleurs peut créer un sentiment d’harmonie ou de contraste dans les œuvres d’art, comme dans Tom Thomson, Le Pin, 1916-1917.

Les couleurs peuvent être interprétées de manière à compléter une autre couleur, y compris les paires de couleurs :
  • jaune-violet
  • rouge-vert
  • bleu-orange.
Deux couleurs complémentaires créent une couleur neutre lorsqu’elles sont mélangées.
Compréhension
La couleur peut avoir une influence sur la réaction du spectateur à une œuvre d’art.

Les gens ont différentes préférences de couleur.
Habiletés et procédures
Décrire comment l’utilisation de couleurs chaudes et froides contribue à une composition.

Explorer comment la couleur peut créer une harmonie ou un contraste dans les œuvres d’art.

Explorer l’effet de l’utilisation de couleurs chaudes et froides dans les œuvres d’art.

Évaluer l’utilisation de la couleur dans les œuvres d’art pour représenter des sentiments et créer une ambiance.

Exprimer des préférences liées à l’utilisation de la couleur dans les œuvres d’art.

Expérimenter la façon de créer des couleurs neutres en mélangeant des couleurs complémentaires.
Connaissances
La forme est un espace clos qui se distingue de son environnement.

La forme peut créer de l’espace dans les œuvres d’art, y compris :
  • positif, se référant à la forme elle-même
  • négatif, se référant à l’espace entourant la forme.
L’utilisation de l’espace positif et négatif dans les œuvres d’art peut être vue dans :
  • Alexander Calder, Lobster Trap and Fish Tail, v. 1939
  • André Kertész, Autoportrait, v. 1926
  • Kenojuak Ashevak, Enchanted Owl, 1960
  • Les jarres à graine des Anasazis, v. 1150.
La même forme peut sembler stable (statique) ou en mouvement (dynamique) selon la façon dont elle est disposée dans les œuvres d’art, comme on le voit dans :
  • la forme statique :
    – David Smith, Cubi IX, v. 1961
  • la forme dynamique :
    – Albert Gleizes, p Brooklyn Bridge, 1915
    – Bridget Riley, Amnesia, v. 1964
    – Christi Belcourt, The Conversation, 2002.
L’architecture dans différentes parties du monde peut représenter la forme, comme on le voit dans :
  • Basilica de la Sagrada Familia, Antoni Gaudí, en construction depuis 1882
  • Le grand stũpa, en Inde, construit au 3e siècle av. J.-C.
  • Le temple de Mahabodhi à Bodhgaya, construit aux 7e et 8e siècles.
Compréhension
La forme peut être implicite lorsqu’elle n’est pas définie par un contour.
Habiletés et procédures
Décrire comment les formes peuvent sembler stables ou en mouvement.

Illustrer l’utilisation positive et négative de la forme et de l’espace.

Expérimenter comment la forme peut émerger en raison du contraste avec d’autres formes, lignes, valeurs, textures et couleurs.
Connaissances
La texture peut être créée en superposant ou en combinant les lignes, les formes et les couleurs.

Les outils, les techniques, les matériaux et les médias peuvent être utilisés et combinés pour créer une texture.

Les hachures et les hachures croisées peuvent créer une texture grâce à l’utilisation de la ligne.

La peinture peut être appliquée en couche épaisse ou fine pour créer l’effet de texture souhaité.

La texture peut être appliquée à des œuvres d’art en deux ou en trois dimensions, comme on le voit dans :
  • Justin Gaffrey, Seascapes Collection, v. 2018-2020
  • La tête d’Ife, Yoruba, v. le 13e siècle.
Voici quelques exemples de texture dans diverses œuvres d’art :
  • Claude Monet, Champs de tulipes en Hollande, v. 1886
  • Justin Gaffrey, Seascapes Collection, v. 2018-2020
  • Mary Pratt, Gelée de cassis rouges, v. 1972
  • Vincent van Gogh, Autoportrait, v. 1889.
Compréhension
La texture est un élément qui est présent dans les œuvres d’art.

La texture peut être utilisée pour créer un intérêt visuel ou des illusions dans les œuvres d’art.
Habiletés et procédures
Appliquer une texture à des œuvres d’art en deux et en trois dimensions.

Utiliser le vocabulaire des arts visuels pour décrire comment la texture peut être utilisée pour créer un effet dans les œuvres d’art.
Connaissances
Les pigments utilisés dans les œuvres d’art aujourd’hui sont généralement fabriqués.

Les pigments naturels proviennent de la terre et se trouvent dans les plantes, les animaux et les minéraux, y compris :
  • l’argile
  • l’hématite, un minerai de fer de couleur noire, argentée, grise, brune ou rouge
  • le charbon de bois.
Les pigments sont des matières colorées qui sont généralement insolubles dans l’eau, à moins d’être d’abord broyées en une fine poudre.

Des pigments sont ajoutés aux peintures pour leur donner de la couleur.

La qualité de la couleur ou du pigment peut varier selon le média.
Compréhension
La couleur est déterminée par les pigments d’un objet ou d’un matériau.
Habiletés et procédures
Étudier l’origine des pigments naturels et leur utilisation dans le passé.
Connaissances
Une forme à deux dimensions peut être transformée en une forme à trois dimensions aussi appelée forme tridimensionnelle.

Une forme à deux dimensions peut avoir un aspect en trois dimensions en ajoutant des lignes et des ombres pour donner l’illusion de masse ou de volume.

La sculpture et l’architecture utilisent des formes dans un contexte en trois dimensions comme on le voit dans :
  • la sculpture :
    – Beau Dick, Moogums, 1985
    – Edgar Degas, La Petite Danseuse de quatorze ans, v. 1880
    Female Pwo Mask, Tchokwés, début du 20e siècle
    Le Cheval au galop volant, de Wuwei, en Chine
  • l’architecture :
    Baitun Nur Mosque, Naseer Ahmad, Calgary, Alberta
    Habitat 67, Moshe Safdie, Montréal, Québec
    Biosphère (Montréal), Richard Buckminster Fuller.
Compréhension
La forme peut être à deux ou à trois dimensions.
Habiletés et procédures
Distinguer les formes à deux et à trois dimensions.

Déterminer comment les lignes et les ombres peuvent être ajoutées à des formes à deux dimensions pour créer une forme à trois dimensions.
Connaissances
La texture réelle est la sensation ressentie lorsqu’on touche un objet.

Les caractéristiques de la texture peuvent être décrites à l’aide de mots, y compris :
  • plissée ou lisse
  • douce ou rude
  • poilue ou rugueuse.
La texture simulée donne l’impression de ce que l’on ressentirait au toucher, comme on le voit dans Albrecht Dürer, Le Lièvre, v. 1502.

La texture existe sur les objets naturels et manufacturés.

La texture d’un objet plait à certains individus, mais pas à d’autres.
Compréhension
La texture a des caractéristiques ou des qualités de surface qui sont uniques à un objet.
Habiletés et procédures
Faire la différence entre la texture réelle et la texture simulée des œuvres d’art et de l’environnement.

Décrire les préférences liées à la texture des œuvres d’art.
Connaissances
La texture peut être invitante, en suscitant une réponse positive telle que la curiosité, ou moins invitante, en provoquant une réponse négative telle que le dégout.

La texture peut être appliquée aux œuvres d’art de manière subtile ou exagérée.

Plusieurs textures peuvent être appliquées pour créer un contraste pour l’effet.

Le collage est une sorte d’œuvre d’art créée en utilisant différents matériaux dont la texture peut
varier, y compris :
  • le papier
  • les photographies
  • le tissu
  • le fil
  • le plastique.
L’art textile est créé en utilisant des matériaux qui ont une texture, y compris :
  • les fibres ou les fils
  • le fil et l’aiguille pour créer des coutures
  • la teinture de tissus
  • le batik ou la résistance à la teinture.
La texture peut créer un effet dans les œuvres d’art, comme on le voit dans :
  • Christi Belcourt, Nathalie, 2014
  • Faith Ringgold, Woman on a Bridge #1 of 5: Tar Beach, v. 1988.
La texture a contribué à l’architecture historique, comme on le voit dans :
  • le Palais nasrides de l’Alhambra, en Espagne
  • le dôme du Rocher, la mosquée d’Omar à Jérusalem
  • le Taj Mahal, en Inde.
Compréhension
La texture peut créer un effet visuel qui est réaliste et crée une ambiance dans les œuvres d’art.

La texture peut renforcer l’impact visuel des œuvres d’art.
Habiletés et procédures
Explorer comment la texture peut être utilisée pour créer un effet visuel.

Décrire comment l’utilisation de la texture peut susciter une réaction de la part d’un spectateur.

Utiliser divers matériaux pour créer des textures dans les œuvres d’art.

Utiliser le vocabulaire des arts visuels pour discuter de la façon dont la texture existe dans les œuvres d’art en trois dimensions.
Connaissances
La variété (principe de composition) peut être obtenue en combinant des formes avec d’autres éléments de l’art, comme on le voit dans :
  • Sandra Brewster, From Life 3, 2015
  • Wassily Kandinsky, Carrés et cercles concentriques, v. 1913.
L’utilisation fondamentale et complexe des formes dans les œuvres d’art peut être vue dans :
  • Antoni Gaudi, El Drac, v. 1900-1914
  • Laurena Fineus, Ici repose, 2019
  • Marc Chagall, Moi et le village, v. 1911
  • Okon Akpan Abuje, Funerary shrine cloth, v. fin des années 1970.
Les formes de base peuvent être transformées en de nouvelles formes ou en des formes complexes en :
  • ajustant leur taille
  • ajustant leur contour
  • les chevauchant
  • les reliant afin de créer une seule forme couvrant leurs parties par une autre forme.
Compréhension
Les formes peuvent être combinées pour créer de nouvelles formes ou des formes plus complexes.
Habiletés et procédures
Analyser comment des formes complexes peuvent être décomposées en formes de base.

Expérimenter des façons d’utiliser des formes de base et des formes complexes dans des œuvres d’art.

Observer et discuter de la façon dont la variété des lignes, des formes ou des couleurs peut apparaitre dans les œuvres d’art.
Connaissances
La forme peut créer l’illusion de profondeur et de distance grâce à des techniques telles que la superposition, le chevauchement et les changements de taille.

Les formes peuvent être utilisées pour représenter le sujet de manière aussi réaliste que possible dans les natures mortes comme on le voit dans :
  • Paul Cézanne, Pommes et oranges, v. 1899
  • Willem van Aelst, Nature morte de fleurs, v. 1665.
Les formes et les lignes peuvent être organisées de manière à obtenir un équilibre symétrique dans les œuvres d’art et l’architecture, comme on le voit dans :
  • L’édifice de l’Assemblée législative de l’Alberta, Allan Merrick Jeffers et Richard Blakey, Edmonton, Alberta
  • American 19th Century Cutout of Animals, deuxième quart du 19e siècle
  • Tapis de Ardabil, 1539-1540.
L’équilibre asymétrique est vu dans les œuvres d’art où chaque moitié de l’œuvre est différente, mais a toujours un équilibre visuel, comme on le voit dans :
  • Daphne Odjig, Tribute to the Great Chiefs of the Past, 1973.
  • Jacques-Louis David, Le Serment des Horaces, v. 1784
  • Ruben Komangapik, Light is Life, 2002.
Compréhension
Les formes peuvent transmettre un sens dans la façon dont elles sont organisées dans les œuvres d’art.
Habiletés et procédures
Discuter de la manière dont les formes sont utilisées dans les œuvres d’art pour transmettre un message.

Expérimenter la façon d’obtenir un équilibre symétrique et asymétrique dans les œuvres d’art.

Expérimenter comment les formes peuvent être utilisées pour montrer la profondeur et la distance.
Idée organisatrice
Créer et présenter : Les idées peuvent être représentées par des œuvres d’art qui s’appuient sur les connaissances fondamentales des arts visuels.
Question directrice
Comment les messages peuvent-ils être représentés visuellement?
Question directrice
Comment les messages des arts visuels peuvent-ils refléter ce que nous valorisons et comprenons?
Question directrice
Comment un récit peut-il contribuer à la création et à la présentation d’œuvres d’art?
Résultat d’apprentissage
Les élèves expérimentent comment les messages peuvent être communiqués à travers les arts visuels.
Résultat d’apprentissage
Les élèves représentent les messages par des choix artistiques liés aux éléments de l’art.
Résultat d’apprentissage
Les élèves utilisent la narration comme structure pour organiser les idées dans les œuvres d’art.
Connaissances
Les artistes communiquent des messages sur leurs œuvres d’art par le biais :
  • de l’écriture au sujet de l’art
  • des titres
  • de discussions à propos de l’art
  • de l’utilisation du vocabulaire des arts visuels.
Compréhension
Un message peut être communiqué par la langue parlée et écrite.
Habiletés et procédures
Présenter un titre et une description pour une œuvre d’art qui intègre le vocabulaire des arts visuels.

Discuter de ses interprétations d’œuvres d’art avec les autres.
Connaissances
Les outils, les techniques, les matériaux et les médias peuvent être utilisés de manière traditionnelle ou non traditionnelle pour créer un message.

De nouvelles méthodes de création artistique peuvent être révélées par l’expérimentation et des découvertes inattendues.

Un message dans les arts visuels peut transmettre un sens par l’utilisation d’illusions dans les œuvres d’art.

Des illusions telles que la profondeur, la distance ou le mouvement peuvent être créées par :
  • la ligne : la perspective linéaire ou la perspective linéaire avec un point de fuite
  • la couleur : la gradation de la couleur
  • la texture : les hachures, les hachures croisées et la superposition
  • la forme : la superposition de formes, le chevauchement, le changement de taille et de position sur le plan pictural
  • la valeur : les teintes dégradées et les teintes rabattues.
L’utilisation de la couleur, y compris du noir et du blanc, peut créer des illusions d’optique dans l’art lorsqu’elle est combinée avec la forme, l’espace et les lignes.

La ligne peut être utilisée pour créer de la profondeur et de la distance comme dans les paysages qui présentent un deuxième plan, un arrière-plan et un avant-plan.

Les principes de composition, y compris la dominance et le contraste, peuvent guider la manière dont les artistes utilisent les éléments de l’art pour créer un message.
Compréhension
Les artistes choisissent intentionnellement des moyens de faire passer un message de manière efficace.

Les artistes peuvent combiner les éléments de l’art d’un nombre infini de façons pour communiquer un message.
Habiletés et procédures
Créer des œuvres d’art par le biais de choix artistiques expérimentaux et éclairés.

Explorer comment la couleur, la ligne, la forme et la texture peuvent être combinées dans un but précis dans les œuvres d’art.

Expérimenter comment les principes de composition peuvent améliorer la communication d’un message.

Créer des œuvres d’art qui présentent des illusions de profondeur, de distance ou de mouvement.

Explorer les différentes façons de créer des œuvres d’art en deux et en trois dimensions qui reflètent un message.
Connaissances
L’inspiration pour une narration peut venir :
  • des histoires
  • de la musique
  • de différentes formes de médias
  • de personnes ou de personnages réels
  • des expériences
  • de l’imagination
  • de l’environnement.
Un récit dans les arts visuels peut ou non représenter une séquence d’évènements dans l’ordre où ils se sont produits.

Différents médias peuvent être utilisés pour illustrer l’ordre des évènements dans un récit, y compris les scénarimages, les peintures et les arts textiles.

Les images peuvent être regroupées en ensembles (diptyque ou triptyque) comme on le voit dans :
  • Andrew Salgado, 20 Years, 2014
  • Robert Campin, Le Triptyque de Mérode, v. 1427-1432
Un récit artistique peut être représenté dans des œuvres en deux ou en trois dimensions, comme on le voit dans :
  • Basawan et Chetar Munti, Akbar apprivoise Hawai, l’éléphant fou, v. 1561
  • Helen Granger Young, Les Célèbres cinq, v. 2010.
La structure d’une narration dans les arts visuels peut être représentée à l’aide de motifs, de métaphores et de thèmes.
Compréhension
Un récit dans les œuvres d’art peut être illustré sous forme de représentation partielle ou complète.

Un récit peut être factuel ou fictif.
Habiletés et procédures
Choisir une inspiration pour représenter une narration.

Créer des œuvres d’art en deux et en trois dimensions pour transmettre un récit.
Connaissances
Les éléments de l’art qui peuvent communiquer un message dans les œuvres d’art comprennent :
  • l’utilisation de la couleur
  • la variété des caractéristiques physiques de la ligne
  • l’ajustement de la valeur
  • l’ajout de formes
  • l’ajustement du contour de la ligne et de la forme
  • l’organisation de la ligne, de la forme et de la couleur
  • l’ajout de texture.
L’équilibre, la variété et le contraste (principes de composition) peuvent aider à guider la manière dont un message est communiqué au sein des œuvres d’art.

L’ambiance ou l’émotion véhiculée dans une œuvre d’art peut être influencée par :
  • les expériences personnelles
  • les évènements
  • les souvenirs
  • la culture
  • l’utilisation des éléments de l’art.
Les caractéristiques physiques de la ligne peuvent être utilisées pour représenter le sujet de manière réaliste.

Les artistes peuvent choisir un type de média particulier pour communiquer la manière dont un message est révélé dans les œuvres d’art.

Les cultures peuvent communiquer un message en utilisant :
  • les idéogrammes
  • les symboles imagés
  • les objets
  • les sons
  • les lettres
  • les nombres
  • la notation musicale.
Compréhension
La communication non verbale d’un message dans les arts visuels peut être exprimée de différentes manières.

Un message transmis par les arts visuels peut véhiculer diverses émotions et d’expériences.
Habiletés et procédures
Examiner comment les lignes et les formes peuvent former des symboles qui communiquent un message.

Faire des choix artistiques pour façonner l’élaboration d’un message dans les arts visuels.

Appliquer les principes de composition aux œuvres d’art.

Explorer comment représenter l’ambiance ou l’émotion dans les œuvres d’art.
Connaissances
Les messages peuvent représenter différentes choses, y compris des idées, des expériences et des sentiments.

L’inspiration pour créer un message dans les arts visuels peut provenir de diverses sources, y compris d’autres artistes ou œuvres d’art, de l’imagination ou d’histoires.

Le cercle est un symbole qui peut communiquer un message dans les arts visuels, y compris le lien, l’unité et les cycles.

Le cercle dans les formes d’arts visuels des Premières Nations, des Métis ou des Inuit est utilisé pour symboliser les éléments et les régularités du monde naturel.

Les messages en arts visuels peuvent être transmis par l’utilisation de régularités, de signes et de symboles.

Les processus créatifs peuvent aider un artiste à clarifier ce qu’il veut communiquer.

Le message qu’un artiste veut communiquer par le biais d’une œuvre d’art peut être clarifié :
  • par l’utilisation de titres et de descriptions
  • en prenant du recul pour voir et réfléchir sur l’œuvre d’art
  • en discutant de l’œuvre d’art avec d’autres personnes.
Les messages peuvent susciter différentes réactions de la part d’un spectateur en fonction de ses croyances, de ses préférences et de ses sentiments.

Les œuvres d’art peuvent être créées pour un public cible.

Certains sujets ou thèmes représentés par les œuvres d’art peuvent être sensibles pour certains spectateurs.
Compréhension
Le message est au centre de la communication dans les arts visuels.

Voir l’art, c’est recevoir et interpréter les messages communiqués par les œuvres d’art.

Les messages peuvent représenter ce qu’un artiste veut dire pour communiquer à travers des œuvres d’art.
Habiletés et procédures
Créer des œuvres d’art basées sur une inspiration.

Créer un message dans les œuvres d’art en utilisant des régularités, des signes et des symboles.

Créer un titre et une description pour accompagner une œuvre d’art.

Utiliser des processus créatifs lors de la représentation d’un message dans des œuvres d’art.

Participer en tant qu’artiste et en tant que spectateur à diverses expériences d’arts visuels.
Connaissances
L’expression de groupe dans les arts visuels peut être observée dans les peintures murales, les œuvres d’art communautaires et les artéfacts culturels.

Les points de vue ou perspectives peuvent refléter des idées, des expériences et la culture.

Les couleurs chaudes et froides peuvent représenter des sentiments dans une narration.

La texture peut créer une ambiance ou susciter une réaction émotionnelle lorsqu’elle est incorporée dans les œuvres d’art.

Les principes de composition, y compris l’harmonie et le contraste, peuvent influencer la façon dont les éléments de l’art s’associent pour communiquer un récit.
Compréhension
Une narration peut communiquer des points de vue ou des perspectives d’un individu ou d’un groupe.

Les sentiments et l’ambiance peuvent être interprétés visuellement grâce à l’utilisation de lignes, de formes et de couleurs.
Habiletés et procédures
Créer des œuvres d’art à partir de différentes perspectives.

Explorer comment les principes de composition peuvent améliorer la communication d’un récit.

Explorer comment les éléments de l’art peuvent être utilisés pour communiquer l’ambiance ou les sentiments.

Examiner comment les éléments de l’art peuvent être utilisés pour représenter la perspective dans les œuvres d’art.
Connaissances
Un message dans les arts visuels peut être élaboré, envoyé, reçu et interprété.

Les présentations d’œuvres d’art peuvent se faire dans le cadre d’évènements informels, comme dans une classe d’art, ou d’évènements formels, comme des expositions d’art ou des galeries d’art.

Une œuvre d’art peut refléter le style d’un artiste, qui peut lui-même refléter des préférences personnelles liées à la création de l’art.

L’empathie et les perspectives peuvent être acquises en créant, en regardant et en parlant de l’art.

Les attentes en matière de participation aux arts visuels, connues sous le nom de protocoles artistiques et étiquette, peuvent changer en fonction du contexte de l’expérience.
Compréhension
La communication d’un message implique l’artiste et le public.

Les spectateurs peuvent avoir des sentiments différents à l’égard des œuvres d’art.
Habiletés et procédures
Participer en tant qu’artiste et en tant que spectateur à diverses expériences artistiques.

Partager des œuvres d’art avec d’autres.

Faire la démonstration de la compréhension des protocoles artistiques et de l’étiquette dans le cadre de diverses expériences d’arts visuels.

Créer des œuvres d’art qui expriment des préférences personnelles.
Connaissances
Un artiste peut façonner un récit en utilisant :
  • les éléments de l’art
  • les processus créatifs
  • les médias
  • les outils, les techniques et les méthodes
  • l’expérimentation ou des choix artistiques éclairés.
Un conservateur choisit la manière dont les œuvres sont exposées, ce qui peut influencer la manière dont un récit est présenté.

De l’information supplémentaire sur une narration peut être communiquée par des titres et des descriptions sur l’œuvre d’art.

Une narration racontée à travers les arts visuels peut être combinée avec d’autres formes d’art, y compris la danse, l’art dramatique et la musique.
Compréhension
Un récit dans les arts visuels peut être façonné par l’artiste, le conservateur ou le spectateur.

La réaction d’un spectateur à une œuvre d’art peut être une réaction à la façon dont l’œuvre est présentée ou créée.
Habiletés et procédures
Faire des choix artistiques expérimentaux et éclairés lors de la création d’œuvres d’art.

Accompagner les œuvres d’art de titres et de descriptions d’une narration.

Expérimenter la façon dont l’exposition à une œuvre d’art peut influencer la façon dont elle est vue.
Connaissances
Les processus créatifs peuvent comprendre :
  • d’élaboration d’une idée
  • le fait de donner et de recevoir de la rétroaction
  • l’expérimentation
  • l’entrainement
  • la réflexion.
Élaborer une idée en arts visuels peut impliquer la pensée créative et la résolution de problèmes.

Les artistes peuvent prendre du recul pour voir leur œuvre et en discuter avec d’autres avant de considérer qu’elle est terminée.
Compréhension
L’élaboration d’un message dans les arts visuels peut impliquer des processus créatifs.

Les messages peuvent être clairement communiqués lorsque des éléments d’art sont combinés avec un objectif.

Les problèmes liés à la création artistique peuvent être résolus en demandant une rétroaction et en s’exerçant.
Habiletés et procédures
Appliquer des processus créatifs lors de la création d’œuvres d’art.

Ajouter la touche finale à une œuvre d’art.
Idée organisatrice
Appréciation : La reconnaissance de la beauté, de la bonté et de la vérité à travers les arts visuels peut être développée en comprenant la complexité et de la richesse des grandes œuvres d’art, les artistes qui les créent, et les contextes historiques et culturels dont elles sont issues.
Question directrice
Comment les cultures du passé et du présent peuvent-elles contribuer à l’appréciation des arts visuels?
Question directrice
Comment une compréhension de la culture peut-elle contribuer à l’apprentissage des arts visuels dans la Rome antique et la Nouvelle-France?
Question directrice
Quel est le rôle de la culture dans la formation des arts visuels de l’Europe médiévale, de l’Islam médiéval et de l’Alberta?
Résultat d’apprentissage
Les élèves étudient la culture en relation avec les œuvres d’art de la Grèce antique et d’aujourd’hui.

Les élèves examinent la culture à travers les œuvres d’art des Premières Nations, des Métis et des Inuit.
Résultat d’apprentissage
Les élèves établissent un lien entre les cultures des arts visuels du passé et celles de l’époque moderne.
Résultat d’apprentissage
Les élèves racontent comment la culture se reflète dans les arts visuels à travers le temps et les lieux.
Connaissances
Les expériences dans le domaine des arts visuels peuvent impliquer l’apprentissage au sujet d’œuvres d’art du passé et des personnes qui les ont créées.

Les éléments individuels d’une œuvre d’art peuvent communiquer la culture, y compris l’utilisation de la couleur, de la ligne, des formes et des médias.

Les gens de la Grèce antique appréciaient la poterie comme une forme d’art et ils fabriquaient des vases qui étaient admirés pour leur beauté et leur fonction.

En Grèce antique, les vases étaient généralement peints en noir et rouge en utilisant une plume ou une queue d’animal comme pinceau.

En Grèce antique, les artistes avaient leur propre style pour peindre des vases qui comprenaient généralement :
  • des formes géométriques
  • des images d’humains et d’animaux
  • des scènes de vie familiale
  • des histoires.
Les gens de la Grèce antique ont introduit la technique consistant à ajouter les plis dans les tissus aux peintures.

Les gens de la Grèce antique ont réalisé des sculptures très réalistes de personnes en marbre et en bronze, comme on le voit dans :
  • Niké, 490
  • Victoire ailée de Samothrace, 190 av. J.-C.
L’architecture de la Grèce antique a été inspirée par l’Égypte ancienne, comme on le voit dans :
  • Palais de Knossos
  • La porte des Lionnes du palais d’Agamemnon
  • L’acropole d’Athènes
  • L’Agora.
Le Parthénon est un temple d’Athènes qui met en valeur :
  • la symétrie
  • la longueur et la largeur
  • la taille et l’espacement des colonnes
  • les proportions.
Compréhension
La culture est ce que font les gens et est aussi une façon de penser.

Les œuvres d’art de différentes époques et de différents lieux peuvent être représentatives d’une culture.
Habiletés et procédures
Déterminer comment la culture peut être communiquée à travers différents types d’œuvres d’art.

Examiner les œuvres d’art et l’architecture de la Grèce antique comme source d’inspiration pour parler de l’art et en créer.

Discuter de l’utilisation de la symétrie dans l’architecture de la Grèce antique.
Connaissances
De l’époque historique à nos jours, les cultures valorisent les œuvres d’art pour diverses raisons, y compris :
  • la beauté
  • l’expression artistique
  • l’expression culturelle ou religieuse
  • la représentation d’une culture ou d’une société
  • la documentation historique.
L’utilisation d’un vocabulaire lié aux éléments de l’art peut contribuer à la discussion sur l’art.

Les protocoles artistiques et l’étiquette peuvent changer en fonction de la communauté, de la culture ou de la présentation des œuvres d’art.

Les sujets ou thèmes exprimés par les œuvres d’art peuvent avoir une signification particulière pour la culture, le temps et le lieu où les œuvres ont été créées.
Compréhension
Les œuvres d’art ont une valeur différente selon les cultures au cours de l’histoire.

Les communautés artistiques peuvent être un lieu d’expression artistique au sein de diverses cultures.
Habiletés et procédures
Décrire comment les œuvres d’art sont valorisées dans la vie et la culture d’une personne.

Faire la démonstration de comment suivre les protocoles artistiques et l’étiquette dans diverses expériences d’arts visuels.

Utiliser le vocabulaire des arts visuels pour répondre à des œuvres d’art.
Connaissances
La culture peut être améliorée lorsque les communautés artistiques participent, communiquent, s’engagent, et partagent les responsabilités.

La culture d’une communauté artistique peut soutenir l’inclusion bienveillante et respectueuse de tous les participants.
Compréhension
Lorsque les communautés s’unissent par le biais des arts, la culture peut être apprise.

La culture d’une communauté artistique consiste à partager des façons d’être ensemble et d’atteindre des objectifs communs.
Habiletés et procédures
Participer aux arts visuels en tant que membre d’une communauté artistique.

Démontrer comment les rôles et responsabilités artistiques contribuent au sentiment d’appartenance à une communauté.
Connaissances
Les œuvres d’art des Premières Nations, des Métis et des Inuit peuvent refléter certains aspects de la culture, y compris :
  • l’histoire
  • les relations
  • les modes de vie
  • les enseignements traditionnels.
Les artistes des Premières Nations, des Métis et des Inuit utilisent souvent des matériaux provenant du monde naturel, y compris :
  • l’écorce
  • la peau d’animal
  • la fourrure
  • les plumes
  • les piquants de porc-épic
  • les tendons
  • les os
  • les écailles de poisson
  • les baies
  • le fer et le cuivre
  • les racines.
Les formes d’art traditionnelles des Premières Nations, des Métis et des Inuit peuvent comprendre :
  • le perlage
  • l’art avec des écailles de poisson
  • la sculpture sur ivoire et pierre à savon
  • la sculpture sur bois
  • la sculpture
  • les textiles
  • le tissage.
La création artistique dans les communautés des Premières Nations, des Métis et des Inuit peut être de nature holistique et présenter des avantages individuels et collectifs, y compris :
  • le bienêtre social
  • la santé physique
  • le lien spirituel
  • le bienêtre émotionnel et mental
  • le développement intellectuel.
Les œuvres d’art des Premières Nations, des Métis et des Inuit sont souvent inspirées par le monde naturel et les histoires, comme on le voit dans :
  • Bill Reid, Killer Whale, Chief of the Undersea World, v. 1984
  • Elsie Klengenberg, Going Down River, 1989
  • Jason Carter, Play Grizzly, v. 2009.
Compréhension
La culture peut être révélée par les œuvres d’art des Premières Nations, des Métis et des Inuit.

Un sentiment de communauté et de bienêtre parmi les participants peut être établi grâce aux œuvres d’art des Premières Nations, des Métis et des Inuit.

Habiletés et procédures
Discuter de la manière dont la culture peut être communiquée par le biais des œuvres d’art des Premières Nations, des Métis et des Inuit.

Regarder les œuvres d’artistes des Premières Nations, des Métis et des Inuit comme source d’inspiration pour parler de l’art.

Discuter de la manière dont la création d’œuvres d’art peut contribuer au bienêtre personnel.

Connaissances
Les œuvres d’art de la Rome antique ont été inspirées par les Grecs de l’Antiquité et d’autres cultures anciennes.

Les œuvres d’art de la Rome antique étaient appréciées pour leur capacité à communiquer les modes de vie et les évènements historiques.

Les arcs en plein cintre étaient si courants dans l’architecture romaine que ces arcs sont aujourd’hui connus sous le nom d’arcs romains.

Les principes de composition, y compris l’équilibre, la répétition et l’harmonie, s’appliquent à l’architecture de la Rome antique et se retrouvent dans :
  • la Basilique de Maxence et Constantin
  • le Pont du Gard
  • le Théâtre Antique d’Orange
  • Le Colisée
  • Le Panthéon.
La poterie romaine était une forme d’art fonctionnelle dans la Rome antique et était catégorisée comme suit :
  • La poterie fine était une pièce formelle et décorative.
  • La poterie grossière était utilisée à des fins quotidiennes, comme la cuisson ou le l’entreposage des aliments.
La poterie de la Rome antique était gravée et émaillée comme une forme de décoration, contrairement à la poterie grecque qui était peinte avec des dessins et des images.

Des œuvres d’art de la Rome antique ont été retrouvées à Pompéi et comprennent :
  • des peintures murales peintes sur les murs crépis des bâtiments (les fresques)
  • des images réalisées à partir de minuscules morceaux de verre ou de céramique (les mosaïques).
Compréhension
La culture de la Rome antique était reflétée dans les œuvres d’art et l’architecture.

La culture de la Rome antique a une influence sur les œuvres d’art moderne.
Habiletés et procédures
Explorer les œuvres d’art et l’architecture de la Rome antique comme source d’inspiration pour la création artistique.

Comparer les formes d’art et l’architecture de la Rome antique à celles des temps modernes.
Connaissances
En Alberta, les œuvres d’art visuel ont été influencées par l’histoire et les traditions d’artistes de diverses cultures.

Les pétroglyphes sont une forme de texte écrit que certaines sociétés ont interprétée comme un art visuel.

Le parc provincial Writing-on-Stone en Alberta possède de nombreux exemples de pétroglyphes des Premières Nations.

Les Premières Nations, les Métis et les Inuit transmettent leurs connaissances par le biais d’œuvres d’art qui peuvent comprendre :
  • les sculptures en pierre, en bois et en os
  • la poterie
  • la broderie
  • les œuvres textiles en piquants de porc-épic
  • l’art en l’écorce de bouleau
  • les motifs et régularités géométriques sur la peau
  • le perlage
  • le tissage
  • les peintures.
Les Métis de l’Alberta sont réputés pour leur travail de perlage floral.

Lawren Harris (1885-1970) était membre d’un groupe influent d’artistes canadiens appelés le Groupe des Sept qui a capturé le paysage de l’Alberta dans des peintures à l’huile.
Compréhension
Les arts visuels en Alberta peuvent refléter la culture de ceux qui nous ont précédés et de ceux qui vivent ici aujourd’hui.
Habiletés et procédures
Étudier l’information communiquée par le biais des pétroglyphes trouvés en Alberta.

Explorer l’importance des œuvres d’art locales.

Créer des œuvres d’art visuel qui reflètent l’histoire ou les traditions de l’Alberta.

Discuter d’exemples de connaissances que les Premières Nations, les Métis et les Inuit peuvent transmettre par le biais d’œuvres d’art.
Connaissances
Les cultures des Premières Nations de la Nouvelle-France avaient établi des traditions artistiques avant l’arrivée des Européens, y compris l’assemblage en touffes du poil d’orignal, le piquage et la broderie.

Les œuvres d’art des Premières Nations en Nouvelle-France reflétaient des traditions et des croyances qui continuent d’être honorées et célébrées aujourd’hui par les Premières Nations, les Métis et les Inuit.

Les protocoles relatifs à la façon dont les œuvres d’art sont créées, et à comment et avec qui elles sont partagées, faisaient partie des cultures des Premières Nations en Nouvelle-France et continuent de revêtir une importance considérable aujourd’hui.

Les formes d’art utilisées en Nouvelle-France continuent d’être utilisées aujourd’hui, y compris :
  • la sculpture
  • la peinture
  • le travail du métal avec l’or et l’argent
  • la menuiserie
  • les textiles
  • la gravure (la lithographie)
  • le vitrail
  • l’architecture.
La construction d’églises en Nouvelle-France a été financée par les églises en Europe et comprenait souvent :
  • des vitraux
  • des autels
  • des statues
  • des calices.
La ceinture fléchée est une ceinture à motifs colorés qui a émergé comme vêtement fonctionnel à l’époque de la Nouvelle-France.

La ceinture fléchée est représentative de l’héritage culturel des Canadiens français et des Métis.
Compréhension
Les œuvres d’art en Nouvelle-France ont servi à diverses fins pour les divers groupes de personnes qui y vivaient.

Les formes d’art de la Nouvelle-France continuent d’influencer l’art canadien aujourd’hui.
Habiletés et procédures
Discuter de la façon dont la culture est révélée par les œuvres d’art des Premières Nations, des Métis et des Inuit.

Voir diverses œuvres d’artistes canadiens-français, passés et présents, comme source d’inspiration pour parler et créer de l’art.
Connaissances
Les œuvres d’art européen médiévales étaient souvent basées sur des personnes et des évènements tirés d’histoires religieuses et de mythes classiques, y compris :
  • des héros, des héroïnes et des dieux qui sont encore couramment cités dans la littérature anglaise, dans les noms de marque et dans les écrits et conversations de tous les jours
  • les personnes et les évènements racontés dans les récits juifs et chrétiens.
Le Livre de Kells est un manuscrit médiéval dans lequel des décorations, y compris des images et des bordures, accompagnent le texte.

Les tapisseries, y compris Les Tapisseries de la licorne, étaient des œuvres d’art tissées qui pouvaient communiquer de l’information sur :
  • l’histoire
  • les légendes
  • les enseignements religieux
  • la vie quotidienne.
Au Moyen Âge, l’architecture a souvent été construite en tenant compte de la protection des personnes à l’intérieur des bâtiments, y compris les châteaux sur des collines rocheuses et les maisons entourées de murs.

Des styles architecturaux du Moyen Âge existent encore aujourd’hui, dont certains sont visibles dans :
  • le style carolingien, avec la chapelle palatine d’Aix-la-Chapelle
  • le style gothique, avec l’Abbaye gothique de Westminster, Ancienne-Nouvelle Synagogue de Prague et Hôtel-Dieu
  • le style ostrogotique, avec la Basilique byzantin de Saint-Vital à Ravenne
  • le style romanesque ou normand, avec l’Abbaye de Cluny, la cathédrale de Durham et la cité de Carcassonne.
Les cathédrales gothiques ont été construites avec des styles architecturaux particuliers et importants, y compris des :
  • flèches
  • arcs brisés
  • arcboutants
  • rosaces
  • vitraux et statues
  • gargouilles.
Les cathédrales gothiques traditionnelles peuvent être vues aujourd’hui, comme :
  • la cathédrale Notre-Dame de Paris, France
  • la cathédrale Notre-Dame de Chartres à Chartres, France.
Les œuvres d’art de l’Islam médiéval décourageaient l’utilisation de formes et de motifs détaillés pour représenter la forme humaine.

Les œuvres d’art islamiques utilisent des formes d’art décoratif, y compris :
  • la calligraphie
  • la poterie populaire
  • les carpettes et les tapis.
Les motifs décoratifs sur la céramique et la poterie populaire comprennent des :
  • inscriptions et des proverbes
  • animaux, généralement des oiseaux du passé folklorique
  • motifs géométriques
  • régularités abstraites.
Les livres ou manuscrits islamiques étaient illustrés dans un style appelé enluminure, qui présentait souvent des régularités et des motifs complexes utilisant des formes géométriques, botaniques et animales.

Le tissage de la soie a donné naissance à la forme d’art des tapis dans l’art islamique, qui comprenait des motifs élaborés et des couleurs vives.

L’architecture islamique médiévale peut être vue dans :
  • L’Alhambra, 1238-1358, à Grenade, Espagne
  • La mosquée-cathédrale de Cordoue, 784-1146.
Une mosquée est un lieu de rassemblement central nécessaire pour la prière commune et les rassemblements communautaires.

Une mosquée hypostyle est une conception architecturale où le toit repose sur des piliers ou des colonnes.

Compréhension
La culture s’est révélée à travers les œuvres d’art du Moyen Âge.
Habiletés et procédures
Voir les œuvres d’art et l’architecture du Moyen Âge comme une source d’inspiration pour parler et créer de l’art.

Concevoir des œuvres d’art en utilisant les styles décoratifs du Moyen Âge.